BITÁCORA TEATRAL

TEATRO MATACANDELAS - Grafitti - Telemedellin

2009-05-26T15:25:00.000-07:00

ENTREVISTA A CRISTÓBAL PELÁEZ

2009-05-26T09:09:00.000-07:00

Por: Camila Misas
¿Qué tipo de estudios ha realizado, o cómo se ha desarrollado dentro de su campo?
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Todo ha sido empirismo, libros y vivencias, experiencias del padecer, del observar y del reflexionar. Sólo llegué hasta cuarto de bachillerato pues los curas no me aguantaron como alumno y yo tampoco los acepté como mentores. Cuando me retiré del colegio mi formación empezó a mejorar. Con los años he comprendido que hubiera podido hacer un mejor teatro si me hubiera fundamentado en el estudio de cosas que resultan claves para el oficio teatral: la pintura, las matemáticas, la geometría, la filosofía.
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¿Cómo llegó a su oficio actual? Su historia personal para terminar involucrado en las artes escénicas?
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Todo llega, como para muchos, en un afán de simular, de remedar, de reproducir lo observado representándolo. No se puede olvidar que la REPRESENTACIÓN es una forma de conocimiento y es una forma no suplantable. Uno puede expresar algo a través de palabras o a través de métodos científicos, pero la representación es de por sí una manera irremplazable, que se autoabastece. Y para ello la representación en su gestualización echa mano de sus auxilios: la escultura, la música, la pintura. Desde niño yo tendía a comunicar las cosas mostrándolas, accionándolas, reproduciéndolas. A mis nueve años no había visto ninguna función teatral, ni un títere, y un profesor de primaria muy entusiasta con la recreación nos dijo que íbamos a montar un Sainete, yo no sabía que era aquello pero esa palabra Sainete sonaba bien y me le apunté. Desde entonces creo que no ha pasado ningún año en que no este trepado en un escenario. El teatro en bachillerato empezó a perjudicar mi rendimiento académico, entonces resolví abandonar el colegio. Fue en Envigado, y a mis 16 años mi pasión por el teatro era tal que dirigía tres grupos juveniles. A los 18, por obligación económica, ingresé a una gran fábrica como obrero raso y el teatro se fue para el carajo...pensé derrotado que ahí estaba terminada la existencia del artista adolescente.
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¿Qué momentos le han marcado su destino y lo han llevado a continuar con este arte?
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Durante dos años como obrero todo el tiempo libre lo utilizaba en leer, estaba drogado por la lectura. Estaba inconforme y me daba cuenta que el trabajo me estaba embruteciendo. Resolví una mañana fugarme, exilarme, y tomé un barco que me llevó a Barcelona, seguí a Madrid y durante cuatro años viví al azar, todo lo más parecido a la novelística picaresca que tanto leía y añoraba. Me tiré a la aventura porque quería resolverme, cambiarme, castigarme, crecer en la desventura, y sabía que eso sólo podía ser a golpes, a la adversa. Me sentía un soberano guëvón y me empujaba yo mismo, me estaba poniendo un ají pajarito en el culo. No sabía qué estaba buscando. Recién ahora he descubierto que estaba haciendo mi trabajo de preparación para después fundar y estructurar el Teatro Matacandelas. Mi escuela fue el hambre, la adversidad, el odio, la amistad, la confusión, el desorden. Años terribles y maravillosos. Ese exilio marcó mi destino. El otro ha sido El Teatro Matacandelas un grupo que me ha consumido la sangre, la salud, los sueños y las dos terceras partes de mis sentimientos. Pero el Teatro Matacandelas también es otro exilio, somos un detritus cultural, pues ya sabemos que aquello que llaman patria no son otra cosa que tres elementos comunes: el idioma, el ejercito y los impuestos, al otro lado está nuestra patria verdadera: la poesía, la música y la infancia. Lo demás es pura línea cartográfica para que el otro no venda repollos en mi zona.
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¿Cuáles han sido sus logros y sus fracasos como artista?
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Esos logros y esos fracasos son a veces relativos, difíciles de valorar por uno mismo, y a veces su estimación depende del estado de ánimo en que uno se encuentre. He logrado, creo, hacer en parte un teatro que no es de encargo sino con el cual estoy de acuerdo, un teatro sin tanta espectacularidad, sin tanta ostentación, un poco personal. He logrado compartir con cientos de miles de niños el teatro como fiesta y he logrado con cientos de miles de espectadores compartir un estremecimiento -digo compartir no aportar, que es imposible-.
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He logrado compartir con mis compañeros de grupo el teatro como una esplendidez y al mismo tiempo como expresión de lo que somos, queremos ser o sentimos. He logrado durante 24 años armar esta especie de falansterio estético que es Matacandelas, he logrado con el arte del teatro diferenciarme de tanto bandido, tanto pícaro, y tanto dobletetratriplehijueputa que hay en este país, pues el escenario me ha salvado a mi mismo, es decir, me ha configurado un perfil bacano que es una mixtura entre el dandy, el hipy, el filosofo y el histrión. He logrado, con el teatro, mínimo servirle a una audiencia 5 fiestas a la semana, digo fiestas porque cada representación es para mí una fiesta, con invitados, que muchas veces incluye las cosas más buenas de este mundo: alcohol, tabaco, conversación. música, sexo. Por eso digo que el teatro es un rito y que la sede del Teatro Matacandelas es una república de 720 mts cuadrados que la hemos construido para pasar más bueno que un putas. El teatro debe aprender del burdel.
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He logrado modificar la estructura arquitectónica y social de la calle Bomboná de Medellín. He logrado con el teatro dedicarme a mis dos aficiones favoritas: observar y reflexionar. He logrado poner en escena dos cosas que siento casi perfectas: "¿Quién está ahí? (de Jean Tardieu) y "O Marinheiro", de Fernando Pessoa. He logrado aportar a las gentes de Medellín un teatro que está muy cerca de su talento y su creatividad.
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He fracasado en construir una compañía teatral más sólida, con más elenco, con un repertorio más amplio y más diverso. He fracasado en no encontrar la forma de la independencia económica frente al estado y a la empresa privada. He fracasado en no lograr un teatro de mayor calidad estética y una mayor conexión social. He fracasado en no haber creado un sistema de trabajo que garantice a los actores y a mi mismo la subsistencia material, en no crear los medios para que los actores puedan tener más tiempo de permanencia en el grupo, ocasionando con el ello todos los traumas de abortar experiencias recomenzando siempre. MIs fracasos se llaman limitaciones, ignorancias.
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¿Qué sueños tiene?
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Mis sueños tocan el tema de los fracasos, voltearlos, convertirlos en logros. Y esto es algo que tiene que ver la propia historia del teatro en Colombia. Los grupos tienen un tope de 25 años, luego empiezan a declinar terriblemente, se ahogan en su estética, se esterilizan en el cansancio, la penuria económica y la apatía social (y oficial). Mi sueño fundamental es tener la lucidez y la fuerza necesaria para vencer esa ley de gravedad. Un sueño es virar el rumbo de la embarcación hacia otras posibilidades (¿cuáles?). No sueño con una sociedad que valore el teatro, sino con un teatro que se valore a pesar de la sociedad.
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¿Qué personas han influido en su vida artística y por qué?
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Muchísimas, muchísimas. ¿Mencionarlas todas? Podemos empezar por Colombia, a nivel teatral: Enrique Buenaventura, Santiago García, Ricardo Camacho y toda esa pléyada de hombres que hicieron historia en nuestro teatro. A nivel filosófico y literario: Gonzalo Arango, Andrés Caicedo, Estanislao Zuleta y, por encima de todos, Fernando González.
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A nivel general: Fernando Pessoa, Federico García Lorca, Bertolt Brecht, Stanislavsky, Sylvia PLath, Gustave Flaubert y por encima de todos Charles Baudelaire.
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A nivel personal le debo mucho a Héctor Javier Arias, a John Eduardo Murillo, ambos cofundadores de Matacandelas que desde casi niños hurgaron conmigo en estas aguas. Puedo Agregar a Ángela María Muñoz, A Diego Sánchez, a María Isabel García, a Faber Londoño, ellos cuatro han compartido conmigo durante 20 años la derrota y el logro.
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Menciono a Guillermo Vélez Mejía, un pintor neoexpresionista del eje cafetero, un monstruo del pincel y de la palabra, un artista del desborde, un hermano loco, de él se puede decir lo que de muy pocos se dice: "ESE HOMBRE ES UN BARCO".
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Contagiado también por la amistad con Jaiver Jurado, Jorge Blandón, Farley Velásquez, Eduardo La Rata Carvajal, Sandro Romero Rey, Miguel González.

¿Qué sentido tiene el oficio que realiza?
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Todo es arar en el mar.
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¿Qué le diría a un joven que esta a punto de encaminarse en el camino de las artes escénicas?
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La consigna de William Carlos William: "Señoras y señores, arremangaos, que vamos a cruzar el infierno"
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¿Cuáles han sido los momentos de mayor adversidad y que ha estado a punto de dejar la pasión por el arte?
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Son muchos los momentos. Y los más difíciles son aquellos en los cuales no tenemos la fuerza que contrarresta. La pasión por el arte no obstante, en los peores momentos siempre ha estado presente pues es la última carta que se tiene para aferrarnos a lo mínimo. Pues aquello definido como pasión es lo que queda después que todo se ha derrumbado. La adversidad es simplemente la temperatura en que a diario trabajamos.
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¿Qué significa su profesión, cómo la puede definir?
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Más que profesión es una manera de observar, reflexionar e interpretar lo existente. En mi caso no es profesión pues no sabría cómo podría desempeñarme en otro ámbito que no sea Matacandelas. No he dirigido otros grupos, no he dirigido en otros países y otras culturas. Estoy absolutamente convencido que al fundar Matacandelas no he hecho otra cosa que fabricarme mi propia concha para huir de la realidad.
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¿Cuáles son los elementos básicos dentro de su proceso creativo?
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Primero es la idea, también la necesidad de expresar algo, también de compartir con muchos otros aquello que desde nuestro punto nos estremece. Esa idea, ese elemento desencadenador, se pone a prueba durante muchos años, se le pone a resistencia. Si el elemento perdura va desarrollando por si mismo su envoltura estética. El montaje es solo un empujón que opera a modo de fórceps. La historia de todos nuestros montajes ha operado de la misma manera siempre. En ese proceso el elemento colectivo es fundamental. El montaje de una obra como O Marinheiro no llevó más de 20 días, pero el trabajo sobre Fernando Pessoa llevó más de 10 años, algo así pasó con Andrés Caicedo, Con Sylvia Plath. Es algo alquímico y se llama fermentación. Yo no podría montar obras que no me incomoden, que no me lastimen, que no me derrumben a mi mismo. En el proceso festivo que llevamos con los títeres ocurre de igual forma, pero ahí la herramienta es la contraria: el desborde de entusiasmo, pues, es sabido, hemos querido aprender de la barraca, del espectáculo de feria.
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¿Cuál es la esencia de su grupo, aquello que lo caracteriza?
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Es muy conocido aquello de que el Matacandelas se caracteriza por su falta de estilo, lo cual con los años empieza a no ser verdad, pues sectores del público nos dicen que con cada nueva obra se reconoce en "algo" un estilo. Es lamentable, pero así es. En en Festival de Manizales unas espectadoras manifestaban su tremendo disgusto porque en nuestras obras no había actuación, que somos muy fríos, muy estáticos. Hay otros que dicen que lo nuestro no es teatro y que todo es una replica cinematográfica. En lo estético hemos repudiado el teatro visceral, compulsivo, epiléptico. Todavía no hemos podido aceptar que para decir "ser o no ser", un actor tenga que dar un triple salto mortal y luego mostrar las amígdalas y el páncreas al espectador. Durante años se impuso la moda de decir que el teatro era fundamentalmente imagen, a la palabra se le echó del escenario, pero ésta regresó por la trasescena. Resumo nuestra tentativa en esto: disciplina, profundidad, poesía, honestidad y musicalidad.
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¿Cuáles son las ventajas y las desventajas del trabajo en grupo?
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Ventajas: La posibilidad de crear un lenguaje estético colectivo. Los inmensos beneficios de la creación y la proyección. De todos modos los grupos no se crearon a partir de las ventajas sino por todo lo contrario, a la defensiva. No ha existido un modo de producción teatral comercial, no existen las empresas que arriesguen, pero el teatro, de todos modos hay que hacerlo, y como tal los grupos son pequeñas sociedades transitorias donde los individuos pactan su propia autoexplotación, a partir de compromisos ideológicos y estéticos. No creo nunca que la entidad "grupo" sea lo ideal, la entiendo más bien en sentido práctico. A partir de allí los grupos hemos creado unas dinámicas muy particulares, es el lugar donde está nuestro clan social, nuestra familia, todos nuestros esfuerzos, todos nuestros afectos y también nuestras frustraciones.
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Desventajas: son muchas. Los inmensos riesgos de anquilosar nuestra personalidad detrás de la apariencia colectiva, la tendencia a una rutina uniletral de trabajo estético, el desgaste continuo en una sola orientación, el "tareismo" productivo que casi siempre se impone sobre la necesidad reflexiva de lo estético.
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¿Qué es ser un director de teatro y qué hace?
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El director en un ámbito de producción regular es el hombre responsable de todo el armazón estético de una puesta en escena. Esta es el resultado de su visión humana y artística. Es el ingeniero poeta. En nuestro ámbito de los grupos el director ha ido más allá, no se si para mal, convirtiéndose en una figura que pertenece al psicoanálisis o a la sociología: Padre, líder, confesor. Y ello porque los grupos son unas extrañas células familiares.
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¿Desde el punto de vista del director, qué necesita un actor para ser un buen interprete?
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Todo actor está parapetado sobre una base técnica: respiración, concentración, relajación-tensión. Lo que sigue de ahí es su capacidad de simulación y su sentido poético. Hay muchos actores, pero muy pocos "animales de escena". Estos constituyen el privilegio de un grupo y de cualquier montaje. ¿Cómo es y cómo se construye un "animal de escena"? Esta pregunta trató de contestarla Stanislavsky en 10 libros.
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¿Cómo transmite su conocimiento a los actores, como logra qué ellos expresen lo que usted esta buscando?
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Yo no transmito conocimientos. Tampoco sé desde un comienzo qué estoy buscando. Nuestra vida social interna en grupo es muy intensa, hablamos mucho, discutimos mucho, nos equivocamos demasiado. Nadie, de manera puntual propone temas o autores u obras, casi diría, que siempre estamos esperando ser bombardeados por la necesidad y la realidad. No tenemos un plan a 5 ó 10 años, estamos sumergidos en la marcha espontánea de los acontecimientos y de pronto todo aquello que hablamos, leímos y sentimos nos reclaman algo. Es una marcha colectiva. En la posesión de un tema nos tiramos para el escenario y empezamos las pesquisas, las tentativas. Siempre pensando que el teatro es un no saber.
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Improvisamos con mucha pasión. El gran desastre del teatro en nuestro país es que casi todas las obras se montan a la manera de las otras obras vistas. Todas parecen replicas de las otras. Y las actuaciones son clonadas: "yo hago un personaje como lo vi el otro día". Eso ha inundado la escena de cosas ya vistas y oídas que no tienen ningún interés para nadie. Tengo obviamente ciertas estrategias con el actor, pero no para que me exprese, sino para que el se encuentre consigo mismo. La medida siempre es LA MUSICA.

