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Día Internacional del Teatro

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Gracias a una iniciativa de la UNESCO se creó este día en 1961, por el Instituto Internacional del Teatro (ITI), organización internacional no gubernamental en el dominio de las artes escénicas.

Tras el cruento conflicto desatado por gobernantes, políticos, economistas y militares, los hombres de teatro manifestaban su esperanza –y su confianza- de que el arte escénico estableciera lazos permanentes de solidaridad y comprensión entre los países. Así, en 1948, nace el Instituto Internacional, y en 1961, en el noveno congreso del ITI, en Viena, un delegado de Finlandia propone la creación del Día Mundial del Teatro.

Se fija el 27 de marzo porque era el día en que se inauguraba en París el festival "Teatro de las Naciones, ITI, UNESCO" que reúne a representantes de todos los países del mundo.

Desde 1962, una personalidad del mundo del teatro o una figura conocida por sus cualidades de corazón y espíritu sea invitada a escribir el Mensaje Internacional, traducido a 20 idiomas, leído delante de decenas de millares de espectadores del mundo entero y difundido por los medios de comunicación de los cinco continentes.
Mensaje del Día Mundial del Teatro - "Un destello de esperanza".

Se ha anunciado desde siempre la muerte del teatro, especialmente después del surgimiento del cine, la televisión y los nuevos medios. La tecnología ha invadido la escena y aplastado la dimensión humana; hemos experimentado un teatro visual que ha rechazado la palabra, cercano a una pintura en movimiento.

Se han realizado obras sin palabras, sin luz, y hasta sin actores, con maniquíes solamente o marionetas instaladas con juegos de luces.

La tecnología ha tratado de transformar el teatro en fuegos artificiales o en un espectáculo de feria. Hoy asistimos al regreso del actor frente al espectador. Hoy somos testigos del regreso de la palabra sobre el escenario.

El teatro ha renunciado a la comunicación de masas y ha reconocido sus propios límites, impuestos por la presencia de dos seres frente a frente que se comunican sentimientos, emociones, sueños y esperanzas. El arte escénico deja de contar historias para intercambiar ideas. El teatro emociona, ilumina, molesta, perturba, exalta, revela, provoca, transgrede. Es una conversación compartida con la sociedad. El teatro es la primera de las artes en confrontarse con la nada, con las sombras y el silencio para que surjan la palabra, el movimiento, las luces y la vida.
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El teatro es materia viva que se consume al mismo tiempo que se crea, pero que siempre renace de las cenizas. Es una forma de comunicación mágica en la que cada persona da y recibe algo que la transforma. A través del teatro no se expresan sólo los creadores sino la sociedad contemporánea.

El teatro tiene enemigos visibles: la falta de educación artística en la niñez, que nos impide descubrirlo y disfrutarlo, la pobreza que invade el mundo, que aleja a los espectadores de los lugares de espectáculo; la indiferencia y el desprecio de los gobernantes que tendrían que promoverlo.

En el teatro los dioses y los hombres se han comunicado, pero ahora el hombre le habla a otros hombres. Por eso el teatro debe ser más grande y mejor que la vida misma. El teatro es un acto de fe en el valor de una verdad prudente en un mundo enloquecido.

Es un acto de fe en la humanidad, responsable de su propio destino. Es necesario vivir el teatro para comprender lo que nos sucede, para transmitir el dolor que flota en el aire, pero también para vislumbrar un destello de esperanza en medio del caos y la pesadilla cotidianos.

NOTA - El teatro en el cine... "TERROR DEL ABSURDO".

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"A manera de introducción a esta propuesta, podría decirse que el riesgo creativo es y será siempre la línea a seguir del Colectivo Inestable Santagalatea, que ha hecho parte de la escena nacional con montajes como, Historia del zoo del dramaturgo Edward Albee, Perdida en los Apalaches de Sanchis Sinisterra, Búfalo Americano de David Mamet, entre otros; la preocupación por trascender, encontrar nuevas dramaturgias, realizar procesos de investigación alrededor del oficio del director y el actor, hacen que este Colectivo se preocupe por transformar la escena nacional y en este caso especifico, el cine, para lanzarse al ruedo con un nuevo proyecto, De perros y Pájaros, que en este momento está en el proceso de preproducción. Esperemos que esta nueva búsqueda del lenguaje cinematográfico, que es realizada en su gran mayoría por gente dedicada al teatro, de los resultados esperados, además que sea un impulso a seguir por otros grupos creativos." Jasón.

Por Santiago Merchant.
Sinopsis.
DE PERROS Y PAJAROS

Tres ladronzuelos de poca monta, enceguecidos por el dinero fácil, buscan rapiñar a una pareja de débiles ancianos que suelen ser clientes de un anodino mercado de pulgas. Los hombres convencidos de poder vulnerar la seguridad de los viejos se encuentran con que son seres siniestros, obligándoles a presenciar un desenlace macabro, truculento y fatal.

DE PERROS Y PAJAROS
Terror del absurdo

En busca de una nueva dramaturgia cinematográfica

DE PERROS Y PAJAROS representa una propuesta artística interdisciplinaria con incidencias socio-culturales por ser el cine y las alternativas audiovisuales un aspecto destacado en el desarrollo artístico de los territorios, un elemento de cohesión en generar subjetividades y representaciones sociales, lo que nos permite interpretarlo como un instrumento capaz de problematizar el entorno social e histórico de las producciones en su contexto.

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Antes que nada pretendemos fomentar el campo de la investigación y la producción crítica dentro y fuera del cine mismo, aspirando a generar un ámbito de formación y reflexión permanente en el área que nos compete fundamentalmente : las escrituras para la escena, dramaturgia , las experiencias espectaculares, el arte de la dirección y la actuación, y las técnicas cinematográficas.

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Dentro de este clima primordialmente investigativo en el que la teoría y práctica que propende a establecer conexiones con otros campos disciplinarios, nos profundiza y actualiza el saber de nuestra misión como realizadores audiovisuales, queriendo enfocar nuestro trabajo a nuevas alternativas narrativas, pero sobretodo adquirir una postura responsable y rigurosa frente al cine nacional. De esta manera somos consientes de la necesidad de la nueva dramaturgia dentro del cine, vertiendo esta búsqueda a todos y cada unos de sus componentes, replanteando el verdadero oficio del director, de
l ACTOR, del director de fotografía, la dirección de arte, de los operadores, del maquillador …etc. Así DE PERROS Y PAJAROS se nos constituye como una oportunidad, como el momento justo para emprender la búsqueda del nuevo cine de género, que nutrido primordialmente por las artes escénicas se nos aparece con el rotulo de Terror del Absurdo.

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El Terror del Absurdo se configura como una posible formula que ataca directamente las enormes falencias dramatúrgicas, por ende formales del cine nacional, que si bien ha venido creciendo como industria y en muy contadas e insuperables excepciones se ha lanzado a superarse magistralmente en todos sus aspectos, ha sucumbido en contenido y se aleja ridículamente a ser arriesgado, blindándose en un realismo perezoso y bidimensional…y eso es el Terror de Absurdo, el riesgo, nutriéndose desde luego de las pequeñas anécdotas del hombre común pero dimensionándolas en grandes sucesos que le llevan al mismísimo límite de su personalidad, su relación con su contexto, su mismo proceder traicionando sus más profundas convicciones. La imposibilidad de racionalizar y decidir ante un suceso impredecible y desconocido convirtiéndose en mounstro y víctima del mundo. Tragedia del hombre contemporáneo.

Terror del Absurdo
Terror: miedo muy intenso [buscar causar miedo o angustia en el espectador]

Absurdo: Contrario y opuesto a la razón; que no tiene sentido.
adj. Extravagante, irregular. adj. Chocante, contradictoria. m. Dicho o hecho irracional, arbitrario o disparatado.