¿Qué tipo de obras escoge y por qué?
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Se qué no busco, por ejemplo, el teatro informativo, el teatro de actualidad. La tarea más noble del teatro es una tarea absolutamente desinteresada, sólo busca el placer. Quiero decir, es un teatro sensual. Se ha confundido la sensualidad como algo estrictamente carnal, se ha olvidado que también es un hecho intelectivo. La primera pregunta que me hago al escoger una obra es ¿esto tiene interés para alguien aparte de mi? Esta "ley de interés" es fundamental. No hago ni haré obras sobre ciertos temas: la infidelidad conyugal, las creencias religiosas, la cría de conejos, nobles caballeros acechando criadas para pasarlas por la piedra, quien de los dos se queda con los hijos, tipos malos que matan mucha gente, la ecología. Todo aquello que la prensa, la radio y la televisión hace bien aunque lo haga mal. Detesto el teatro hecho a base de chistecitos ginecológicos. Detesto las mariconaditas escénicas. Detesto los tapa-rabos y los gritos histéricos, el frotis y las compulsiones, el excesivo poetisismo.
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Escojo obras a partir de un tono en la palabra, la poesía que no se advierte, el misterio, la hechicería, la muerte, el sufrimiento, la agonía, la nada. Höderlin le pedía a los dioses que calmaran sus dolores, y que si ello no era posible le regalaran UN ESTREMECIMIENTO NUEVO.
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¿Cómo dramaturgo, cómo es su proceso creativo?
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A mi me han acusado maliciosa, injusta y malintencionadamente de dramaturgo. Tal vez sea, no lo niego, un dramaturgista, que es algo así como un buen cocinero para reciclar lo que queda de la cena o un ingeniero metido en asuntos de arquitectura. He operado bastante en el campo de "componer" obras infantiles, que me interesan mucho, y en coger temas literarios y llevarlos a escena. Tengo el escenario como mesa de trabajo, porque soy un hombre que pasa rápidamente de la idea a la acción. Con los actores de Matacandelas trabajo de maravilla, son unas fieras en la improvisación, a veces hasta me asusta su carga creativa, me preocupa no estar a su nivel para condensar todo ese túmulo de cosas que proponen. Ellos improvisan y me gritan desde el escenario que escriba y yo me vuelvo como un amanuense de toda esa explosión. En ello me sirve todo lo que he leído. He leído mucho y bien, detecto con gran facilidad la basura literaria. Llegué al teatro porque era mi manera de acometer literatura. Un lector es un aristócrata, un privilegiado, pues lleva sobre si la herencia de la poesía ¡qué lujo!.
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¿Hasta dónde llega el trabajo del director en la interpretación?
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EL talento es la cosa mejor repartida en este país, y puedo afirmar que no hay malos actores sino malos directores. Como director son un espejo crítico. Soy, digo, la línea divisoria entre el público y el actor. El director, por un lado debe defender el interés y el gusto del espectador y de otro lado representa al actor frente al público. Es un trabajo de mediación en dos sentidos. Generalmente al actor no le pido que actué, a veces sólo le indico que lea un texto o que lo accione a partir de lo mínimo para que lentamente vaya entrando en una comprensión de su rol. No le pido que sienta (qué asqueroso eso de sentir) sino que sepa fingir, pues lo que sienta él como ser humano es secundario frente a la farsa, el público no viene a ver realidad sino mentira, el público no le pide al actor que muera como su personaje sino que sea capaz técnicamente de mostrar esa muerte. Es horrible ese teatro que baña al público en sangre para tratar de convencer que el país está lleno de sangre. Eso es subestimar la capacidad imaginativa del espectador. Uno como espectador paga su boleta por un servicio de orientación imaginativa. El teatro no es trozo de realidad, es una porción de pastel.
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La palabra interpretación, ya es de por sí, sospechosa. El actor no es un intérprete. Es un farsante. Un mentiroso. Y mientras más mentiroso y más farsante sea, más eficaz es su trabajo.
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¿Dónde esta el director en el estreno y qué siente?
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Esa noche un director está como un perro con gusanos. No se haya en ninguna parte. En lo personal es una situación que he combatido con vehemencia hasta el punto de alcanzar algunos logros. Todo estreno es un atraco, porque es algo demasiado impuesto, demasiado forzado a nivel social. En un estreno están, pares o nones, los que menos nos quieren en la vida. Generalmente uno invita a los enemigos para que le den de una vez una muerte atroz, entre ellos suele estar camuflado algún grupo de amigos que solemos llamar "comité de aplausos". No puedo sustraerme en esa noche fatal de un sentimiento de rabia, de impotencia, de una sensación de violación a la intimidad. A las 7 p.m. se abren las puertas del teatro para que entre esa jauría rabiosa que llegan deseosos de que la nueva obra sea terrible para verificar su preponderancia intelectual sobre nosotros. Ya no me asusto como antes porque el teatro que hago también es un ataque, un manifiesto contra tanto hijueputa. Sé que mi teatro le ha dejado agrieras y gastritis a más de uno y eso me gusta, me da un placer inmenso. El odio también nos configura. María Isabel García, que ha trabajado conmigo durante 24 años y que hace la Medea de Séneca me decía que mientras actuaba estaba pensando en Gerard de Nerval y que al auditorio lo imaginaba como un inodoro. El resultado es una Medea terrificante. Mi código ético me indica que el público no puede nunca ser mejor que la obra, pues allí entre ese montón de cabecitas no hay ninguno que escriba mejor que Séneca, ni mejor filosofo, tampoco hay ninguno que haya estudiado y se haya documentado mejor sobre la obra. Esa es la ventaja que tiene el actor: su preparación, que la utiliza para seducir y también para imponerse frente a un público. Hablo de Público y la categoría público es profunda. Hay grupos y obras que no tienen público tienen señoras.
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¿Para usted qué es el teatro y que lo ha mantenido tanto tiempo firme dentro de el?
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El teatro se puede concebir de muchas formas. La vida per se no tiene ningún sentido, no hay algo que la justifique racionalmente. Subjetivamente encontramos sentido en medio de este gran misterio. Yo he preferido suponerme ese sentido en el juego. Los dioses juegan mientras los hombres trabajan. Me agrada reflexionar sobre los hombres, sus comportamientos, su sufrimiento, sus historias, su porquería y representarlas en ese marco estático del teatro. He gozado haciendo esto durante más de 30 años, he tenido una sensación de independencia y de compromiso muy agradables. Ha sido un estado de delirio, de ensoñación.
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Sacado de: http://www.matacandelas.com/EntrevistaCristobal.htm

ACTRIZ - Dora Cadavid.

2009-04-01T16:32:00.000-07:00

La actuación es el amante más exigente
por Lina Maria Gómez González

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Dora Cadavid le ha entregado su vida a la actuación. Según sus cuentas, lleva 60 años dedicada a este oficio durante las 24 horas del día. En estos 12 lustros ha interpretado personajes de todos los temperamentos y roles: ha hecho de villana, de buena, de esposa abnegada, de hija, de madre y en los últimos años su papel más recurrente ha sido el de abuela. Las más recordadas, Cecilia de Vallejo en Café con aroma de mujer a Inesita de Gómez, la costurera de Ecomoda, en Yo soy Betty, la fea. Ahora interpreta nuevamente a una mujer mayor de familia: Carlota Rosas en La Ex. Aquí es la mamá de Amada (Ruddy Rodríguez) y de Martín (Santiago Moure), la abuela de Hansel (Juan Fernando Sánchez ) y Grettel (Juliana Galvis) y la esposa de Betto (Jaime Barbini).

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Esta consagrada actriz pasó de las tablas a la televisión para participar en comerciales y en teleteatro. Recuerda que su debut fue en la obra Espectros, original de Henrik Ibsen y dirigida por Bernardo Romero Lozano. "Mi personaje era Regina y actué junto a Carlos Lemos y Lolita Villaespesa, los dos actores de habla hispana más grandes que han venido a Colombia". Desde esa época no ha parado de actuar y hoy dice que le da gracias a Dios por seguir vigente en el oficio que la apasiona.

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Tomado del periódico El Espectador, 5 de marzo de 2006

Foto: Archivo Tv y Novelas, 2007.

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/colarte/conspintores.asp?idartista=13602

ACTOR Y DIRECTOR - Kepa Amuchastegui.

2009-03-31T08:27:00.000-07:00

Por Luz Stella Tocancipá
Hace 12 años, iba en un avión rumbo a Londres. A su lado, una mujer muy delgada, alta, de ojos grandes y claros, lleva en brazos un bebé: son Bellín, su esposa, y su hija Iona. El, un hombre de mirada tierna, manos pequeñas, pelo largo, acaba de dejar la dirección del teatro La Mama, en Bogotá, y va a la Royal Shakespeare Company, como observador, porque ganó una beca. Pocos días después, ese mismo hombre, Kepa Amuchástegui, bogotano hijo de vascos, es el asistente de Peter Brook, en "El sueño de una noche de verano". A su lado, toma nota de cada una de las indicaciones. Lo observa dirigir y en los descansos van a una cafetería a discutir el montaje. Así se hacen amigos y así también todos los días Kepa aprende.
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Hoy, 12 años después, con la misma obra, Kepa recuerda a Brook, no para imitarlo, sino para hacer un montaje totalmente diferente.
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Da órdenes, observa cada detalle de la escenografía, del vestuario, de la actuación y dirige a 17 personas. Dentro de ellas está Bellín, su mujer. Con ella dirigieron la obra. Kepa da las grandes pinceladas, los grandes trazos, pero no se detiene en los detalles. Ella es más minuciosa, más concreta y sin ningún temor le dice qué escena no funciona. Gritan, pelean, discuten y siempre llegan a un acuerdo. Y de su último acuerdo que tuvo dos meses de ensayos es la obra que esta noche, martes 4, a las 8 de la noche, se estrena en el Colón. En ella actúan ambos.
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Esta pareja, que desde hace un año están dirigiendo juntos, se conocieron en Francia, hace 16 años. El, en ese momento era un estudiante de la Universidad Internacional de Teatro. Estaba allí porque se había ganado su primera beca por su actuación en "La fiesta de cumpleaños", obra que dirigió Antonio Montaña en el primer Festival de Cámara, que se realizó en Bogotá, en el 65.
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Antes, como estudiante de arquitectura de la Universidad de Los Andes, había viajado (en un intercambio entre universidades), con "Que viva el puente", un monólogo de Paul Foster, a Nueva York y a Alemania. Durante dos años y medio fue director estudiante del coro de la misma universidad. Luego se integró al grupo de Teatro del Museo Moderno y dirigió "Cementerio de automóviles". Una obra que contaba la historia de Cristo, y para la que Felisa Bursztyn hizo la escenografía. "El cardenal, el alcalde y hasta el director de la Policía protestaron por ella, porque la consideraban sacrílega". Estas protestas lo Ilevaron a la cárcel, pero lo hicieron famoso. Más tarde, en el 68, con Consuelo Luzardo, Germán Moure, Gustavo García y Paco Barrero, hacía realidad la idea de Helen Stewart: fundar en Bogotá una sucursal de La Mama de Nueva York. Con 500 dólares que les dio Helen (la fundadora en EE.UU.) lo crearon. Kepa era el director y durante los dos años que fue la cabeza del grupo, dirigió 36 montajes. Tres años después viajó por México y Estados Unidos, bailando y cantando con el ballet vasco-francés "Torky". Pero, por problemas políticos, el grupo se disolvió y Kepa regresó a Europa. Fue profesor y director de la Escuela Superior de Arte Dramático en Estrasburgo.
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Hace 6 años se vino para Colombia porque quería hacer de nuevo teatro en su país. "Llegué y toqué todas las puertas. Nadie me quiso apoyar para montar una obra y entonces me dediqué a la publicidad". Fue director creativo de Reprich Publicidad. Hace 4 años formó un grupo, "La Mandrágora", y con dinero que había ahorrado trabajando en publicidad adaptó, dirigió y actuó en "Baal", la primera obra de Bertold Brecht.
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El año pasado, Gloria Zea lo llamó y le propuso que realizara un montaje para la temporada de Colcultura. Presentó "Rosencrantz y Guilerstein han muerto", y este año, la directora de Colcultura le hizo la misma propuesta y montó "El sueño de una noche de verano". A su lado, siempre ha estado la mujer delgada y alta. Ella es guionista y directora de cine y la persona que le hace las mayores críticas. "Es muy sensible, organizada, observadora y generalmente tiene la razón. Por eso, al lado de ella, me siento más seguro".
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Tomado de la revista Magazín Al Día No.53, 4 de mayo de 1982

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/colarte/conspintores.asp?idartista=14076
Fotos: Archivo Arte y Artistas de Colombia, 1984. Archivo Teatro Nacional, 1982.

Día Internacional del Teatro

2009-03-26T20:58:00.000-07:00

Gracias a una iniciativa de la UNESCO se creó este día en 1961, por el Instituto Internacional del Teatro (ITI), organización internacional no gubernamental en el dominio de las artes escénicas.

Tras el cruento conflicto desatado por gobernantes, políticos, economistas y militares, los hombres de teatro manifestaban su esperanza –y su confianza- de que el arte escénico estableciera lazos permanentes de solidaridad y comprensión entre los países. Así, en 1948, nace el Instituto Internacional, y en 1961, en el noveno congreso del ITI, en Viena, un delegado de Finlandia propone la creación del Día Mundial del Teatro.

Se fija el 27 de marzo porque era el día en que se inauguraba en París el festival "Teatro de las Naciones, ITI, UNESCO" que reúne a representantes de todos los países del mundo.

Desde 1962, una personalidad del mundo del teatro o una figura conocida por sus cualidades de corazón y espíritu sea invitada a escribir el Mensaje Internacional, traducido a 20 idiomas, leído delante de decenas de millares de espectadores del mundo entero y difundido por los medios de comunicación de los cinco continentes.
Mensaje del Día Mundial del Teatro - "Un destello de esperanza".

Se ha anunciado desde siempre la muerte del teatro, especialmente después del surgimiento del cine, la televisión y los nuevos medios. La tecnología ha invadido la escena y aplastado la dimensión humana; hemos experimentado un teatro visual que ha rechazado la palabra, cercano a una pintura en movimiento.

Se han realizado obras sin palabras, sin luz, y hasta sin actores, con maniquíes solamente o marionetas instaladas con juegos de luces.

La tecnología ha tratado de transformar el teatro en fuegos artificiales o en un espectáculo de feria. Hoy asistimos al regreso del actor frente al espectador. Hoy somos testigos del regreso de la palabra sobre el escenario.

El teatro ha renunciado a la comunicación de masas y ha reconocido sus propios límites, impuestos por la presencia de dos seres frente a frente que se comunican sentimientos, emociones, sueños y esperanzas. El arte escénico deja de contar historias para intercambiar ideas. El teatro emociona, ilumina, molesta, perturba, exalta, revela, provoca, transgrede. Es una conversación compartida con la sociedad. El teatro es la primera de las artes en confrontarse con la nada, con las sombras y el silencio para que surjan la palabra, el movimiento, las luces y la vida.

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El teatro es materia viva que se consume al mismo tiempo que se crea, pero que siempre renace de las cenizas. Es una forma de comunicación mágica en la que cada persona da y recibe algo que la transforma. A través del teatro no se expresan sólo los creadores sino la sociedad contemporánea.

El teatro tiene enemigos visibles: la falta de educación artística en la niñez, que nos impide descubrirlo y disfrutarlo, la pobreza que invade el mundo, que aleja a los espectadores de los lugares de espectáculo; la indiferencia y el desprecio de los gobernantes que tendrían que promoverlo.

En el teatro los dioses y los hombres se han comunicado, pero ahora el hombre le habla a otros hombres. Por eso el teatro debe ser más grande y mejor que la vida misma. El teatro es un acto de fe en el valor de una verdad prudente en un mundo enloquecido.

Es un acto de fe en la humanidad, responsable de su propio destino. Es necesario vivir el teatro para comprender lo que nos sucede, para transmitir el dolor que flota en el aire, pero también para vislumbrar un destello de esperanza en medio del caos y la pesadilla cotidianos.

ARTÍCULO - Fanny Mikey, una apasionada que vivió intensamente para el teatro.

2009-03-24T10:45:00.000-07:00

Propiedad de CEET
Fanny Mikey se asentó y se fue de Colombia en Cali. Llegó por Buenaventura, pero fue en la capital del Valle donde se enamoró del país y donde se propuso hacerlo feliz.

Por esas vueltas de 360 grados que da el destino, en Cali falleció. Se fue después de sacarle el jugo a la vida. De haberles robado el corazón a 40 millones de colombianos, que el año pasado la escogieron como el personaje de la cultura más importante de los últimos diez años en Colombia.

Era un ícono juguetón, pícaro, alejado de cualquier formalidad. Una mujer indoblegable: "Véncelos por cansancio", decía a su equipo de trabajo cuando salían a buscar recursos y divulgación para sus proyectos.

Desde 1988, y cada dos años, llevaba alegría a todo el país y especialmente a Bogotá, con su Festival Iberoamericano de Teatro.

En varias ocasiones, cuando ella era solo un puntito rojo entre la multitud le dejó saber a su gente la satisfacción que sentía viendo a 80 o cien mil personas plenas de emoción ante un espectáculo traído de Francia, España o Australia. Fanny ardía con la alegría colectiva. Así se lo hizo saber este año, con la voz entrecortada, a los bogotanos que coreaban su nombre durante el cierre del más reciente Festival Iberoamericano: "Me hacer llorar verlos tan felices".

Arquitecta de imposibles, se cuentan por montones los sueños que convirtió en carne y hueso. Traer cada dos años un promedio de dos mil artistas de cinco continentes durante el Iberoamericano. Edificar tres teatros en Bogotá con una programación permanente y variada. Organizar conciertos de las figuras Luciano Pavarotti, Joan Manuel Serrat y Chavela Vargas.