De perros y pájaros es una propuesta que quiere romper con los paradigmas del mal entendido, ortodoxo y academicista realismo, (anécdotas, actuación, tv etc.)Llevando cada situación al límite, a los preludios de lo absurdo, a los umbrales de lo surrealista.

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Es un efecto eminentemente dramático, teatral por así decirlo, donde el actor debe quebrar sus propias seguridades para hallar el universo profundo y particular de los personajes. NO se trata de representar la realidad, de la mimesis, se trata de construir licencias poéticas teniendo como cimientos una realidad posible, puesto que nuestros personajes NO existen, solo existen gestus que pueden ser instalados en cualquier personalidad, cualquier personaje. Por consiguiente el contexto de estos personajes también es único, posible solo para ellos pero no imposible para la realidad. Un universo que se
sumerge en los albores del modernismo, de la crisis, un mundo posible en el que, como Valle-Inclán, se busque la deformación sistemática de la realidad, solo como medio brutalmente provocador, para mofarse del sistema y del orden establecido, para hombres inquietos. Ahora el Terror del absurdo también quiere mofarse de manera rimbombante y pomposa de la estupidez humana, su proceder majadero y ridículo; también como Valle- Inclán empujamos al límite sus rasgos grotescos y absurdos.
Los personajes se instalan en un espacio cerrado, un decorado que a su vez es un “lugar común”, fundido, inestable… todo es real pero NADA existe.

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Es un ejercicio de identificación con el espectador a partir del sobrecogimiento y el escándalo.

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Ideas sueltas
Cerrarse en un decorado, la importancia del espacio cerrado, la teatralidad, llenar de truculencia los personajes, entender la estupidez, el claro-oscuro, el equilibrio precario, leer y hablar correctamente…

NOTICIA - Nuevo director del Teatro Nacional

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Propiedad de CEET
Luis Guillermo Soto fue el escogido por la junta directiva, de la cual él era el vicepresidente

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Soto se encargará de manejar todo lo relacionado con el funcionamiento de las salas, obras y proyectos de extensión teatral que viene desarrollando la fundación.
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"Creo que conozco el tema, tengo la capacidad gerencial para manejarlo y llevo 27 años metido en esto, además siempre conté con la cercanía y confianza de Fanny Mikey. Ella me oía", dice Soto, quien no puso su nombre a consideración, aunque reconoce que alguna vez le preguntaron si se le mediría al reto.

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Ahora que esa sugerencia es una realidad, considera que está listo para llevar las riendas de Teatro. "Cuando a uno le entregan una empresa andando, el verdadero reto es que se mantenga así", asegura.

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Mientras espera la ratificación del nombramiento, que se producirá el lunes 9 de marzo, adelanta que le encantaría ampliar la penetración del teatro hacia el público.

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"Que se nos vuelva algo cotidiano, como en Madrid o Buenos Aires y que lleguemos tanto a los jóvenes como a la gente mayor.
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Frente al panorama que antecedió a su designación, cuando se barajaron varios nombres y hasta se hizo pública una tensión interna para escoger al sucesor de Fanny Mikey, Soto insiste que viene con otra tónica.

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"Yo no soy un tipo de peleas ni de discusiones. En todos estos procesos de elecciones siempre hay borrón y cuenta nueva. Yo no tengo ningún problema con nadie ni con Ana Marta de Pizarro (quien fue escogida como la directora del Festival Iberoamericano de Teatro) tenemos que sentarnos a trabajar cuando la junta me ratifique", finaliza.

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Publicado el 5 de marzo del 2009
ANDRÉS HOYOS

CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

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Sacado de:
http://bogota.vive.in/enescena/bogota/articulos_teatro/marzo2009/ARTICULO-WEB-NOTA_INTERIOR_VIVEIN-4858833.html

OPINIÓN - Actores con un Título.