Su capacidad de gestión iba de la mano de su talento artístico. Su compatriota Marta Traba fue una de las primeras en señalar su potencial.

"A Fanny Mikey no la recordarán 'Edipo Rey', o 'La loca de Chaillot', sino por haber hecho parte de la vida pública".

Eso lo dijo unas décadas antes que Fanny se inventara el Iberoamericano o creara el Teatro Nacional. Tenía razón. Era una buena actriz y directora, pero era mucho más que eso: una líder que no perdía su polo a tierra, así muchos amigos hablaran de las locuras de Fanny. Eso era lo que la hacía diferente, pues tenía la capacidad de visualizar los sueños y matizarlos con cálculos contables, para que esas ideas se convirtieran en hechos. En ese sentido era muy racional.

Toda su inteligencia la puso al servicio del teatro. Desde muy pequeña, Fanny Elisa Orlanszky, su nombre de pila, quiso estudiar arte dramático.

Pero tropezó con su familia. Desde entonces se acostumbró a luchar. Trabajó como oficinista. Apareció en la televisión de su país haciendo un programa de ejercicios y rápidamente se dedicó a la actuación. Por ese capricho, su familia 'le cortó la ayuda' y desde los 16 años aprendió a valerse por sí sola.

A Colombia llegó por cuenta del motor de su vida: el amor. Venía tras los pasos del actor Pedro Martínez, quien había venido a Colombia para trabajar en la recién nacida televisión nacional. En un principio, el país no le impactó . Pensó en regresar a su casa pero aparecieron Cali y el Tec (Teatro Experimental de Cali ).

Fue ahí cuando se comenzó a revelar la actriz y la noctámbula empedernida, a la que le gustaba conversar hasta el alba y que aprendió a azotar baldosa en Juanchito mientras se dejaba guiar por el dramaturgo y director Enrique Buenaventura.

El frenesí de la noche era también su manera de sacudir los malos momentos, como cuando una bomba explotó en los baños del Teatro Nacional durante el primer Festival Iberoamericano de Teatro, en 1988. La reacción instintiva de Fanny fue reunir a su equipo y decirle: "Acá no hay lágrimas, organicen a todos los grupos porque nos vamos a rumbear".

Con la misma intensidad, Fanny fue devota de María Auxiliadora. Cada noche, durante el Iberoamericano de Teatro, esta judía le rezaba a la virgen encendiendo una veladora en cada uno de los teatros donde habría función. Era su procesión personal.

"Una de las cosas que más me llena es sentarme a recordar lo que fue, lo que hicimos y lo que proyectamos por la cultura colombiana en las largas caminatas nocturnas que emprendíamos con Fanny en las noches caleñas y que, ineludiblemente, terminaban en Juanchito", resumía su amigo Álvaro Bejarano en el texto 'La Fanny que yo conocí y que todos queremos'.

Entre montajes y la brisa de la tarde que refresca todos los días la Avenida Sexta de Cali, la actriz demostró que más allá del amor y el talento, tenía cabeza para las artes escénicas. Cuando no hablaba con Bejarano del escritor Jack Kerouac, se ensañaba en intensas charlas con sus amigos en el Hotel Aristi acerca de la escena teatral o la actualidad.

Era una adelantada de su tiempo, una mujer culta, amante del cine. Inteligente en tiempos en que eso era una cualidad peligrosa en un país muy conservador y machista. "Hace muchos años había hombres que me temían porque pensaban que yo era una liberada, creían que sabía no setenta sino ochenta y cinco posiciones para hacer el amor. Esa fue una apreciación por ser libre en un medio tan cerrado" , comentaba.

Pero terca, como era, alimentó esa leyenda posando desnuda, en los inicios de los sesenta, para el libro La vida pública, de su amigo poeta Arturo Camacho Ramírez. Las fotos las hizo Hernán Díaz. "Acepté posar porque era la primera vez que se hacía un libro de tal calidad con fotos en blanco y negro". Fue una de las primeras que se atrevió a hacerlo en Colombia. Sus piernas eran parte de su leyenda.
Sus ideas casi le cuestan la nacionalidad colombiana. Muchos criticaron su condición de extranjera beligerante, especialmente el haber participado en las protestas después del encarcelamiento del director Carlos Álvarez . Un crítico del gobierno de turno. Sin embargo, el canciller de la época, Indalecio Liévano, desestimó las acusaciones y le dio la ciudadanía.

En Colombia también crió a su hijo, Daniel, pero sus lazos familiares son más grandes, respondiendo a un principio que emanaba de su corazón: "Los amigos son la familia que uno escogió".

Tanta actividad y tanta vida eran posibles porque Fanny solo necesitaba tres o cuatro horas para dormir cada noche. Tenía un sueño recurrente en el que los días eran de 48 horas. De ese espíritu ' trabajólico' nacieron quijotadas como el Café Concierto La Gata Caliente, en el que afloraron la sensualidad y el riesgo que exorcizaba en el escenario, y su Teatro Nacional, que inauguró en 1981. Luego vino el Teatro La Castellana y más tarde La Casa del Teatro Nacional.

Sin embargo, su mayor legado fue el Festival Iberoamericano de Teatro, el centro de sus fatigas y satisfacciones. Sentía que cuando se bajaba el telón le arrancaban una parte de su cuerpo. Pero a los pocos días, corría de nuevo a planearlo, a pesar de que los médicos con frecuencia le decían que guardara absoluto reposo. De vez en cuando amenazaba con "este es mi último Festival". Pero sus colaboradores más cercanos rápidamente aprendieron que era casi un ritual y que no era capaz de cumplir esa promesa.

Según sus propias palabras, siete veces tuvo cerca la muerte y logró ganar la batalla.

"Estamos ávidos de querer más cosas, pero cuando nos toca, nos toca", afirmaba hace un par de años.

Fanny vivió al límite sus 78 años y lo más importante de su obra lo hizo en las últimas tres décadas, lo cual era consecuente con una de sus máximas. "No hay edad que impida lo que uno se propone. Porque sé que uno se muere y no se da cuenta".

Publicación eltiempo.com Sección. Cultura y entretenimiento. Fecha de publicación 16 de agosto de 2008.

Sacado de: http://www.eltiempo.com/archivo/documento/CMS-4451108

Foto: Flickr, James Avila.

OPINIÓN - Los Buenos Actores.

2009-03-24T10:06:00.000-07:00

Propiedad de CEET
La televisión no tiene buena fama. Desde las orillas del arte se la mira como advenediza, superficial y francamente frívola. Un poco como la loca de casa. Sin embargo, los habitantes de esas orillas han sucumbido ante los filtros del encantamiento y las estratagemas de la impostora. Hace unos años, los actores de teatro, con un purismo exagerado, blandían sus amuletos cuando el olor a azufre de las propuestas peligrosas los invitaba a participar en la televisión. De un lado la estética, del otro el vil dinero; allí los ideales, acá el mercado. Pocos recuerdan, por ejemplo, que al inicio de la propia televisión colombiana, hombres de teatro como el maestro Bernardo Romero Lozano montaron de una forma que hoy parecería delirante obras como El Proceso de Kafka, en directo, cambiando prácticamente ante los ojos de los primeros televidentes paneles y bambalinas, haciendo un actor varios papeles con solo ponerse una peluca o un bigote postizo.
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Interesantes tiempos aquellos, en que los montajes de las obras eran de la misma naturaleza de aquella proeza febril que retrató Herzog en Fitzcarraldo. Casi o tanto como subir un buque a la cima de una montaña. Poco a poco fueron incursionando en la televisión algunos actores de teatro a quienes, seguramente, su conciencia los perseguía como si hubiesen cedido a una tentación tan sugestiva como peligrosa.
Después de ellos llegaron, uno tras otro, los cineastas que se habían acostumbrado a esperar como el coronel de García Márquez no a que les llegara una carta, sino siquiera una oportunidad de incursionar en el cine.
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Después de unos años, se nota el aporte que los actores de carrera le han hecho a la televisión. Especialmente, aquellos que supieron encontrar la expresión e intensidad interpretativa que requiere la televisión, muy diferente por cierto al histrionismo de las tablas.
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Y se tienen así actores tan buenos como desastrosos. Conviene olvidar a los segundos y mencionar siquiera rápidamente a algunos de los primeros. A Helios Fernández, un actor con toda la tradición del TEC de Cali, se le han visto excelentes interpretaciones, llenas de profundidad, veracidad y una inmensa variedad de recursos. El doctor Hernández de Azúcar y Efrén Herreros de La casa de las dos palmas merecerían cada una un premio al mejor actor. En la obra de Kepa Amuchástegui, Helios Fernández ha ido construyendo inteligentemente su personaje, al dotarlo de matices íntimos. Ha reflejado algo que únicamente los actores sobresalientes pueden hacer: estados del alma.
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Consuelo Luzardo como Magola Delgado en Por qué mataron a Betty ha ratificado sus capacidades de primera actriz, en uno de esos papeles en que no se pueden dar pasos en falso. Todos los sentimientos le son propios, desde la abnegación y la paciencia hasta la debilidad y el abandono.
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Luis Fernando Montoya consiguió en Castigo divino un personaje lleno de ambigedad, frente al cual, el televidente tenía sus interrogantes e incertidumbres.
Adelaida Otálora y Ramiro Meneses, por su parte, lograron toda la fuerza que necesitaba la madre y el hijo de los Moya pobres. La cucha y el sicario, unidos por unos lazos que terminan por ser más intensos que todo tipo de riesgo, aún el de la muerte.
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Vicky Hernández, estupenda en la primera parte de Azúcar y en La casa de las dos palmas ha demostrado una versatilidad que le permite pasarse de la comedia al drama, con gran propiedad. Su papel de doña Zoila hace olvidar los malos tragos de Espumas .
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Publicación eltiempo.com. Sección Información general. Fecha de publicación 29 de septiembre de 1991.

Sacado de: http://www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-162911

OPINIÓN - Una mirada al teatro experimental colombiano

2009-03-20T17:15:00.000-07:00

Publicación cambio.com.co. Sección Cultura y entretenimiento. Fecha de publicación. 30 de enero de 2008 Sacado de: http://www.eltiempo.com/archivo/documento/CMS-3939071#
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Propiedad de CEET
Como anticipo al XI Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá.
CON LA IDEA DE ROMPER con lo establecido y en medio de la crisis crónica que vive el teatro en Colombia por falta de apoyo estatal y la poca asistencia a las salas, el teatro experimental, basado en tres ejes principales -texto, espacio y manejo del público- se convierte en otra forma de aproximación al fenómeno dramático con montajes innovadores que no requieren grandes escenografías y que hacen énfasis en la gestualidad y no en la palabra, para crear experiencias más reales en el público.

La idea del teatro experimental nació de un movimiento liderado por Bertol Brecht, Antonin Artaud, Dario Fo y Samuel Beckett, cuyo objetivo era buscar una nueva manera de hacer teatro. La fórmula consistía en partir de la puesta en escena tradicional, pero cambiando el procedimiento escénico y la dramaturgia, manipulando la luz y el sonido, el maquillaje, los trajes y el decorado. Querían dejar de lado el teatro anecdótico para crear conciencia en el público, en forma más directa, sobre su papel en la sociedad.

Desde entonces, esa manera de concebir la creación teatral -da origen al teatro cruel y del absurdo- ha tenido gran impacto en las visiones actuales de hacer teatro y muchos directores la aplican actualizando los formatos pero conservando la idea de vivir una experiencia irrepetible. Por ejemplo, para Fernando Montes, director del grupo Varasanta, el texto dramático, uno de los elementos que más ha evolucionado, se ha convertido más en pretexto de la creación que en el centro de la obra.

Además del texto, uno de los cambios más radicales se presenta en la concepción del espacio teatral. Las salas de teatro dejan de ser el lugar por excelencia de la presentación y, según las necesidades de cada montaje, se buscan escenarios que permitan darle al espectador una experiencia más real. Por eso no es extraño que las obras se presenten en iglesias, cementerios, carnicerías, casas viejas...En Alemania, por ejemplo, el llamado "teatro libre" -hay 50 en todo el país- busca espacios con valor histórico o arrienda casas para presentar las obras.

Según Alexandra Pfeil-Schneider, una colombo-alemana que lleva ocho años haciendo teatro en Berlín con el grupo Oper Dynamo West, una de las obras que más impactó en el público fue la que se presentó en la estación de tren Zoologischer Garten, donde un grupo de espectadores, guiado por una asiática, era llevado a tres vagones distintos: en el primero estaba un cantante de ópera, en el segundo una bailarina y en el tercero una pareja de actores. La obra se desarrolló en medio de la actividad diaria de la estación y muchos, sin darse cuenta, terminaron interactuando y, de alguna manera, haciendo parte de la obra. Otras de las características del teatro experimental es la incorporación de otras artes como la danza, la ópera, la fotografía y el video, que abren nuevas posibilidades de diálogo con el público y enriquecen sensorialmente su experiencia. En Colombia, Mapa Teatro es uno de los grupos que más se ha arriesgado en la incorporación del video y de la música en vivo para lograr atmósferas distintas en cada montaje.

Hoy se piensa en los públicos desde la experiencia y no desde una dramaturgia racionalmente comprendida. Se trata de un rasgo generalizado del arte contemporáneo: lograr experiencias en los espectadores. "La narración se la ganó el cine y la televisión, la posibilidad de crear experiencias la tiene el teatro".

La calidad Aunque lo experimental busca una ruptura con los principios del teatro comercial y las fórmulas clásicas de hacer teatro, en la escena colombiana predominan las obras comerciales porque se corren menos riesgos económicos.

"Hacer una obra experimental es un riesgo muy alto -asegura Fanny Mickey, directora del Teatro Nacional-. Por eso el espacio para nuevas propuestas se da en la Casa del Teatro Nacional, donde los costos son más bajos y el público está más abierto a estas experiencias".

Por su parte, el director del Teatro Libre de Bogotá, Ricardo Camacho, cuestiona la calidad del teatro experimental que se hace y dice que "por pretender ser experimentales se hacen espectáculos de una tremenda pobreza visual. Y agrega: "El problema radica en la creencia de que montar los clásicos es repetir viejas fórmulas. ¿Qué puede ser más experimental y arriesgado que montar a Shakespeare en Colombia?".

Y es que no es fácil hacer un montaje experimental que conserve una lógica artística y tenga lenguajes atrayentes. En ocasiones, el deseo de innovar es tal, que se cae en montajes con bajo nivel actoral. "El actor tiene la tarea de encontrar un punto intermedio para experimentar lenguajes y ser accesible a la gente ¿ dice el actor Carlos Ramírez¿. Y los públicos tienen que entender que ir a teatro es una necesidad de liberar emociones de las que no se es consciente" Bajo esta premisa, Ramírez creó el monólogo Él Solo, una obra en la que el público presencia el proceso creativo sin llegar a un final específico. Con sólo una silla, casi sin palabras y con las luces y el sonido como otros personajes de la obra, el montaje mezcla comedia, tragedia y melodrama. "La gente dice que siente cosas pero no entiende, pero eso no importa porque lo que busco es generar estados de ánimo que no quieren enfrentar, como la angustia y la impaciencia", explica Ramírez, quien sostiene que su obra ha tenido más repercusión y aceptación en países como Rumania y Croacia, que en Colombia.

José Domingo Garzón, decano de la Facultad de Artes de la Universidad Pedagógica y director de La procesión va por dentro, la escasez de público se debe a la baja calidad de las obras. "En Colombia, el teatro experimental es una grosera reiteración de lugares comunes, hay un evidente agotamiento en los planteamientos -asegura Garzón-. El teatro no arriesga, no tiene en cuenta al público y por eso, aunque trata de decir algo distinto, siguen saliendo las mismas palabras".

La falta de apoyo estatal se ha convertido en una excusa para la realización de obras experimentales sin un objetivo claro de creación, cuando, como dice Garzón, "debería ser un argumento para la actividad creadora". Por la falta de buenos proyectos a los cuales apostar, se pierde mucho dinero de la empresa privada. Y es que más que la falta de plata o de políticas de apoyo estatales, lo que hay es una grave crisis creativa que mantiene al público alejado de las salas.

Si el arte responde a las necesidades de cada época, como se supone, éste parece ser un tiempo en el que se hace absolutamente necesario reorientar la mirada artística y buscar nuevos lenguajes que entiendan lo experimental como una manera más de acercarse al quehacer teatral. Un estilo de teatro que exige un gran nivel actoral, un uso creativo y recursivo de los espacios y, por supuesto, llegarle al público para crearle nuevas experiencias.

Por MARÍA ALEXANDRA CABRERA, periodista LO QUE TRAE EL FESTIVAL COLOMBIA: 'Pinocho y Frankestein le tienen miedo a Harrison Ford'Dramaturgia y Dirección: Fabio Rubiano COLOMBIA:'Vidas ejemplares' (video-performance)Dramaturgia y dirección: José Alejandro Restrepo BRASIL'Gaviota': tema para un cuento corto(drama en versión contemporánea)Dirección: Enrique Diaz BÉLGICA'El cuarto de Isabela' (Teatro-danza))Dramaturgia y dirección: Jan Lauwers REINO UNIDO:'Historia de un conejo' (comedia, teatro físico y visual)Dirección: Shôn Dale-Jones

ACTRIZ - Ana Maria Sanchez

2009-03-19T17:20:00.000-07:00

Nació en Medellín y comenzó en el grupo Matacandelas, donde permaneció cuatro años. En 1987 vino a Bogotá para estudiar en la Enad, bajo la tutoría de Rols y Hedi Abdelharden, quienes la dirigieron en las obras Mapa teatro y Medea. También fue alumna de Rubén Di Pietro y del polaco Pavel Nowiki. Ha trabajado durante dos años y medio en cinco espectáculos, como El conde Drácula y La hojarasca.

Este año empezó en televisión, en la serie Fronteras del regreso. Un día la llamó Humberto Rivera para que participara en el casting de Coromoto. Ella misma llevó su vestuario, presentó su propuesta y le dieron el personaje.

Ana María se ha sentido muy bien en televisión, porque le gusta y tuvo la oportunidad de hacer un personaje muy completo y profesional. "Aunque el trabajo en televisión es un poco diferente al de teatro, por las tomas y el use de la voz, los personajes pueden vivir en televisión, cine y teatro", afirma.

Tomado de la Revista TV y Novelas No. 051, 12 de octubre de 1992

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/SanchezAnaMaria/recuento.htm?nomartista=Ana+Maria+Sanchez&idartista=15147

Foto: Gerardo Chavez / El Tiempo

CRÍTICA - "Actuar es crear"

2009-03-19T13:50:00.000-07:00

Propiedas de CEET
El polaco Pawel Nowicki, director de 'La Tempestad', dice que el teatro es un dinosaurio que busca sobrevivir.

TRAS SIETE AÑOS VIVIENDO en su país, el director polaco de teatro Pawel Nowicki, artífice de obras tan emblemáticas como Quarteto y La hojarasca, regresó a Colombia a montar La Tempestad, de William Shakespeare, que se presenta por estos días en la sala Leonardus, de Bogotá. Nowicki habló con CAMBIO sobre el devenir de la dramaturgia nacional, el papel de los actores y la amenaza de la televisión.

CAMBIO: Una vez instalado en Polonia por siete años, ¿por qué decidió regresar a Colombia? Pawel Nowicki: Para construir un puente. Kapuscinski, que era amigo mío, siempre me insistió en la importancia del encuentro entre las culturas y yo quiero hacerlo con Polonia y Colombia.

Pero usted ya había decidido quedarse en Colombia. Tenía incluso visa de residente. ¿Por qué se fue? Primero, porque la nostalgia por mi país comenzó a llamar. Segundo, porque había algunas propuestas en Polonia, y tercero, porque tuve que salir de Caracol cuando llegó la nueva administración.

La primera vez que vino, en 1990, ¿cómo lo recibió Colombia? Muy bien, pero fue más bien difícil. Venir a Colombia era una aventura, y comenzó el primer día. Me instalé en la carrera 8a con calle 22, en Bogotá, y me atracaban tres veces al día. Luego pude pasarme a La Soledad y la cosa cambió.

De 1990 a hoy, ¿qué ha cambiado en el teatro nacional? Las discusiones son parecidas, no han cambiado mucho. Por un lado va el teatro ideológico; por el otro, una fuerte doctrina estética, abanderada por Ricardo Camacho, etcétera. Sin embargo, hay algunos cambios fuertes. No existen ni el TPB, ni La Mamma, y me acaban de contar que el Teatro Libre ya vendió su sede de Chapinero. Es preocupante, como también lo es el hecho de que propuestas bastante sólidas como las de Mapa Teatro se hayan quedado cortas.

Bueno, pero por razones económicas...

Los problemas económicos del teatro no son exclusividad de Colombia, son del mundo entero. La gente de teatro tiene cada vez menos plata.

¿Y cómo solucionar el dilema? Es inevitable el apoyo estatal. Al menos en el corto plazo, que los gobiernos locales se comprometan a invertir y que sostengan las iniciativas; de otra manera es imposible.

¿Cómo explicar que los teatros se llenen durante el 'Festival Iberoamericano de Teatro' y luego desaparezca ese impulso por parte del público? Es un fenómeno normal. El teatro no pude competir contra la televisión. Una obra exitosa produce 30.000 espectadores en una temporada. Un solo capítulo de televisión es visto por 5 millones de personas. Es una realidad: el teatro es un dinosaurio que busca sobrevivir.

¿Entonces, ganó la televisión? El problema es equipararse con ella. En Polonia quisieron hacer arte con la televisión y fracasaron porque la televisión no es arte, el teatro sí.

¿Cómo así? El teatro busca la verdad, la televisión miente. La verdad no es fascinante, es generalmente cruel y hasta aburrida. En cambio, las mentiras de la televisión son divertidas. Puede que la gente no sepa exactamente lo que quiere, pero tiene muy claro lo que no quiere, y los productores de televisión lo saben. En cambio, el teatro busca las verdades independientemente de cómo le lleguen al público. El teatro es un arte de actor y en la televisión nadie actúa sino que se comporta. Así las cosas, es natural que el teatro sea para las minorías.

Dicen que a las crisis eternas del teatro se les ha sumado la deserción de los actores hacia la televisión. ¿Qué opina? Yo he tenido la fortuna de trabajar con actores muy buenos que después han hecho televisión, como Róbinson Díaz y Elkin Díaz, egresados de la Escuela Nacional de Arte Dramático. El problema con la televisión es que no requiere de actores, porque no es necesario actuar sino comportarse y eso es sencillo. El buen actor busca en cada personaje su propia verdad, y la busca cada día, en cada interpretación en el escenario. Durante este proceso a veces suceden cosas maravillosas, irrepetibles. Lo que me gusta del teatro es eso: poder decir en algún momento cosas que son imposibles de decir. Eso en televisión no se puede porque no hay tiempo. De acuerdo con esto, un buen actor también es capaz de arrastrar público al teatro.

El público no tiene ni idea si el actor es bueno o malo. Lo que atrae no es la actuación sino la popularidad.

¿Hay buenos actores en Colombia? Hay excelentes actores. Sin embargo, en esta profesión es importante la suerte, el olfato que tenga el director para darse cuenta. Hay actores privilegiados como Róbinson Díaz que responden inmediatamente, pero hay otros que se demoran en responder uno o dos meses y el director debe detectar si vale la pena esperarlo antes de deshacerse de él.

Otro problema es que el trabajo de un actor es duro y permanente. Su material es él mismo y muchas veces los recursos que utiliza a los 20 años, no le sirven cuando tiene 30. Hay actores que se quedan, que se estancan. La amenaza de la televisión es que los actores de teatro cada vez se comportan más y crean menos. Y el naturalismo, qué duda cabe, mata al teatro.

¿Pero hay mejor preparación ahora que hace 30 años? Cuando yo estaba en la Escuela Nacional de Arte Dramático, había un mal programa, pero gozábamos de una atmósfera excelente. Hoy, en general, el problema es que no hay suficientes buenos maestros.

Hablando de 'La Tempestad', ¿Shakespeare sigue siendo el modelo? Shakespeare es toda una aventura, es un modelo que, sin embargo, debe uno traicionar para sacarle los mejores frutos. Con todo, mi autor preferido es Moliere.
¿Qué proyecto ha querido hacer en Colombia y no ha podido? Me encantaría hacer una adaptación de Cien años de soledad, pero no he podido por los enormes costos de derechos de autor.

Publicación cambio.com.co. Sección Cultura y entretenimiento. Fecha de publicación 25 de mayo de 2007.

Sacado de: http://www.eltiempo.com/archivo/documento/CMS-3570356#

CRÍTICA - El Drama de los Dramaturgos. Por Sandro Romero Rey.

2009-03-18T06:38:00.000-07:00

Prpiedad de CEET

La revista El Malpensante tuvo a bien invitar a quien estas líneas escribe a su Séptima Acción (léase Mesa Redonda), el pasado 30 de octubre en el Auditorio Arturo Gómez Jaramillo de la Federación Nacional de Cafeteros en Bogotá, con un tema que, desde sus inicios, cualquier escritor de guiones para cine llamaría un teaser. Cito literalmente: “A propósito del festival iberoamericano de teatro del año entrante, ¿cuándo y por qué se estancó la dramaturgia colombiana?” y como compañeros de mesa estuvieron el siempre brillante (y nuevo miembro de la Academia Colombiana de la Lengua) Carlos José Reyes, con el dramaturgo Víctor Viviescas, moderados por Mario Jursich.

Por supuesto, si lo que los organizadores pretendían era sacudir a los participantes con la pregunta (Antanas Mockus había recurrido a un truco similar una semana atrás, a propósito de las elecciones para la alcaldía de Bogotá), obvio que lo lograron, pues a nadie le gusta comenzar una conversación partiendo de la base de que su profesión está estancada. Y allí, no tan escondido, estaba el evento: ya desde hace varios años los teatristas colombianos se vienen quejando por el problema que representa el Festival Iberoamericano de Teatro considerado como paradigma. Las gentes de bien, los bienpensantes, los que viven de los eventos sociales, consideran eso, lo que reza el llamado de la Séptima Acción: que el teatro “se estanca” durante los años impares (recordemos que el Festival es bienal) y “resucita” gracias al llamado de Fanny Mikey y su tropa de asalto. De hecho, como una reacción de los eternos marginales, nació el Festival Alternativo de Teatro que ya compite desde hace varios años con la maratón del Iberoamericano.

La conversación fue muy interesante y los tres participantes esgrimimos todos nuestros argumentos para demostrar que los dramaturgos colombianos no estamos “estancados”. Para los que les gustan los datos estadísticos, según Redramaturgia (la red que intenta “aglutinar” a los escritores de teatro colombianos), hay casi trescientos escritores de teatro, mal contados, en el país y sus alrededores. Y, seguramente, los organizadores no conocen, primero porque no van al teatro y segundo porque las obras de teatro no se publican en Colombia. La pregunta entonces habría que dirigírsela a los espectadores que no van al teatro y a los editores que consideran que el teatro publicado “no vende”.

No sé si se van a editar las memorias de la conversación del 30 de octubre pero, para sintetizar, a mí me parece que el concepto de “escritor de teatro” ha cambiado mucho con el paso del tiempo y me parece medio anacrónico, así como es difícil hablar ahora de “pintores”, “bailarines” o “cineastas” en sentido estricto. El teatro no sólo se escribe en el papel. Y eso lo afirmaba Enrique Buenaventura hace ya más de treinta años. Las instalaciones de Mapa Teatro, las creaciones colectivas “sin texto” del Teatro La Candelaria, El hilo de Ariadna de Enrique Vargas o, para alejarnos de nuestras latitudes, los espectáculos de Bob Wilson o las pesadillas escénicas de Tadeusz Kantor requieren de una dramaturgia, están “escritos” sobre las tablas, con las mismas intenciones (ser representados por actores) con las que se escribía en el siglo XIX. Pero los mecanismos son otros.

La dramaturgia colombiana, con sus tumbos y catatumbos, sigue vivita y representándose. Y no compite ni con el cine ni con la televisión, así como la poesía (que tampoco se edita en nuestro país) no ha sido desplazada por las revistas de farándula o por los libros de superación personal.

El teatro colombiano es una actividad marginal, porque vivimos en un país marginal, donde hay urgencias que seducen más a las multitudes y, cuando se está confundido, necesitamos de eventos que nos digan “qué es lo importante”. Y parece que la tan de moda “gestión cultural” no ha llegado sino a los límites del Teatro Nacional donde ya comienza a venderse la actividad escénica como un producto rentable. Por supuesto que eso me parece muy bien. Pero no nos olvidemos que el teatro colombiano no se lo inventaron los gestores culturales sino que existe gracias a Santiago García y Jairo Aníbal Niño, a Pedro Miguel Rozo y Piedad Bonnett, a José Domingo Garzón y Cristóbal Peláez, a Carolina Vivas y Misael Torres.

Por fortuna, el teatro sólo existe cuando se representa. Es una verdadera lástima que no sean muchos los testigos. Peor para ellos.

Publicado el 15 de noviembre de 2007.

Sacado de: http://bogota.vive.in/blogs/bogota/un_articulo.php?id_blog=3630999&id_recurso=550000404

Foto: Archivo personal Cesar Andres Falla

Página web de Sandro: http://sandroromero.com/

NOTA - El teatro en el cine... "TERROR DEL ABSURDO".

2009-03-16T17:39:00.000-07:00

"A manera de introducción a esta propuesta, podría decirse que el riesgo creativo es y será siempre la línea a seguir del Colectivo Inestable Santagalatea, que ha hecho parte de la escena nacional con montajes como, Historia del zoo del dramaturgo Edward Albee, Perdida en los Apalaches de Sanchis Sinisterra, Búfalo Americano de David Mamet, entre otros; la preocupación por trascender, encontrar nuevas dramaturgias, realizar procesos de investigación alrededor del oficio del director y el actor, hacen que este Colectivo se preocupe por transformar la escena nacional y en este caso especifico, el cine, para lanzarse al ruedo con un nuevo proyecto, De perros y Pájaros, que en este momento está en el proceso de preproducción. Esperemos que esta nueva búsqueda del lenguaje cinematográfico, que es realizada en su gran mayoría por gente dedicada al teatro, de los resultados esperados, además que sea un impulso a seguir por otros grupos creativos." Jasón.

Por Santiago Merchant.
Sinopsis.
DE PERROS Y PAJAROS
Tres ladronzuelos de poca monta, enceguecidos por el dinero fácil, buscan rapiñar a una pareja de débiles ancianos que suelen ser clientes de un anodino mercado de pulgas. Los hombres convencidos de poder vulnerar la seguridad de los viejos se encuentran con que son seres siniestros, obligándoles a presenciar un desenlace macabro, truculento y fatal.

DE PERROS Y PAJAROS
Terror del absurdo
En busca de una nueva dramaturgia cinematográfica

DE PERROS Y PAJAROS representa una propuesta artística interdisciplinaria con incidencias socio-culturales por ser el cine y las alternativas audiovisuales un aspecto destacado en el desarrollo artístico de los territorios, un elemento de cohesión en generar subjetividades y representaciones sociales, lo que nos permite interpretarlo como un instrumento capaz de problematizar el entorno social e histórico de las producciones en su contexto.
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Antes que nada pretendemos fomentar el campo de la investigación y la producción crítica dentro y fuera del cine mismo, aspirando a generar un ámbito de formación y reflexión permanente en el área que nos compete fundamentalmente : las escrituras para la escena, dramaturgia , las experiencias espectaculares, el arte de la dirección y la actuación, y las técnicas cinematográficas.
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Dentro de este clima primordialmente investigativo en el que la teoría y práctica que propende a establecer conexiones con otros campos disciplinarios, nos profundiza y actualiza el saber de nuestra misión como realizadores audiovisuales, queriendo enfocar nuestro trabajo a nuevas alternativas narrativas, pero sobretodo adquirir una postura responsable y rigurosa frente al cine nacional. De esta manera somos consientes de la necesidad de la nueva dramaturgia dentro del cine, vertiendo esta búsqueda a todos y cada unos de sus componentes, replanteando el verdadero oficio del director, del ACTOR, del director de fotografía, la dirección de arte, de los operadores, del maquillador …etc. Así DE PERROS Y PAJAROS se nos constituye como una oportunidad, como el momento justo para emprender la búsqueda del nuevo cine de género, que nutrido primordialmente por las artes escénicas se nos aparece con el rotulo de Terror del Absurdo.
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El Terror del Absurdo se configura como una posible formula que ataca directamente las enormes falencias dramatúrgicas, por ende formales del cine nacional, que si bien ha venido creciendo como industria y en muy contadas e insuperables excepciones se ha lanzado a superarse magistralmente en todos sus aspectos, ha sucumbido en contenido y se aleja ridículamente a ser arriesgado, blindándose en un realismo perezoso y bidimensional…y eso es el Terror de Absurdo, el riesgo, nutriéndose desde luego de las pequeñas anécdotas del hombre común pero dimensionándolas en grandes sucesos que le llevan al mismísimo límite de su personalidad, su relación con su contexto, su mismo proceder traicionando sus más profundas convicciones. La imposibilidad de racionalizar y decidir ante un suceso impredecible y desconocido convirtiéndose en mounstro y víctima del mundo. Tragedia del hombre contemporáneo.