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Propiedad de CEET

En Colombia existen varias escuelas en donde los jóvenes se forman como actores de teatro. Estas, junto con las de algunas universidades del país, buscan avalar sus contenidos con el registro del Icfes para entregar títulos profesionales. Este es el caso de la Escuela del Teatro Libre de Bogotá, que durante 18 años ha ofrecido una formación de tipo no formal.

Durante varios meses ha trabajado en un convenio con la Universidad Central para que, en el primer semestre del 2006, se convierta en una facultad, y los estudios que realizan sus alumnos, además de tener una excelente calidad, sean reconocidos en el ámbito internacional.

"El hecho de ser profesionales les da la posibilidad a nuestros alumnos de trabajar como profesores y que les paguen mejor. Además, con el diploma, pueden acceder a especializaciones, postgrados y doctorados en el exterior", comentó Carolina González , directora administrativa del Teatro Libre de Bogotá.

Crece la oferta.
La Universidad Javeriana también se encuentra en el mismo proceso. Gracias a la experiencia que ha ganado, su Departamento de Artes Escénicas espera convertirse en una carrera. "Es un proyecto que está en proceso de aprobación por las directivas de la universidad. También estamos esperando una planta física eficiente", aseguró Juan Manuel Combariza, director del Departamento de Artes Escénicas de la Javeriana.

En Bogotá hay cinco programas de artes escénicas, avalados por el Ministerio de Educación: los de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, la del Bosque, la Academia Superior de Artes de Bogotá y la Pedagógica, con énfasis en actuación, dirección y pedagogía. Las carreras duran entre ocho y diez semestres.

La Universidad del Bosque lleva siete años con su facultad, la más reciente de las instituciones privadas. "Imponemos una disciplina al artista, mientras la otra forma de estudio depende de la constancia del alumno. Además, los padres sienten que sus hijos no pierden ni tiempo ni plata", comentó Luis H. Espinel, fundador de la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad de Bosque. También la Escuela de Artes Líricas abrió una nueva facultad de artes escénicas con énfasis musical.

Uno de los grandes esfuerzos del Gobierno en los años 70 fue elevar a facultad de artes escénicas la Escuela Nacional de Arte Dramático, dirigida en esa época por Santiago García, quien asegura que "se pasó de una escuela de estudios medios a una escuela de estudios superiores, avalada por la Universidad Nacional". A ella se le unieron la Universidad del Valle y la Universidad de Antioquia. No obstante, este proyecto terminó a mediados de los años 90.

"Si las escuelas de teatro se profesionalizan es porque se trata de dignificar este arte para sacarlo del tremedal en que lo tiene hundido la farándula ", afirmó Ricardo Camacho, director de la Escuela del Teatro Libre de Bogotá.

La moda de los realities llevó a realizar un programa en donde se formaban actores. A pesar de haber sido maestro de Protagonistas de novela, Julio César Herrera es uno de sus críticos: "Es una puerta fácil para entrar a la TV. Estos niños, lastimosamente, haciendo miles de talleres no van a ser actores".

Laura García no cree que un medio sea peor o mejor que otro. "La TV es quizás el que más escarnio ha sufrido. Uno no puede decir que todo lo que se hace en teatro es bueno, que todo lo que se hace en la televisión es malo y que todo lo que se hace en cine es maravilloso", concluyó.
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Publicación eltiempo.com Sección Cultura y entretenimiento Fecha de publicación 18 de julio de 2005
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Fotos: Teatro Libre sede Centro, Jual Pablo Miranda. Academia Superior de Arte de Bogotá, http://www.bogota.gov.co/portel/libreria/php/decide.php?patron=01.09&inicio_3=66

NOTA - Las herramientas completas del método Stanislavsky.

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Conferencia: Las herramientas completas del método Stanislavsky
Por: Bella Merlín, Reino Unido
Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Marzo 20 de 2008
Notas tomadas durante la conferencia por: Felipe Chávez G.