Terror del Absurdo
Terror: miedo muy intenso [buscar causar miedo o angustia en el espectador]
Absurdo: Contrario y opuesto a la razón; que no tiene sentido. adj. Extravagante, irregular. adj. Chocante, contradictoria. m. Dicho o hecho irracional, arbitrario o disparatado.

De perros y pájaros es una propuesta que quiere romper con los paradigmas del mal entendido, ortodoxo y academicista realismo, (anécdotas, actuación, tv etc.)Llevando cada situación al límite, a los preludios de lo absurdo, a los umbrales de lo surrealista.
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Es un efecto eminentemente dramático, teatral por así decirlo, donde el actor debe quebrar sus propias seguridades para hallar el universo profundo y particular de los personajes. NO se trata de representar la realidad, de la mimesis, se trata de construir licencias poéticas teniendo como cimientos una realidad posible, puesto que nuestros personajes NO existen, solo existen gestus que pueden ser instalados en cualquier personalidad, cualquier personaje. Por consiguiente el contexto de estos personajes también es único, posible solo para ellos pero no imposible para la realidad. Un universo que se sumerge en los albores del modernismo, de la crisis, un mundo posible en el que, como Valle-Inclán, se busque la deformación sistemática de la realidad, solo como medio brutalmente provocador, para mofarse del sistema y del orden establecido, para hombres inquietos. Ahora el Terror del absurdo también quiere mofarse de manera rimbombante y pomposa de la estupidez humana, su proceder majadero y ridículo; también como Valle- Inclán empujamos al límite sus rasgos grotescos y absurdos.
Los personajes se instalan en un espacio cerrado, un decorado que a su vez es un “lugar común”, fundido, inestable… todo es real pero NADA existe.
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Es un ejercicio de identificación con el espectador a partir del sobrecogimiento y el escándalo.
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Ideas sueltas
Cerrarse en un decorado, la importancia del espacio cerrado, la teatralidad, llenar de truculencia los personajes, entender la estupidez, el claro-oscuro, el equilibrio precario, leer y hablar correctamente…

NOTICIA - Nuevo director del Teatro Nacional

2009-03-15T21:38:00.000-07:00

Propiedad de CEET
Luis Guillermo Soto fue el escogido por la junta directiva, de la cual él era el vicepresidente
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Soto se encargará de manejar todo lo relacionado con el funcionamiento de las salas, obras y proyectos de extensión teatral que viene desarrollando la fundación.
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"Creo que conozco el tema, tengo la capacidad gerencial para manejarlo y llevo 27 años metido en esto, además siempre conté con la cercanía y confianza de Fanny Mikey. Ella me oía", dice Soto, quien no puso su nombre a consideración, aunque reconoce que alguna vez le preguntaron si se le mediría al reto.
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Ahora que esa sugerencia es una realidad, considera que está listo para llevar las riendas de Teatro. "Cuando a uno le entregan una empresa andando, el verdadero reto es que se mantenga así", asegura.
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Mientras espera la ratificación del nombramiento, que se producirá el lunes 9 de marzo, adelanta que le encantaría ampliar la penetración del teatro hacia el público.
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"Que se nos vuelva algo cotidiano, como en Madrid o Buenos Aires y que lleguemos tanto a los jóvenes como a la gente mayor.
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Frente al panorama que antecedió a su designación, cuando se barajaron varios nombres y hasta se hizo pública una tensión interna para escoger al sucesor de Fanny Mikey, Soto insiste que viene con otra tónica.
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"Yo no soy un tipo de peleas ni de discusiones. En todos estos procesos de elecciones siempre hay borrón y cuenta nueva. Yo no tengo ningún problema con nadie ni con Ana Marta de Pizarro (quien fue escogida como la directora del Festival Iberoamericano de Teatro) tenemos que sentarnos a trabajar cuando la junta me ratifique", finaliza.
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Publicado el 5 de marzo del 2009
ANDRÉS HOYOS
CULTURA Y ENTRETENIMIENTO
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Sacado de: http://bogota.vive.in/enescena/bogota/articulos_teatro/marzo2009/ARTICULO-WEB-NOTA_INTERIOR_VIVEIN-4858833.html

OPINIÓN - Actores con un Título.

2009-03-15T13:10:00.000-07:00

Propiedad de CEET

En Colombia existen varias escuelas en donde los jóvenes se forman como actores de teatro. Estas, junto con las de algunas universidades del país, buscan avalar sus contenidos con el registro del Icfes para entregar títulos profesionales. Este es el caso de la Escuela del Teatro Libre de Bogotá, que durante 18 años ha ofrecido una formación de tipo no formal.

Durante varios meses ha trabajado en un convenio con la Universidad Central para que, en el primer semestre del 2006, se convierta en una facultad, y los estudios que realizan sus alumnos, además de tener una excelente calidad, sean reconocidos en el ámbito internacional.

"El hecho de ser profesionales les da la posibilidad a nuestros alumnos de trabajar como profesores y que les paguen mejor. Además, con el diploma, pueden acceder a especializaciones, postgrados y doctorados en el exterior", comentó Carolina González , directora administrativa del Teatro Libre de Bogotá.

Crece la oferta.
La Universidad Javeriana también se encuentra en el mismo proceso. Gracias a la experiencia que ha ganado, su Departamento de Artes Escénicas espera convertirse en una carrera. "Es un proyecto que está en proceso de aprobación por las directivas de la universidad. También estamos esperando una planta física eficiente", aseguró Juan Manuel Combariza, director del Departamento de Artes Escénicas de la Javeriana.

En Bogotá hay cinco programas de artes escénicas, avalados por el Ministerio de Educación: los de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, la del Bosque, la Academia Superior de Artes de Bogotá y la Pedagógica, con énfasis en actuación, dirección y pedagogía. Las carreras duran entre ocho y diez semestres.

La Universidad del Bosque lleva siete años con su facultad, la más reciente de las instituciones privadas. "Imponemos una disciplina al artista, mientras la otra forma de estudio depende de la constancia del alumno. Además, los padres sienten que sus hijos no pierden ni tiempo ni plata", comentó Luis H. Espinel, fundador de la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad de Bosque. También la Escuela de Artes Líricas abrió una nueva facultad de artes escénicas con énfasis musical.

Uno de los grandes esfuerzos del Gobierno en los años 70 fue elevar a facultad de artes escénicas la Escuela Nacional de Arte Dramático, dirigida en esa época por Santiago García, quien asegura que "se pasó de una escuela de estudios medios a una escuela de estudios superiores, avalada por la Universidad Nacional". A ella se le unieron la Universidad del Valle y la Universidad de Antioquia. No obstante, este proyecto terminó a mediados de los años 90.

"Si las escuelas de teatro se profesionalizan es porque se trata de dignificar este arte para sacarlo del tremedal en que lo tiene hundido la farándula ", afirmó Ricardo Camacho, director de la Escuela del Teatro Libre de Bogotá.

La moda de los realities llevó a realizar un programa en donde se formaban actores. A pesar de haber sido maestro de Protagonistas de novela, Julio César Herrera es uno de sus críticos: "Es una puerta fácil para entrar a la TV. Estos niños, lastimosamente, haciendo miles de talleres no van a ser actores".

Laura García no cree que un medio sea peor o mejor que otro. "La TV es quizás el que más escarnio ha sufrido. Uno no puede decir que todo lo que se hace en teatro es bueno, que todo lo que se hace en la televisión es malo y que todo lo que se hace en cine es maravilloso", concluyó.

Publicación eltiempo.com Sección Cultura y entretenimiento Fecha de publicación 18 de julio de 2005

Fotos: Teatro Libre sede Centro, Jual Pablo Miranda. Academia Superior de Arte de Bogotá, http://www.bogota.gov.co/portel/libreria/php/decide.php?patron=01.09&inicio_3=66

Sacado de: http://www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-1958274

CRÍTICA - Diatriba apologética para el actor I

2009-03-13T06:39:00.000-07:00

Por Ernesto García.
El título es con toda intención. Diatriba contra el facilismo, apología del arte actoral. (Para, no Contra el actor) Estoy harto de la vulgarización, la peor de todas que no es el planteamiento grotesco y hasta grosero, donde en el fondo puede habitar un sentido artístico de denuncia. La vulgarización del arte actoral es más sutil, más glamorosa, más fatua, jactanciosa y petulante. Está plagada de moda y alfombras rojas, de reverencias a la mediocridad, de hincarse de rodillas ante lo que merece el abucheo.

Y el respeto alcornoque, a tanta mediocridad, me empacha. Empalagado del derrumbe y la antigua cortesía a la sapiencia donde los hombres tomaban fama y nombre por sus obras; estas reflejadas en dinero o prestigio, hoy se nutren de un sueño que se templa en los hornos de un único propósito: La fama. La fama a toda costa.

El actor, ese artista vago y perezoso que no alimenta su profesión, que no ejercita el músculo de su oficio tanto como el de su altivez y vanidad. El músico a diario toca su instrumento. Un pianista estudia hasta la saciedad cada nota, cada intervalo, cada ritmo, una y otra vez repite pasajes buscando trasmitir más de lo que el pentagrama le ofrece. Un pintor, horas de estudios, de garabatos y bocetos, de mezclas alquímicas de colores. Un bailarín, mantiene su gracia, su elasticidad, fluyendo energías que con un movimiento se conviertan metáforas. Así y así tantos otros, todos quizás, menos al actor. Rara vez se encuentra un actor virtuoso.

¡Dios! ¡Cuántas veces hay que deciros que anotéis las cosas! Si no tomáis notas, ¡os despido! Paso toda la noche aquí. ¡Podríais al menos tomar notas! Hasta aquí, os he dicho. ¡Y no estáis interpretando a imbéciles! ¡No me miréis con esa cara de idiotas! [Kantor en un ensayo]

El actor solo actúa cuando tiene trabajo (teatro, televisión, radio, cine) mientras, no cultiva el ejercicio de la creatividad, por eso es quizás entre las artes, esta de la representación actoral, una de las menos evolucionadas. Una de las artes más vulgarizadas. Todo el mundo quiere ser actor. Todo el mundo pretende que puede serlo. ¡Es fácil! ¿Quién en su vida no conversa, piensa, siente, sonríe o llora? Entonces es viable. Tocar un instrumento parece arriesgado, demasiadas horas de práctica para este holgazán que quiere ser llamado artista. Lo increíble y mágico es cuando suben por primera vez sobre el escenario, es como si aquella persona articulada que en el mundo real puede conversar animadamente, reaccionar de una manera espontánea, le extirparan parte del cerebro. El aspirante a actor apenas puede ni caminar, sus brazos parecen dos grandes estorbos que le lastran y no le permiten la organicidad. Sus expresiones se vuelven torpes, la musicalizad del tono hablado se entrecorta para dar un tono monocorde y robótico. ¿Qué paso? ¿Qué está pasando?

¡Coño! ¡Tienes que llegar frente al caballo! Tienes que comunicarte por telepatía. ¡Lo hemos hecho tantas veces! ¡Os lo suplico! ¡Me juego la rotura del aneurisma! Y será el fín. Ya os he dicho que no tengo a nadie. Ni secretaria ni director de escena. Nadie. Es por eso por lo que me enervo. Debo defenderme contra todos estos bandidos. ¿Esto os divierte? ¡No es divertido! Se que os reís de mi. Si esto es así, yo me voy. No quiero morir aquí por vuestra culpa. Si no cambiáis de actitud, rompo... Puedo encontrar una compañía en Nuremberg. [Kantor en un ensayo]

Pasó que actuar es un arte, un arte caracterizado por el estudio de palabras y gestos y situaciones que no son las del sujeto y que al mostrárnoslas así lo parecen. Pasó que el simple hecho de saber tomar un pincel en la mano no te hace pintor, ni el tutú y la zapatilla te hará bailarina. Pasó, mi aspirante a actor, que el dominio de un arte lleva tiempo, dedicación, estudio, entrega y eso imponderable que llamamos talento.

Pasó que querías lograr con actuar algo que actuar no garantiza. Porque un por ciento muy alto de aspirantes como tú, no quieren actuar, (no lo entienden, no les importa) creen que actuar es una vía para la fama o qué se yo. Tantas sandeces he visto y escuchado en este tema que perdería el tiempo enumerándolas.

Actuar es complejo. Envuelve tantos resortes creativos que solo unos pocos son capaces de dominar parcialmente este arte. Para todos los demás queda una amalgama de facilismos, de viciados movimientos, de papagayos textos que no comprenden, con ojos de carnero que nada dicen. Actuar es complejo y tú, si es que quieres serlo, debes darle el respeto que este arte merece.

Miami, Noviembre 2008

Palabras de Tadeusz Kantor, creador polaco durante los ensayos.

¿Caricatura? - E.G

Sacado de: http://teatroenmiami.blogspot.com/

ACTOR - Luis Eduardo Arango.

2009-03-12T14:16:00.000-07:00

Su historia comenzó en los años 70, con el aval de su madre, un ama de casa "muchas veces desesperada", como la califica el actor, y la inconformidad de su padre, un zapatero que hizo de todo para que `Lucho', como lo llamaba, estudiara y se convirtiera en el soporte de la casa, por ser el mayor.

"De adolescente nos dio muchos problemas, porque se la pasaba metido en eso de teatro. El papá le vivía diciendo que aquí no se vivía de eso y que no le quitara tiempo a su carrera, porque estaba desperdiciando su futuro", cuenta Elvia, la madre del actor.

Aún así, Arango hizo su voluntad desde los 17 años, cuando un grupo de amigos lo llevó engañado a un taller de teatro, diciéndole que iban a jugar billar. "Cuando entré la cosa fue mágica. Vi el ambiente rico, había mujeres muy bonitas, con minifaldas y quedé como hipnotizado", cuenta.

Su padre entendió que no había nada que hacer cuando Luis Eduardo comenzó a llegar tarde y, a veces, a ausentarse durante la noche. "Siempre fue muy respetuoso" (falleció en el 2000), recuerda el actor.

Seguía estudiando ingeniería, pero el teatro ya ocupaba la mayor parte de su tiempo. Así que le dijo a su padre que no le enviara más dinero a Bogotá, porque él se inventaría cómo sobrevivir. "Hubo días muy amargos y de mucha hambre. Vivía de mis amigos, que me invitaban a almorzar. El desayuno era un tintico por ahí y la comida la vacilaba", narra Arango,
Vendió papel de colgadura. Hacía locución. Un día el teatro empezó a darle dividendos. Fue el protagonista de La Celestina, una obra de Colcultura con la que se ganó su primer sueldo: 9.300 pesos. "Llegué a mi pieza y boté los billetes al techo", recuerda emocionado.

Después, dirigió una pieza en la cárcel El Buen Pastor, se vinculó al grupo de teatro de Telecom a ingresó al teatro El Local. Y un día le llegó su primera oportunidad en TV.

Su madre fue la más emocionada. Vivía en inquilinato y no tenían televisor, entonces le dijo a la vecina que le diera permiso. Arango apareció en Bola de sebo, de Bernardo Romero Pereiro. "No creía que lo estaba viendo. Me convertí en la fan numero uno", recuerda Elvia.

Tomado del periódico El Tiempo, 17 de agosto de 2008

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/ArangoLuisEduardo/recuento.htm?nomartista=Luis+Eduardo+Arango&idartista=13571

Fotos: Archivo El Tiempo, 2008.

ACTOR - John Alex Toro

2009-03-09T07:56:00.000-07:00

Nació en Pereira¸ Colombia¸ en 1970. Se formó como actor en la Escuela Nacional de Arte Dramático de la Universidad de Antioquia. Ha trabajado en importantes montajes teatrales:

Enséñame a vivir¸ La Mandrágora¸ Frankenstein¸ Una noche en Venecia¸ Edipo Rey¸ Demonios¸ La Vie Parissiene¸ Las Convulsiones. Ha actuado en las siguientes películas: Mal de amor (Dir. Jorge Echeverry¸ 1998)¸ El gato (Dir. Cristina López¸ 1999)¸ Mary full of grace (Dir. Joshua Marlstone¸ 2002) y La Primera Noche¸ Opera Prima de Luis Alberto Restrepo¸ con la cual obtuvo el premio India Catalina 2003 al mejor actor principal. Ha participado en series y telenovelas colombianas como Cartas a Harrison¸ Cazados¸ Francisco El Matemático¸ Amores como el nuestro y Marido y mujer.