Stanislavsky empezó como un actor aficionado, es decir sin técnica ni pago por su trabajo, es mas era un actor bastante flojo. Pero su capacidad de análisis le permitió hacer una lectura crítica del teatro ruso del siglo XIX, que entre otros tenía los siguientes problemas:- Se limitaba a unas malas traducciones del francés y el alemán.
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- Tenía un sistema de actores estrellas: cuando entraba el actor o actriz principal, los otros actores hacían un congelado, el protagonista entraba haciendo alarde de su pose de estrella, recibía aplausos y flores y cuando por fin se concentraba, como en un trance mágico, empezaba su representación del personaje.- Actor de traje propio: no había diseño de vestuario, cada actor iba acumulando sus trajes y sus posibilidades económicas dependían de los trajes que tuviera en su colección.
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Stanislavsky y su amigo Mijail Danchenko deciden hacer un teatro diferente a ese teatro ruso.
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El concepto de la cuarta pared fue necesario para que los actores estuvieran concentrados y no estuvieran pendientes de recibir el aplauso o las flores del público. No para alejarse del tiempo real de la función ni para ensimismarse en la actuación.
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Aparece el gran escritor Chéjov, que plantea unos personajes que no son estereotipos, que no son simplemente buenos o malos, sino que tienen matices y eso representa una gran dificultad para los actores de la representación.
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Stanislavsky transita tres etapas en su investigación:

PRIMER ETAPA: Stanislavsky estudia a Chéjov línea por línea, hace un plano de acciones corporales con tiempos determinados, con número de pasos, con dirección de las miradas. Un plano extremadamente técnico, que recibía el director y se lo transmitía a los actores quienes después de algunos montajes se quejaron pues se sentían como títeres: “consíguete unas marionetas” le dijeron a Stanislavsky.

SEGUNDA ETAPA: Stanislavsky comprende que debe prestarle atención a los sentimientos e información de los actores, entonces hace trabajos de mesa intensivos, línea por línea. ¿Qué estaría pensando el personaje cuando dice esto?, ¿Qué estará sintiendo el personaje en esta línea, en esta palabra?.
Después de tres meses de trabajo de mesa, al subirse al escenario no podían liberarse de tanta información.

TERCERA ETAPA: Utiliza la herramienta de las improvisaciones, así da autoridad a los actores. Encuentra las herramientas de:
-Acciones físicas: es una secuencia concreta para lograr el objetivo psicológico de la escena.
-Análisis activo.
-En cada escena se debe lograr el objetivo respondiendo a las preguntas: ¿en esta escena qué quiere el personaje, el autor, el actor?.
¿Qué hago en cada pequeño pedazo de la escena?.

EJERCICIO
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Inhalar 3 veces y exhalar 1 vez es el ritmo de la risa.
Inhalar 3 veces y exhalar 1 vez es el ritmo del llanto.
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La respiración es la base de la acción física, es necesario hacerlo conscientemente.
Los pacientes que piensan en positivo se curan mas rápido. Es una demostración de la herramienta psicofísica.
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Memoria afectiva: tiene que ver con “afectar” ¿cómo se afecta la acción?
-El actor necesita una caja de herramientas completas, una herramienta para cada cosa, la más útil para cada situación. Hay actores que se quedan con una sola herramienta de por vida y eso es como un relojero que cree que con un martillo puede arreglarlo todo.
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Brecht quiere divertir pero también quiere que la gente racionalmente piense que esa no es la sociedad que desea, no quiere que la gente se enmelocote de sentimientos románticos.
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Chéjov plantea el juego.
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Brecht plantea el divertimiento.
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Para la construcción del personaje se debe buscar el “empleo” ¿En qué trabaja el personaje? Eso da características físicas y psicológicas de cómo se relaciona con el mundo.
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Anécdota: Una vez Stanislavsky le pide a Chéjov que actúe como si su padre hubiera muerto. Chéjov era un gran histrión, tiembla, llora y se estremece de una forma desesperada y real. Stanislavsky se preocupa y le pregunta cómo murió su padre, a lo que Chéjov responde: “Esto es pura imaginación, mi padre está vivo”.
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Se actúa con el otro actor, hay actores muy egocéntricos que solo se preocupan por lo que ellos sienten.
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Procesos actorales: entrenamiento, ensayo y función. Cada uno tiene sus momentos y sus prioridades.
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Chéjov le decía a los actores: “Usted es la mamá, el dramaturgo es el papá y el personaje es el hijo”.
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El actor debe ser un buen artesano, tener una conciencia dual. Engancharse con el personaje y ser consiente de la realidad.
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Creación de la palabra viviente: Stanislavsky decía “las raíces de la palabra están en lo profundo de cada actor, lo que sale son las hojas”.