EL ACTOR

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Después de una prolongada ausencia de la pantalla, John Alex vuelve a de mostrar su capacidad actoral en Francisco, el matemático y en el teatro en Enséñame a vivir, junto a Fanny Mikey. Confiesa que no hacía televisión desde Marido y mujer, porque no lo habían llamado. Sin embargo, nunca se desconectó de la actuación, pues hizo cine, teatro y dictaba clases. Según él, se caracteriza por ser un actor polifacético:

"Nunca he querido matricularme en un género particular. Por esg he hecho comedia, drama... Trato de ser muy consecuente con lo que llega, no se puede desaprovechar lo que aparece en televisión. Además, nunca he tenido realmente la oportunidad de escoger lo que quiero hacer".

De su participación en Francisco, lo que más le gusta es haber llegado a un grupo abierto y sobre todo trabajar con Diana Ángel, a quien considera una excelente actriz. La obra es una enseñanza para su propio vivir: "Uno siempre se mete en problemas muy tontos relacionados con lo económico, lo romántico, lo profesional, cuan do debe estar cada vez másrelajado, suelto".

PEDAGOGO

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El mayor anhelo de John Alex es dar, enseñar y mostrar a todos sus colegas lo que aprendió de su maestro Pawel Nowicki, quien hace un año se fue del país: "Que él se haya ido significa dar un salto hacia otras cosas, es como terminar por fin la universidad, con posgrado y todo. Ahora siento que mi vocación gira en torno a la pedagogía y lo que me queda es transmitir lo que aprendí". Y cuál es la filosofía con la que pretende enseñar a sus alumnos? "Quiero que reconozcan los procesos por los cuales uno llega a ciertos estados y logra transmitir ciertas cosas a la gente. Que entiendan que las cosas no son tan casuales, que trabajemos en lo que casi todos los acto res jóvenes colombianos carecemos: la técnica". Lo que él pretende es que sus alumnos aprendan a identificar las emociones y cómo llegar a ellas, además de saber estructurar un personaje. Y cuál es la enseñanza de Pawel que quiere transmitir a sus alumnos: "Al final de todo esto, los estudiantes estarán muy firmes en el escenario o frente a una cámara, y también podrán improvisar e innovar".

Tomado de la Revista TV y Novelas No.315, 16 de noviembre de 2001

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/ToroJohnAlex/recuento.htm?nomartista=John+Alex+Toro&idartista=13867

Foto: Archivo TV y Novelas, 2008.

DIRECTORA, DRAMATURGA Y ACTRIZ - Patricia Ariza.

2009-03-08T05:46:00.000-07:00

Por María Lucía Tarazona Higuera, periodista
De familia campesina, nació el 27 de enero de 1946 en Vélez, Santander. "De mi madre heredé la fuerza para el trabajo, y de mi padre, la sensibilidad para el arte". Desde muy pequeña llegó a Bogotá con sus tres hermanos porque sus padres salieron del campo por desplazamiento forzoso.

Decidió estudiar filosofía y letras e historia del arte en la Universidad Nacional. Allí conoció al maestro Santiago García y se vio fuertemente atraída por su teatro. Al poco tiempo, se retiró de filosofía. "El teatro me fue ganando la partida", pues con tan sólo 16 años entró a formar parte de un proyecto fundacional que le partió la vida en dos: el Teatro La Candelaria. Junto con García fundó ese gran sueño en junio de 1966.

Continuó sus estudios de historia del arte con Marta Traba, con quien entabló una relación muy especial que trascendió el ámbito académico. Su entera dedicación al teatro le impidió culminar su carrera profesional. Sin embargo, ha sido una autodidacta desenfrenada que ha dedicado gran parte de su vida a leer y a estudiar antropología.

En 1966 dirigió el Festival de Teatro de Cámara, el primero de corte independiente que se hizo en Colombia. También realizó un exitoso desfile de modas para recaudar fondos que le sirvió para darse cuenta de su gran capacidad como organizadora. Era tan sólo una adolescente con un ímpetu desbordante por esa pasión que la consumaba: la revolución. "Yo era hippie, pacifista y muy militante", afirma. El período entre 1966 y 1970 fue determinante para las grandes definiciones de su vida, pues comenzó a vivir con Santiago García, entró a militar en la Juventud Comunista y participó en el movimiento estudiantil de la Universidad Nacional, el cual coincidió también con un momento histórico de grandes utopías mundiales. Fue detenida varias veces por participar en las manifestaciones contra la guerra de Vietnam y perteneció al Partido Comunista por muchos años, pero en 1992 dejó de militar. En su definición política hacia la izquierda influyeron Santiago García, Camilo Torres y su paso por la Nacional.

En 1965 viajó a Cuba porque Santiago García la invitó: "Ver Cuba en ese momento, en el que aún no se había institucionalizado la revolución, fue un trance para mí''. De una relación de 17 años con García, en 1972 nació su hija Catalina, quien se crió prácticamente en el Teatro La Candelaria.

Aguerrida, terca e insolente, siempre logra lo que se propone. No en vano La Candelaria ha logrado sostenerse por casi 40 años, a pesar de su difícil situación económica. Patricia se opuso a entregar la casa, exigida en hipoteca por el Estado, y propuso hacer un intercambio de servicios pedagógicos con tal de conservar la morada de sus sueños.

Con Carlos Satizábal, su actual compañero, dirige `Expedición por el Éxodo',proyecto que ha producido y editado tres CD y dos libros sobre el desplazamiento. En su trabajo con marginados y desplazados Patricia busca despojarlos del carácter de víctimas y reivindicarlos con sus dimensiones cultural y humana a través del teatro. Hace parte de Magdalena Project y Ashoka, dos ONG internacionales que son parte fundamental de su vida. Su expresivo rostro revela una vida entregada a los anhelos más profundos de su alma: la libertad, la igualdad y la cultura independiente.

También está Patricia la feminista, la poeta y la consumada nadaísta, quien ahora preside la Casa del Nadaísmo y que en un tiempo fue novia de Gonzalo Arango. Pero, ante todo, está la librepensadora que se entregó a sus ideales.

Tomado de la Revista Semana Edicion 1224, 17 de octubre de 2005

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/colarte/conspintores.asp?idartista=15747

Fotos: Archivo Semana, 2005. Archivo el Tienpo, 2007.

ENSAYO - Los cambios en la dramaturgia y la sociedad. Por Rodolfo Bonaci.

2009-03-06T14:31:00.000-08:00

El teatro como elemento de expresión de la realidad del ser humano no escapa de los cambios que se dan en la sociedad, por el contrario los reafirma y es en la dramaturgia por lo general que se evidencian dichos cambios.

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A pesar de que en el siglo XX la dramaturgia pierde un poco esa importancia dentro del arte escénico siendo desplazado por la puesta en escena y la experimentación actoral y grupal, supo mantener un contacto con su materia prima, la sociedad, la cual ha desarrollado en el siglo anterior nuevas e interesantes “formas de ser” motivado a los cambios de pensamientos y eso que llamamos “Política”.

Pero hablar hoy en día de dramaturgia, nos permite analizar que nuevamente los autores teatrales toman rienda del acontecer escénico. Se observan nuevos intentos por crear algo novedoso, nuevas estrategias discursivas se asoman para crear un teatro que pasaría de ser un teatro con mucha carga destinada a la política y llegar a una dramaturgia destinada a tratar lo político de cada sociedad, de cada ser… eso que mueve las emociones particulares de cada quien. No es un teatro que analiza las motivaciones psicológicas que cada personaje pueda tener como en el realismo psicológico, más bien es un teatro que busca mostrar en que condiciones se producen las reacciones humanas… esas pequeñas luchas internas que conforman lo que Dubatti menciona como “Micropolíticas”. Tal como se muestra en “NADAR PERRITO” de Reto Finger hasta en lo más sencillo de nuestro día a día está presente algún fenómeno de la micropolítica o algún hecho que motive la lucha de personas, por ejemplo una relación de pareja, un matrimonio con ciertos problemas.<

Otro aspecto interesante de ésta dramaturgia naciente es el de la visión que presentan los dramaturgos actuales. Se nota por ejemplo, que ya no se tiene preocupación alguna por la relación de tiempo y espacio dentro de la obra. Se rompe entonces con las convenciones que durante muchos años reinaron en la lógica de una obra teatral y a su vez, se muestra como un reto para el montaje abriendo posibilidades creativas indiscutibles para los representantes escénicos. Éste elemento discursivo se evidencia claramente en las obras del inglés Steven Berkoff. En “HUNDAN EL BELGANO” por ejemplo, él sugiere una puesta en escena poco convencional, con la disposición de Áreas de representación que definen lugares distintos de una ubicación que además son representadas en momentos de tiempos distintos rompiendo con esto el orden cronológico al que estábamos acostumbrados en obras clásicas. Pero Berkoff sugiere un cambio aún más radical y novedoso en su obra “LA SECRETA VIDA AMOROSA DE OFELIA” en donde hace una especie de “entretelón” sobre la obra clásica de shakespiere, “HAMLET”, donde pareciera que le agregara escenas perdidas a la obra original, con un cierto toque erótico, que obliga a re-pensar la razón de la muerte de Ofelia. Berkoff trae entonces los posibles problemas micropolíticos que pudieran haberse presentado en la relación de Hamlet y Ofelia. Pero dramatúrgicamente va más allá del hecho de la redimensión de una obra clásica y de lo político… ésta obra se muestra sólo con los personajes de Hamlet y Ofelia que de alguna manera expresada por el autor solo leen sus cartas, no hay acotación alguna de puesta en escena, solo se sugiere al final que uno de los personajes, Ofelia, ya no está en su puesto… sin lugar a dudas, éste tipo de dramaturgia moderna obliga a las nuevas generaciones teatrales a buscar novedades, a experimentar, a demostrar lo que siempre ha sido el teatro, una fórmula: Sociedad = Teatro… Cambios en la sociedad = Cambios en el teatro y viceversa.

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Sacado de: http://www.dramateatro.com/joomla/index.php?option=com_content&view=article&id=135:los-cambios-en-la-dramaturgia-y-la-sociedad&catid=5:ensayos&Itemid=9>

ACTOR - Héctor Bayona.

2009-03-06T11:44:00.000-08:00

Realizó estudios en la Escuela Distrital de Teatro dirigida por el maestro Eduardo Osorio. En 1974 participó en la fundación del Teatro Libre, donde desarrolló y complementó su formación artística. Como actor profesional ha participado en la mayoría de los montajes del Teatro Libre, interpretando personajes del repertorio universal en obras de Esquilo, Shakespeare, Cervantes, Moliere, Gogol, Valle-Inclán, Strindberg, Pirandello, Brecht, Miller, Williams, Albee, Kundera y Pinter, y de autores colombianos como Jairo Aníbal Niño, Sebastián Ospina, Jorge Plata, Esteban Navajas y Piedad Bonnett. Con estas obras viajó por todo el país y formó parte de las giras que el Teatro Libre ha realizado en el exterior, representando a Colombia en diversos festivales y eventos teatrales en países como República Popular China, España, Francia, Bélgica, Holanda, Inglaterra, Estados Unidos, México, Venezuela, Ecuador.

A partir de 1988, –año de apertura de la Escuela de Formación de Actores del Teatro Libre, de la cual es uno de sus fundadores y actual Coordinador Académico–, inicia una actividad docente que mantiene como profesor de Actuación e Interpretación. Desde los comienzos de su carrera ha estado vinculado al medio universitario como director de teatro en las Universidades Jorge Tadeo Lozano, E.S.A.P., Politécnico Santafé de Bogotá, Colegio Mayor del Rosario. Actualmente orienta el Taller de Iniciación Actoral y dirige el Grupo de Teatro de la Universidad de los Andes con el que ganó el V Festival de Teatro Universitario organizado por la Universidad Nacional de Colombia.

Sacado de: http://humlit.uniandes.edu.co/index.php?option=content&task=category&ionid=13&id=63&Itemid=119

ACTOR - Germán Jaramillo.

2009-03-04T13:16:00.000-08:00

"Germán Jaramillo" nació en Manizales, en Colombia, en 1952. Es un actor verdaderamente excepcional que no es muy conocido en Colombia porque siempre se ha negado a hacer televisión. Es alguien muy intransigente, a quien no le gusta comprometerse. No ha hecho cine prácticamente nunca. En 1973 participa en la creación del teatro Libre de Bogotá, a partir de un movimiento artístico nacido en los medios universitarios, que en esa época buscaba crear una dramaturgia nacional apoyándose en las contradicciones políticas y sociales del país. La obra más conocida de esta primera etapa es, sin ninguna duda, La agonía del difunto de Esteban Navajas (1977), puesta en escena por Jorge Plata, en la que "Germán Jaramillo" interpretó el papel protagonista, el de Don Agustino Landazabal, durante veinte años y más de tres mil representaciones.

Esta obra fue presentada por todo el país y consiguió el premio Casa de las Américas en 1977. Igualmente fue puesta en escena dos veces para la televisión. Se puede también destacar, durante este período, los papeles de Ivan Vesovchikov en La madre de Bertold Brecht (1974) y Jacobo Herrera en Los inquilinos del odio de Jairo Anibal Nino (1976), puesta en escena por Ricardo Camacho. Continuó su formación de actor interpretando el papel de Kent en El Rey Lear de Shakespeare (1979), y el de Grand Prévot en Farsa y Licencia de la Reina Castiza de Valle Inclán (1982). A continuación el Teatro Libre hizo una gira internacional por China, España, Holanda, Inglaterra y Francia, presentando La agonía del difunto y Les Baladins de Jairo Anibal Nino. En 1984, "Germán Jaramillo" interpretó los papeles de Marvin Macy en La Balada del Café Triste de Carson McCullers, adaptada por Edward Albee (1984) y puesta en escena por Ricardo Camacho. En 1985, en un proyecto común entre la Asociación Francesa de Acción Artística y el Teatro Libre, interpretó el papel de Monsieur Jourdain en El Burgués Gentilhombre de Moliere, puesta en escena por Hervé Van der Meulen. Este espectáculo recibió el premio a la mejor obra de la temporada en Colombia y "Germán Jaramillo" el premio al mejor actor. Interpretó también el papel del Padre en Seis personajes en busca de autor de Pirandello (1989), puesta en escena por Germán Moure y el papel del poeta José Asunción Silva en Sobre la arena triste, puesta en escena por Eduardo Camacho (1991), de la que también se ha hecho una versión para la televisión. En 1993, interpreta a Don Juan Tenorio en El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina. Entre 1995 y 1997 Sir Toby Beich en La noche de Epifanía de Shakespeare y Jacobo en Fuera el aire muerde, de Piedad Bonet, las dos puestas en escena por Ricardo Camacho. En 1999, antes de que "Barbet Schroeder" le propusiese interpretar el papel de Fernando en "La Virgen de los Sicarios", produjo, para el Teatro Libre, la trilogía de Esquilo, La Orestiada, interpretando igualmente los papeles de Agamenón, un esclavo y el dios Apolo. Esta obra fue considerada como el mejor espectáculo de los últimos años en Colombia (1999).

Sacado de: http://www.tvfuego.com.ar/index.php?

OPINIÓN - ¡Se puede hacer con las uñas de la imaginación!. JASÓN.

2009-03-02T17:19:00.000-08:00

El “espacio vacío” es una de las reflexiones de Peter Brook, método que básicamente nos habla de un escenario desprovisto de decorados, haciendo del oficio del actor y el director un proceso más comprometido, se debe despojar el escenario de los elementos que no sean estrictamente necesarios para intensificar lo que queda, impregnando la obra de una chispa de vida, logrando así en el espectador una atención del espectáculo; este tipo de teatro hará mella en el espectador y lo obligara a asistir a una función de teatro en otra disposición, cosa que Peter Brook definirá así -“el escenario vacío no cuenta una historia, así que la imaginación, la atención y los procesos mentales de los espectadores son totalmente libres… el vacío permite que la imaginación llene los huecos”-, libertad que ayuda a desarrollar el músculo de la imaginación, que tan atrofiado está en estos días.