ALGUNAS HERRAMIENTAS:
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Análisis por tipo de palabras.
Análisis por tipo de puntuación.
Amen las comas: donde realmente los oyen, porque se da de a poquitos.
Buscar las texturas detrás de las consonantes.
Compartir el nombre, la palabra como un trozo de chocolate delicioso.
Nutrirse de la ópera, cantar el texto.
Chéjov planteaba construir el cuerpo imaginario: crear su físico imaginariamente y “entrar en él”.
Danchensko elaboró el término “subtexto”.
Es importante equilibrar los tres centros: Pensamiento, emocional, físico.
Conciencia del tempo: ritmo e intensidad.
En suma, Stanislavsky tomó el comportamiento humano y lo analizó en sus partes mas pequeñas.
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NOTA - Director de teatro Santiago García, premiado por su Vida y obra. 2006.

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EL TIEMPO
Santiago García ha estado en escenarios nacionales e internacionales desde los sesenta.
El Ministerio de Cultura le dio ese galardón y el Concejo de Bogotá le otorgó su Cruz de Oro.

A pesar de su apariencia de abuelo bonachón, Santiago García sigue siendo el rebelde que debutó como director del teatro La Candelaria, en junio de 1966. Lo acompañaba un grupo deslumbrante que apenas despuntaba en las tablas colombianas: Patricia Ariza, quien continúa a su lado en La Candelaria; Carlos José Reyes, Edy Armando y Miguel Torres, estos, tres de los más consagrados dramaturgos colombianos.
Eran los días de las rosas en la boca de los fusiles, la utopía. La juventud estaba cargada de energía y los actores de entonces no tenían que (como los de ahora) dedicar la tarde a conseguir el dinero que su oficio no le brinda a la supervivencia urbana.
Hoy, cuando la moda les sugiere otros miles de caminos a los artistas jóvenes, La Candelaria sigue siendo un templo del inconformismo y el arte contestatario. Por sus sillas desfila, fiel, una cofradía de seguidores que, como se dice en las calles del viejo barrio, no los ha dejado morir. Han pasado cuatro décadas desde que con 'Los soldados', adaptación que Carlos José Reyes hizo de 'La Casa Grande', de Álvaro Cepeda Samudio, García se entregó a la tarea de dirigir.
Antes de eso, había trabajado durante seis años con el Teatro Estudio de la Universidad Nacional. "Considero que junto al Teatro Matacandelas, de Medellín, el Teatro Experimental de Cali, El Teatro Libre, La Mama y El Local estamos dándole un lugar de honor, a nivel mundial, a nuestro país", asegura antes de pedir disculpas porque pudo habérsele escapado alguna propuesta interesante.
Jairo Aníbal Niño, Enrique Buenaventura y Carlos José Reyes son, en su concepto, los autores más destacados. De su propia obra teatral prefiere no emitir juicios de valor artístico. Sin embargo, reitera su opinión de que "la poesía es una de la opciones más bellas que puede tomar un ser humano".
Para Santiago García, Colombia está a la vanguardia en el teatro iberoamericano, gracias a las propuestas de los grupos que llevan varias décadas de trabajo "constante y consecuente". Este año, México, España, Inglaterra, Alemania, Perú, Ecuador y otros países están en la agenda de La Candelaria y varios de sus grupos colegas. "Nos reconocen como gestores del arte teatral del continente", afirma él.
"No estamos en contra del teatro comercial, es otra propuesta válida con público y espacios propios. Nosotros preferimos mantenernos como una alternativa y una búsqueda de nuestra propia identidad. El camino de la imitación no conduce al arte", argumenta García. Él, por su parte, también se ha puesto el traje de actor y dramaturgo. "En las lecturas que frecuento, me hallo con algunos aspectos que me han estado rondando en la rutina teatral, con los cuales se entrevé la posibilidad de que ese texto, o textos que estoy leyendo, originen un futuro libreto de teatro", ha afirmado para explicar su decisión de hacer una adaptación de 'El Quijote de La Mancha', en el año 2002.
Hoy -y desde hace ya un buen rato- la militancia ideológica es estigma para muchos artistas. Santiago García lo sabe. Sin embargo, tiene la valentía y el oficio necesarios para afirmar que la propuesta de La Candelaria es arte destinado a permanecer, más allá de los debates políticos que se puedan librar fuera de escena.
"Nuestra propuesta ha sido, desde el inicio, un teatro experimental que ha encontrado un público propio y satisfecho". Lo cierto es que, este mes, el Teatro Colón debe ser el escenario en el que Santiago García reciba una nueva distinción nacional. Germán Téllez y Beatriz González compartirán, junto a él, el premio 'Vida y Obra' del Ministerio de Cultura.
Además, en junio de este año, el Concejo de Bogotá lo premió con la Cruz de Oro por su trayectoria. Él, al respecto de las distinciones, es claro. "Las medallas son un excelente reconocimiento, pero lo cierto es que el teatro La Candelaria tiene un déficit de más de 100 millones de pesos anuales. Vivimos del aire y de las ganas de hacer teatro". Por eso, el arte sale a flote. "Nos damos el lujo de tener, desde nuestro inicios, una sede propia y un repertorio nuestro que nos da la posibilidad de mantener un grupo de actores constante", asegura.
Y sí. Del grupo de diecisiete actores, cuatro están desde la fundación de La Candelaria. Él mismo, Patricia Ariza, Francisco Martínez y Fernando Mendoza. Una verdadera hazaña que se suma a otra más: seis de las obras de La Candelaria ('El Quijote', 'En la raya', 'El paso', 'De caos y de cacaos', 'Nayra' y 'Antífona') conforman la temporada que, a mitad de año, agotó boletería con anticipación.
"El esfuerzo, las serias intenciones de establecer una dramaturgia nuestra y la elaboración de una obra original le han dado validez al teatro colombiano", asegura en la casona de la calle doce con carrera segunda, "donde se han escenificado, en cuatro décadas de escueto amor al arte, ciento cincuenta y seis obras; veintidós de las cuales han sido de nuestra autoría colectiva y otras doce de actores del grupo", concluye García.

NOTA - El arte del Actor. Por Paolo Magelli.

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Conferencia: El Arte del actor
Por: Paolo Magelli, Eslovenia
Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Marzo 20 de 2008
Notas tomadas durante la conferencia por: Felipe Chávez G.