La puesta en escena menos sobrecargada de objetos alentara al actor para dar un manejo más profundo al texto, encontrando en cada palabra la imagen precisa, enfatizara y hará de los juegos teatrales más limpios, en cuanto al director, será un ejercicio de distribución de imágenes claras y para ello deberá conocer a fondo la obra, manejar con exactitud el tono y tiempo de la misma. Todo este proceso requiere de un tiempo de montaje extenso, en el que la investigación será la prioridad, para así acertar en lo que se quiere decir.
Este método sería perfectamente aplicable en nuestro país, estamos acostumbrados a realizar nuestras puestas en escena con las uñas, valiéndonos de recursos mínimos e inmediatos; las políticas culturales nos han marginado, por esto no debemos abandonar los procesos creativos, debemos ser recursivos a la hora de lanzarnos a montar, dejar a un lado las excusas y trabajar al máximo, para esto habría que ahondar en esta teoría, que si la vemos bien, da luces en el camino.

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Entonces, ¿por qué no hacerlo? Nuestra imaginación no tiene límites, está ligada a nuestras vivencias o experiencias de la vida, dando la posibilidad de jugar con las convenciones que son propias del teatro, la tarea será alivianarlas, Peter Brook lo reflexiona de la siguiente manera –“todas las convenciones son imaginables, pero depende de la ausencia de formas rígidas”-. Para esto están los directores y actores, el mismo Peter Brook lo dice, -“solo se necesita de un elemento para que el teatro sea teatro, y es el ser humano, materia prima de este arte”-, actores haciendo lo más atinado posible una imitación de la vida, un acercamiento a las vivencias humanas, valiéndose de la palabra y el cuerpo como herramientas fundamentales para crear las convenciones que el espectador procesara en su imaginación.

Fotos:

http://www.experimentaltheatre.org/new_page_1.htm

http://www.lavinajadhwani.com/index.php?id=15

http://www.victoriaeugenia.com/programacion/espectaculo.php?evento=743

ACTRIZ - Carlota Llano.

2009-03-01T13:04:00.000-08:00

Se inició en el Teatro Estudio de la Universidad Nacional en 1976 cuando estudiaba Sociología en este centro docente. En ese mismo año ingresó al Teatro Libre en cuyo seno ha adelantado toda su carrera de actriz y cuyos principales créditos son: La Compa en "La Huelga", Doña Carmen en "La Agonía del Difunto", Regania y Cordelia en "El Rey Lear", Mercy Lewis en "Las Brujas de Salem", Antonia Montero en "Los Andariegos", Stelle en "A Puerta Cerrada", La Sra. Peterson en "La Balada del Café Triste", la Hijastra en "Seis Personajes en Busca de Autor", Isabel en "Un Muro en el Jardín", Nicolasa en "El Burgués. Gentilhombre", Rosa de Sinisterra en "Sobre las Arenas Tristes", La Viuda en "Oroonoko" y Doto en "Un Fénix Demasiado Frecuente". Asistente de Dirección en "Macbeth". Miembro del Consejo Artístico del grupo. Fue la gerente de la construcción del nuevo teatro del Teatro Libre

Tomado del folleto Teatro Libre - Un gran teatro para todos, 1988

Siete años de catarsis
por Carlos Restrepo

En los últimos siete años de carrera, la actriz colombiana Carlota Llano ha pasado de anécdota en anécdota por el monólogo teatral Mujeres en la guerra, que esta noche se estrena en el festival TeatroStageFest de Nueva York (E.U.).
La obra, inspirada en el libro homónimo de la periodista Patricia Lara Salive (Premio Planeta de Periodismo 2000), llega a un evento que cada día adquiere mayor relevancia por el tipo de público, las obras y los grupos participantes.

Desde su estreno en el año 2001, Mujeres en la guerra (dirigida por Fernando Montes) se ha presentado no solo en las principales ciudades. Ha llegado a varios rincones de Colombia, entre los que se destacan Yopal, Barrancabermeja, Quibdó, Villanueva, Maicao, Pasto, Buga y Mompox.

Fue como una catarsis

Carlota recuerda, precisamente, que la de Quibdó fue una de las funciones más sentidas, que se hizo en un patio al aire libre, a las 3 de la tarde y bajo un calor infernal.

"La gente como es tan espontánea se reía, lloraba, aplaudía y se divirtió con cada uno de los personajes -recuerda la actriz-. Pero de pronto, al final, las mujeres atravesaron una cuerda en el patio y comenzaron a colgar con ganchos mensajes a sus muertos acompañados de cánticos por más de dos horas. Fue como una catarsis que las tocó profundamente y las movió a sacar su duelo y a soñar con otro mundo".
El monólogo ha sido invitado a México, Honduras, Uruguay, Panamá, Bolivia y Venezuela. Ha sido traducido al francés, griego, inglés y portugués para presentarse en París, Londrina (Brasil), Chicago y Heraklion, capital de Creta (Grecia).
"Recuerdo que, en este último país, un crítico reconocido se mostró sorprendido de que mientras ellos no han si do capaces de hablar de su dictadura, nosotros presentemos, en pleno conflicto, una obra que toca directamente nuestra problemática", comenta Carlota.

Para Patricia Lara, esa es una de las razones por la cuales el montaje es tan solicita do. "La obra y el libro son una terapia y un espejo por la profunda carga psicológica que tiene cada una de las protagonistas", dice.

En TeatroStageFest también estará el director colombiano Jorge Alí Triana, a cargo de Doña Flor y sus dos maridos, del grupo Repertorio Español.

Tomado del periódico El Tiempo, 12 de junio de 2008
Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/LlanoCarlota/recuento.htm?nomartista=Carlota+Llano&idartista=15735

Fotos en orden de aparición:

Archivo Fundación Gilberto Alzate Avendaño, 2007.

Archivo particular, 2008.

ACTOR, DIRECTOR Y DRAMATURGO - Jorge plata.

2009-02-28T09:02:00.000-08:00

Profesor de Lectura e Historia del Teatro. Filosofo, Universidad de los Andes. Fundador del Teatro Libre, del que es actor, director y dramaturgo. Ha escrito varias obras y adaptado piezas de Shakespeare, Esquilo, Molière, entre otros. Profesor visitante en Middlebury College (USA).

También en la Luna puede hallarse la historia de la Tierra
El rey Lear
Macbeth
William Shakespeare Traducciones de Jorge Plata, El Áncora Editores, Bogotá, 1988, 115 Y 142 páginas respectivamente.

Las capacidades dramatúrgicas de Jorge Plata, director, actor y autor de por lo menos dos obras de teatro ya vistas, Episodios comuneros y Un muro en el jardín, piezas representa das por el Teatro Libre de Bogotá con muy buena acogida no sólo en Colombia sino también en el exterior, se revelan nuevamente en estas excelentes traducciones de dos de las obras claves de la producción de William Shakespearé, pertenecientes a la etapa que Arnold Hauser califica de "período trágico" en este autor. A muchos puede haber sorprendido que Jorge Plata, con demostrado talento para escribir piezas en forma autónoma, haya resuelto esta vez traducir a un autor ya tan ampliamente divulgado en todos los idiomas del mundo; pero es muy posible, casi cierto, que el dramaturgo Jorge Plata no sólo haya estado buscando en Shakespeare su propia identidad, asimilar las condiciones mismas de la creación teatral y la técnica dramatúrgica propia de un gran creador, sino incluso responder a la necesidad, vivamente sentida ahora, de los grupos escénicos y del propio público teatral en general, por pulir una escritura muy endeble frente a los grandes logros técnicos y actorales que ya ha alcanzado el teatro colombiano. De manera que pasar por esta escuela shakespereana no podía traer más que grandes beneficios a todos, siempre y cuando ella fuera abordada con la seriedad y profundidad que Jorge Plata demostró en estas traducciones. El, en efecto, y el Teatro Libre de Bogotá, nos estarían indicando, a su modo, lo mismo que señalan los astrofísicos contemporáneos en esta época interplanetaria: así como la verdad de la Tierra puede hallarse escrita en la Luna, siempre y cuando sepamos leer, lo que Colombia está buscando con su teatro podría muy bien estar escrito en Shakespeare y en un país tan alejado de nosotros como la Inglaterra de Isabel I.

Pero en este traductor-autor existían razones menos sobreentendidas para trabajar sobre Shakespeare, como manifiesta claramente en el ilustrativo prólogo de El rey Lear:

La obra fue escrita por un hombre de teatro para ser representada [ ... ] en un escenario concreto, por un grupo de actores definido. Obra y público concordaban con el contexto social y cultural. Pero nosotros vivimos en otro tiempo y en otro mundo. Como hombres de teatro, teníamos que colocarnos en la misma actitud de Shakespeare-escritor-para-la escena, de Shakespeare-actor, de Shakespeare productor de espectáculos.

Jorge Plata se hallaba, pues, en situación ideal, porque conoce los diversos oficios del hombre de teatro total, para poder sentirse calificado al realizar estas difíciles traducciones, lo que, evidentemente, demostró con buenos resultados. En una situación, en efecto, en la que se habría podido esperar, como en tantos otros casos de "adaptaciones" colombianas de Shakespeare u otros clásicos, que la versión se hiciera en forma algo simplista, politizante, con "mensaje", tal vez polarizada en personajes "buenos" y "malos" para obtener ciertos fines discutibles, Jorge Plata nos entrega, afortunadamente, un Shakespeare finamente traducido, en forma muy fiel al texto original, en el que trata de recuperar, incluso, las cadencias del verso en una métrica propicia al español, o los cambios a la prosa que el autor inglés concibió con objetivos dramatúrgicos muy concretos que el traductor no quiso traicionar, preservando, así, no sólo el inmenso contenido humano y multifacético de estas obras, sino la textura misma del idioma, en un lenguaje más cercano para el auditorio colombiano.

FERNANDO GONZÁLEZ CAJIAO
Fuentes:
http://www.teatrolibre.com/escuela_profesores.html
http://www.lablaa.org/blaavirtual/publicacionesbanrep/boletin/boleti3/boldiescisiocho/boldiescisiocho19.htm
http://www.colarte.com/colarte/titulo.asp?idtitulo=1155&iconografia=true
Fotos:
Archivo Teatro Libre.
Archivo Teorema, 1981.

GRUPO - Teatro Salamandra Del Barco Ebrio

2009-02-27T22:06:00.000-08:00

Teatro Salamandra Del Barco Ebrio
Carrera 36 # 4 A-31

Barrio San Fernando Viejo - Cali

Telefono 5542411

salamandra@emcali.net.co

http://www.ajazzgofestival.com/

CRÍTICA - Justo Certero Franco.

2009-02-26T11:26:00.000-08:00

HIENAS, CHACALES Y OTROS ANIMALES CARNÍVOROS

Primero que nada quiero agradecer a todos los que en mi ausencia se preocuparon por mí. Los mensajes que recibí de su parte fueron alentadores y vigorizantes, y me sirvieron para soportar las largas noches de hospital. Hace pocos días salí de la clínica Shaio en donde le hicieron una cirugía a mi corazón, que como es normal a ésta edad ya estaba para reparar; pero no se preocupen, gracias al doctor Santos y a las enfermeras tan queridas de la Shaio todo salio muy bien y aquí seguimos dando la batalla, sólo espero que ninguna de las cosas que voy a empezar a ver este año me produzcan un infarto.

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Hoy quiero hacer referencia a un tema que por un momento pensé que ya no valía la pena pararle bolas, pero viendo los últimos acontecimientos me doy cuenta tristemente que sigue sin resolverse. ¿Quién va a asumir la dirección del Teatro Nacional y del Festival Iberoamericano de Teatro?

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Por eso decidí titular el articulo “HIENAS, CHACALES Y OTROS ANIMALES CARNÍVOROS” porque de esos hay de sobra al interior de esa institución. Qué tristeza que la cultura esté plagada de pusilánimes poco talentosos y hambrientos de poder.

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Era lógico que algunos de los colaboradores de la señora Mickey quisieran quedarse con su puesto debido a lo que en el medio representa estar a la cabeza de tan prestigiosa institución, pero el problema es que ella no vio en ninguno a un sucesor, porque no lo estaba buscando. Tanto La Fundación Teatro Nacional, como el Festival Iberoamericano fueron su proyecto personal y como tales se los está llevando a la tumba.

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En un principio nadie expresó abiertamente querer subirse al poder, cosa que me extrañó bastante y por el contrario, andaban como huerfanitos buscando un tío rico que los quisiera adoptar, pero ante la negativa del Señor Ramiro Osorio, los pobres huerfanitos se quitaron la piel de ovejas y salieron a relucir los chacales de sus verdaderas intenciones.

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Entiendo y comparto la posición de los actores al apoyar a la señora Ana Marta de Pizarro; ella es una mujer respetada, reconocida y su cercanía a la señora Fanny hace que conozca muy bien todo lo que hay detrás de ese negocio, y lo mejor de todo es que ella sí sabe cómo se consigue la plata. Ana Marta tiene el número del móvil de los presidentes de las principales empresas del país y a diferencia de nosotros, los simples mortales, hay muchos políticos y personajes influyentes que le pasan al teléfono a ella sin pensarlo dos veces. Claro que ella tiene sus falencias; seguramente no tiene la sensibilidad artística que se necesita para tan altos ministerios, o el talante para organizar a tanto payaso (porque hay mucho) en ese circo, y eso hace que no sea la mas idónea, pero, y si no es ella, ¿entonces quién?
Ya sé… Él, Jorge Alí Triana, individuo que al parecer ha manipulado todo para volverse una opción, que si se vuelve realidad, sería un error garrafal. Él, un hombre perezoso, sin talento y dispuesto a una sola cosa… la rumba. Él, que sí quiere sentarse ahí, pero sólo para devengar un cómodo salario mensual que le permita darse la gran vida como siempre. O no ven como Él se vende al mejor postor? -si le interesara la Fundación Teatro Nacional, no haría “Doña Flor y sus dos maridos” por otro lado (El Arlequín); Él, se pondría la camiseta y se comprometería con la causa de sacar el Teatro Nacional adelante, por el solo hecho de pertenecer a su junta directiva; Él sería leal. ¡Pero no! Miren con quién se junta para montar “Doña Flor”: con Hugo Molina, un mercenario de la escena, así que no entiendo a qué horas esperábamos ser representados por semejante personaje.

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Pero pensándolo bien, a mí también se me ocurre que se puede nombrar a Fernando Fernández como director tanto del teatro como del festival; él sí es un hombre que conoce del mundo del espectáculo, es un hombre culto, cultísimo, perspicaz, de buena familia, es un hombre comprometido con… sus causas; un pobre viejo como yo no tiene nada que hacer al lado de tan ilustre caballero; definitivamente es mi nominado; Ojalá los de la junta directiva lo tuvieran en cuenta.

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Estoy seguro que varios de los que trabajan al interior del Teatro Nacional que no son parte de la junta y que son los que ejercen presión sobre el doctor Gustavo Vasco se creerán capaces de subirse al trono y soñarán todos los días con ser promovidos como en un cuento de hadas, y por eso digo que las hienas y los chacales tarde o temprano iban a acabar con lo que tanto esfuerzo construyó la (pobre) difunta.

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Como van las cosas el que viene podría ser el último festival; sin un líder es muy difícil que una empresa de esta magnitud se sostenga por mucho tiempo. Pero no es tan grave para nuestra ciudad que se acabe el festival, porque hay que reconocer que sus últimas versiones han sido por demás bastante mediocres en lo que a contenidos se refiere, cosa que para el público esnobista de este país no es problema: sólo van a mostrarse ante los demás de sala en sala; pero de todas maneras, hay que reconocer que a nivel de producción y logística el esfuerzo sigue siendo admirable.

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Muchos creen que lo mejor que le ha pasado a la cultura del país es el Festival Iberoamericano, pero yo difiero seriamente de ésta afirmación y si no, preguntemos a la gente del Teatro Libre, del Teatro la Candelaria, del Teatro el Local, a Tino Fernández, a Fabio Rubiano y varios más; gente que a pesar de estar apadrinada por el festival le ha tocado sudarla para poder mostrar sus trabajos en otros festivales del mundo.

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No es obligación del festival acoger o promover a estos grupos, eso es otro negocio y como negocio la cosa va en un solo sentido: mientras entre la plata de los patrocinadores que cubra los costos y el dinero de la taquilla quede libre, lo demás no importa. Por eso pienso que tarde, muy tarde llegó la llamada “Ventana Internacional de las Artes” o VIA a darle un “espaldarazo” a los grupos, a “conseguir” circuitos para la difusión teatral, o a pretender que lo hace, y entonces ¿Para qué poner una oficina que exporte lo poco que hacemos? ¿Para qué incentivar la producción en miras de nuevos mercados? El teatro en Colombia se volvió perezoso gracias al monopolio generado por Mickey; Teatros, compañías y público se sentaron a esperar patrocinios cada dos años, y los pocos creadores teatrales que eran constantes, se extinguieron esperando a un público que ahorraba para ir cada dos años a ver teatro.