Los actores europeos tienen todas las virtudes actorales y un solo defecto, por eso cuando dirijo en Alemania o Italia debo regresar a dirigir rápidamente a dirigir actores eslavos, pues estos actores tienen todos los defectos y ninguna virtud.
Toda tragedia es cómica.
Estoy feliz de haber estudiado literatura y eslavística pues me permite leer a los grandes en su propia lengua: Chéjov, Kafka. Los italianos hacen muy malas traducciones. Estos autores son profundamente cómicos, pero los italianos los traducen como oscuras tragedias. Hay que leer “América” de Kafka y encontrarle su comicidad.
Levi Satrauss decía: “Para entender la cultura de un pueblo no vallas a los libros, entra a un restaurante y lee el menú”.
El actor es la puerta para conocer el alma de un pueblo.
El actor es el alma de la humanidad.
Trabajo con un texto llamado “la utopía cansa a los caracoles”.
Tengo el alma llena de remiendos como el traje de Arlequín.
El teatro de hoy tiene varias urgencias:
1. Recuperar la identidad cultural frente a la estupidez de la televisión y la edad media tecnológica que estamos viviendo.
2. El actor latinoamericano: América Latina es la meca de la espiritualidad, del arte, especialmente del teatro en el nuevo siglo.
El teatro es el único lugar libre que nos queda. Somos esclavos en la política, en la prensa, en la tecnología, ya sabemos quienes son los que ordenan que debemos pensar, pero el teatro es la libertad intelectual, la libertad de soñar.
En Europa vivir algo de verdad es una excepción, todo allá es virtualmente light y la vida light, la prensa light, la política light está gobernada por unos pocos.
El actor contemporáneo debe volver a ser como los griegos: unos tipos que miran las estrellas y se preguntan lo esencial: ¿Cómo?, ¿Por qué?, ¿Para qué?, ¿Quién soy?.
El imperialismo bancario mató a dios. Cambió el triángulo con el ojo por el cuadrado del cajero automático. La vida europea está vendida a los bancos, se hipoteca la vida y se trabaja cada día para morir con la cuenta en ceros y no deberles nada. En cambio el teatro es el espacio de los sueños. El actor es mas que un vendedor de sueños.
Hay que volver a ser artesanos para poder ser artista. Desacralizar la idea del arte, reconocer las técnicas básicas.
No olvidemos que el teatro es efímero, no queda nada del teatro después de la función.
El teatro es la fragilidad de la nada.
Debes darle la oportunidad al otro de ser mejor que tú, el otro es el actor, pero especialmente el otro es el público.
La espiritualidad pasa por la materialidad del trabajo.
En suma, frente a la pregunta que me hicieron ¿qué es el actor?: el actor lo es todo.

NOTA - Premios Max

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¿QUÉ SON LOS PREMIOS MAX? España

Los Premios Max nacen con el propósito de estimular y premiar el talento de los artistas y profesionales de las artes escénicas de nuestro país. Siguiendo el modelo de los galardones Molière en Francia, los Olivier en Gran Bretaña o los Tonys de Broadway. Sus creadores son La Sociedad General de Autores y Editores y la Fundación Autor.
Los Premios tienen la forma de una simpática manzana tocada con un antifaz, diseñada por el poeta y artista Joan Brossa.
A estos premios concurren todos los espectáculos estrenados o reestrenados en la temporada anterior, junto a sus autores, traductores, adaptadores, compositores, directores, coreógrafos, escenógrafos, figurinistas, productores, actores e intérpretes de danza que hayan formado parte en los mísmos. Los ganadores son elegidos mediante el voto de sus compañeros de profesión.

Los objetivos que persiguen los Premios Max de las Artes Escénicas son:

1. Reconocer el trabajo realizado por los profesionales de las Artes Escénicas, (creadores, intérpretes y productores), siendo unos Premios de prestigio, su finalidad es convertirse en un referente para los espectáculos, y servir de estímulo para las trayectorias de los profesionales y la vitalidad de las producciones.
2. Alcanzar la máxima difusión entre el público en general para lograr la necesaria implantación en la sociedad.
3. Lograr una máxima implicación de la sociedad a partir de la estrecha colaboración de los propios profesionales del sector, junto con los principales agentes culturales, públicos y privados.Con los Premios Max se propone una iniciativa, un mecanismo teatral que potenciará en grado sumo la creación escénica y la vida cultural.


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