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Sólo espero que nada de lo aquí expuesto se haga realidad… esta es una de aquellas situaciones en las que yo quiero estar equivocado!..
Entonces...Salve usted la patria Doctor Fernando Fernández!

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Justo CF.

Sacado de: http://elblogdejusto.blogspot.com/

ACTRIZ - Consuelo Luzardo.

2009-02-25T07:29:00.000-08:00

Una vida sobre un escenario

SUS 40 AÑOS DE CARRERA ARTÍSTICA LA CONVIERTEN EN UNA DE LAS GRANDES DE LA TELEVISIÓN NACIONAL

Como todos los niños a los 12 años, Consuelo Luzardo acostumbraba pasar tardes enteras jugando a las escondidas, solo que ella lo hacía debajo de un piano de cola, detrás del telón de terciopelo rojo o entre los bastidores del Teatro Colón de Bogotá. Consuelo Luzardo Montenegro utilizó el tradicional teatro del barrio La Candelaria como patio trasero, cuarto de juego y salón de clases. En ese lugar, al lado de su amiga María Angélica Mallarino, menor que ella, aprendió a jugar y, sobre todo, a actuar.

A ese lugar llegaba todos los días como estudiante de la Escuela Superior de Arte Dramático, dirigido por el maestro Víctor Mallarino (papá de María Angélica). No era común en esa época que una mujer (¡y menos una 'niña bien'!) estudiara teatro, pero a Consuelo se lo permitieron por tres motivos: Mallarino era íntimo amigo de la familia de Consuelo, sus padres estaban convencidos de que sería una fiebre de ocho días, y especialmente porque tenían la esperanza de que por medio del arte dramático, su hija superara un trauma que la acompañaba desde siempre: su incapacidad para relacionarse con otras personas.

"Era tan serio el problema, que me cambiaron constantemente de colegios y terminé estudiando con profesores particulares;' confiesa Consuelo. Pero sus padres estaban equivocados: la actuación no fue para Consuelo una 'fiebre de ocho días'; si no una forma de vida que ya cumple 40 años (nunca ha pasado un solo año sin actuar), y su timidez crónica sigue siendo el rasgo característico de su personalidad, hasta el punto de que para ella más de tres personas siguen siendo multitud.

"Solo me siento cómoda cuando estoy con gente conocida, excepto cuando subo a un escenario. Ahí sí me gusta la multitud".

TEATRO Y TELEVISIÓN

Aunque nació y creció en las tablas, Ilegó a la televisión sin complejos de culpa, contrario a la tradición de los teatreros de la época, que veían la pantalla chica como la prostitución del arte.

Debutó en la comedia Hogar dulce hogar en varios papeles cortos, de la mano de Mallarino, su papá putativo. "Por eso, no tuve inconvenientes para entrar a la televisión. Ya había hecho teatro desde los 12 años, cuando actué en Un poeta de ayer y una niña de hoy también con Víctor Mallarino".

Esa relación con el maestro del teatro y la televisión fue tan estrecha que cuando los dos iban a fiestas de artistas, muchas veces a Consuelo le tocaba pasar la noche sin bailar. "Él no dejaba que se me acercaran ni que me sacaran a bailar, excepto si veía que se trataba de un 'buen' muchacho'.' Mientras asistía a fiestas para 'comer pavo', amigas de su familia se sorprendían de lo 'ovejas negras' que habían resultado los hijos de don Julio César y doña María: "Consuelo, teatrera; su hermano mayor, cineasta, y la menor (Celmira), también actriz. ¡Qué horror!'; decían.

LA ROCANROLERA

Nada que ver. En realidad, Consuelo resultó liberal de pensamiento, conservadora de comportamiento a izquierdista a la distancia.

"Siempre fui muy sana, no tomaba trago y nunca probé las drogas, aunque todo el mundo a mi alrededor consumía'.' Ni siquiera durante su estadía en Nueva York, en pleno furor del hippismo y del peace and love, fue contagiada por las flores en la solapa, las cintas sicodélicas y las minifaldas. "Allá, en pleno 1970, cuando acababa de pasar el Festival de Woodstock, me veían como bicho raro porque prefería mis faldones de tela escocesa y mi vestimenta bogotana'.'

En cambio sí la sedujo bailar el Rock Around the Clock y escuchar a los 'muchachos malos' de los Rolling Stones. Precisamente, el baile ha sido una de sus grandes pasiones, junto con la lectura (está leyendo Melodrama, de Jorge Franco), o el jazz.
De hecho, en la década de los 70 fue una especie de Dj adelantada, en un bar del centro de Bogotá, donde los viernes por la noche ella era la encargada de armar la rumba para universitarios poniendo la música de moda, al lado de Ricky, un novio de su juventud. Su otro "hueco para bailar" fue la discoteca de doña Gloria Valencia de Castaño y la crítica de arte Marta Traba.

"Bailé rock, pero hippie jamás" recalca.

VIENTOS DE IZQUIERDA

Otra cosa fue con los vientos revolucionarios de esas décadas, que sí la contagiaron pero sin llevarla a los extremos de la militancia.

"Sí era de izquierda, seguía de cerca la Revolución Cubana y estaba convencida de que era lo más importante que pasaba en el hemisferio".

El tema político siempre estuvo latente en sus reuniones con amigos artistas, muchos de ellos izquierdistas furibundos y otros moderados. Lo que nunca sospechó fue que algunos de sus contertulios tuvieran vínculos con las guerrillas.
"Hoy veo todos esos grupos de izquierda y pienso que también le fallaron al país'.'

MATRIMONIOS

Consuelo Luzardo vive sola en Bosque Izquierdo (un barrio que ayudó a construir su padre, quien era arquitecto), en un apartamento que tiene vista a casi toda Bogotá. Esa panorámica la atrae tanto que cada vez que termina ' sus grabaciones, da un brinco directo a su apartamento del piso 16.

Ahí, rodeada de cuadros originales, antigüedades e instrumentos musicales de adorno, ha adaptado su vida a una soledad consciente.

En el recuerdo quedaron sus dos cortos matrimonios, el primero con el publicista José Antonio Moreno ("tres años, más o menos), y el segundo con el alemán Claus Reprich ("menos de cuatro años"). "Uno no sabe por qué se acaba el matrimonio, pero supongo que el medio en el que me he desenvuelto tiene que ver. Cuando voy a estrenar una obra, siempre hablo de la obra, y cuando me hablan, aparento que escucho, pero es mentira: pienso en la obra. Hablo de la obra. Sueño con la obra. Eso aburre a cualquiera. Luego del segundo intento, decidí que me sentía mejor viviendo sola'.
íngrima puede dedicarse a escuchar música barroca, a tejer si está impaciente y a tomar té a las 5 de la tarde, como lo hace entre escenas para no sentir que está perdiendo el tiempo.

LA PUBLICISTA

Aunque nunca ha pasado más de un año sin actuar, durante 20 tuvo una profesión alterna: publicista. Fue empleada de la agencia Época y socia de CPR Publicidad, en la que no solo participó en todos los pasos de creación de una campaña y en la producción de comerciales, sino que ganó varios premios por su trabajo.

"La publicidad siempre fue una forma de tener tranquilidad económica. Es una actividad creativa y con grandes retos. Me retiré porque no estaba dispuesta a seguir trabajando 18 horas diarias y, además, hacer teatro'.'

A pesar de su timidez, sigue sacando tiempo para bailar sones con sus amigos cercanos, como Jorge Cao (" ¡qué bien baila!, como buen cubano"), con Diego León Hoyos, Carmenza Gómez, Gloria Gómez, Helena Mallarino y María Cecilia Botero.
Reconoce que hay mucho talento en actores jóvenes, pero también critica a quienes solo llegan a la televisión por su físico. "Si a nosotras (las actrices) nos hubiera tocado esta época, no habríamos podido ser actrices. ¡No existía el quirófano! Nos habría tocado ser abogadas o gerentes estupendas'; dice con esa amabilidad tradicional que la caracteriza.

Tomado de la Revista TV y Novelas No. 467, 7 de octubre de 2006Fotos: Archivo Tv y Novelas, 2007.

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/LuzardoConsuelo/recuento.htm?nomartista=Consuelo+Luzardo&idartista=13512

ACTRIZ - Laura García.

2009-02-24T14:22:00.000-08:00

Una Madre Coraje de las tablas
por Lina María Gómez González

Quizá fue Abigail Infante de García, la abuela paterina, fue la causante de que Laura García haya escogido la actuación como profesión, o por lo menos así lo afirma la consagrada actriz. Con añoranza recuerda a su abuela como como una maravillosa actriz aficionada y una muy buena intérprete de órgano y piano. "Ella tenía un grupo de teatro con sus amigas de Santa Marta que se llamaba Los Cascabeles. Me ponía a cantar en el coro, me ponía a bailar y a actuar, entonces creo que fue culpa de ella. Obviamente, si no hubiera habido eco de mi parte, probablemente sería ingeniera nuclear o cualquier otra cosa".

Siguiendo la influencia de doña Abigail y olvidándose del periodismo, pues ingresó a la Facultad de Comunicación Social de la Universidad Javeriana, Laura García se inició en las tablas haciendo teatro callejero con Rodrigo Obregón en El Local. En 1976 entró al extinto Teatro Popular de Bogotá (TPB), dirigido por Jorge Alí Triana, y allí se estrenó como actriz profesional con La ópera de tres centavos, interpretando a Polly Peachum.

Con esta obra viajó a Santa Marta y Abigail Infante de García la vio trabajando como profesional por primera vez. "Ella debió ver en mí lo que siempre quiso ser, una artista profesional. Me acuerdo que se sentía muy orgullosa de decirles a sus amigos y amigas: `Llegó mi nieta la artista', como se dice en la Costa". Aun hoy sus tías Marulanda la presentan como la artista de la familia. "Todavía no sé qué quieren decir con eso, pero ahí lanzan la frase cuando me presentan".

Su recorrido por las tablas la llevó, en la década del 80, a formar parte del Teatro Libre, compañía de la que ha sido actriz de planta hasta el momento. Ricar o Camacho, su director, respeta su talento y seriedad porque se toma el oficio al pie de la letra. "Laura entró al Libre a una obra que tiene una grata recordación, La balada del café triste, con el papel de la señorita Amelia Evans. Es una mujer de teatro, mucho más que una actriz: nació en el teatro y va a morir en el teatro", afirma Camacho.

Aunque su trayectoria suma tres décadas, sólo ahora Laura García siente realmente cómo es que tiene que actuar. "Después de bastante tiempo en el teatro, uno empieza a desbrozar la maleza a ir al punto central para realmente lograr veracidad en la actuación. Al igual que en la vida personal, con el paso del tiempo uno se vuelve más selectivo".

EL CORAJE DE LOS AÑOS

"Laura tiene esa poderosa energía de los grandes actores de teatro. Cuando está en el escenario, es capaz de traspasar a un actor con la mirada, energía que, con los aros, muchos actores van perdiendo: Pero ella la tiene intacta", dice Camacho.

Esa energía de la que habla el director del Teatro Libre, la ha llevado a interpretar roles tan fuertes y exigentes como el monólogo de Diatriba de amor contra un hombre sentado, de Gabriel García Márquez, Clitemnestra en La orestiada de Esquilo, entre otros, y ahora la Madre Coraje y sus hijos, de Bertolt Brecht.

Esta actriz, apasionada por los autores clásicos, sean antiguos, contemporáneos o modernos, dice que Madre Coraje llegó a su carrera en el momento preciso -como sucede con los mejores personajes que un actor hace, que no son los que busca sino los que le llegan-. "Siendo Madre Coraje un personaje tan rico, completo y colorido, por supuesto es ambivalente. Eso la hace apasionante para interpretan Siempre está entre el bien y el mal, entre lo femenino y lo masculino".

"Los pobres necesitan coraje para vivir", dice Madre Coraje, pero para Laura García, son las madres quienes necesitan coraje para vivir: "Es así, ser madre es una ciencia, es una profesión. Desde el comienzo está la semilla adentro, sale, se desarrolla y lo acompaña toda la vida y eres la sombra de esa semilla, quien tiene que nutrirla, llorar con esa semilla, alegrarte con ella, yo creo que de ahí sale la fuerza del personaje".

A pesar de que su medio es el teatro, confiesa que entre sus deseos siempre ha estado hacer cine, que por fortuna, dice ella, ha podido cumplir. Entre sus trabajos cinematográficos se destacan Las cuatro edades del amor, con Jorge Alí Triana (1980), y El gallo cantó tres veces, de Julio Luzardo (1987). Su más reciente participación en la pantalla se verá pronto. Se trata de Buscando a Miguel, de Juan Fisher. Además, próximamente empezará el rodaje de SaIwa la turca, bajo la dirección de Sara Harb.

"Uno en la vida escoge sus caminos y hay que escogerlos siempre con el corazón y con la buena guía. Creo que un actor jamás debe dejar de hacer teatro y si voy a seguir haciendo cine, como espero que sea, siempre volveré a las tablas porque son la cuna, el crisol, la instancia más básica para el actor, donde hay mucho tiempo para trabajar, para construir un personaje".

Tomado del periódico El Espectador, 21 de mayo de 2006

Foto: Archivo el Tiempo, 2008.

Foto blanco y negro: Teresa Hernandez, 1976.

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/GarciaLaura/recuento.htm?nomartista=Laura+Garcia&idartista=14001

ACTOR - Jorge Herrera.

2009-02-24T14:11:00.000-08:00

Mi cuento

Nació en la ciudad de la rumba y el sabor. Allá en Cali descubri´su pasión por el teatro, cuando a los diez años caracterizaba animalitos y todos esos personajes de fábula de los cuentos infantiles. A los doce años se vinculó al Teatro Experimental de Cali y a partir de ese momento el montaje de obras y la preparación de papeles copó su vida diaria. Pocos años más tarde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal y obtuvo el título en Arte Dramático.

El ser un estudioso de la dramaturgia, y su experiencia en el TEC, le permitieron, en 1979, dar cátedra en la Escuela Nacional de Arte Dramático. Su espíritu aventurero lo llevó a recorrer el país y a fundar varios grupos a su paso. Entre ellos se encuentran La Máscara, La Otra Escena y el Grupo Gesto, de Bogotá. También se ha desempeñado como profesor de la facultad de comunicación social de la Universidad del Valle, en las cátedras de expresión corporal y vocal.

La actuación le permitió salir varias veces al exterior y absorber la experiencia de los teatreros extranjeros. Recuerda especialmente el Festival de las Naciones de Nancy, Francia, y el Festival de Teatro Latinoamericano de San Francisco, California. En una de las giras ganó un concurso en un programa internacional llamado Visitar programa. Después de esta experiencia decidió irse a vivir a Lima, en 1973. Allí participó en los montajes del grupo 4 tablas. Su obra No saco nada de la escuela, en la que hace una fuerte crítica al sistema educativo, le permitió conocer países como Cuba y Alemania. Durante esos años alternó la música con el teatro. "Siempre me ha gustado escribir canciones y teatro. He montado varias obras mías que han tenido buena acogida dentro del público'.

A la televisión llegó haciendo personajes de carácter que lo fueron dando a conocer en el me dio. "En La vorágine, a parte de actuar, compuse Viaje, una canción que sonó durante la serie. Esta fue una experiencia que aportó muchos elementos para mi profesión. En Amar y vivir también aporté un tema que sonó mucho y que tenía el título de Vuelve".

Luego vinieron series como El tío Manuel, Maten al león, El carretero, Amar y vivir, María, entre otras. "Recuerdo especialmente la telenovela Los hijos de los ausentes, porque coincidencialmente allí. caracterizaba a un profesor de teatro".

En la pantalla grande ha hecho caracterizaciones significativas. "En María Cano interpreté a Mahecha. Esa fue una experiencia más en serio, porque en los años setenta habíamos hecho algunas cosas con Andrés Caicedo y Carlos Mayolo".

Ahora Jorge Herrera es el tío de N.N. Júpiter le abrió el camino para mostrar una faceta diferente. En Fronteras del regreso su personaje ha hecho pensar a la gente que su forma de actuar y de ver las cosas es similar a la de Boris. "La gente ha tratado de identificarme con Boris, pero yo soy diferente. Lo importante es hacer bien las cosas y eso es lo que estoy mostrando".

En este momento, Jorge Herrera está terminando de escribir Acto de fe, una nueva obra de teatro sobre la realidad nacional, y un proyecto para televisión que se titula Pabellón de ilusiones. Otro de sus proyectos es la creación de un taller de actuación donde pueda compartir todo el desarrollo teórico y práctico que ha adquirido en la actuación durante sus años de experiencia.

Tomado de la Revista TV y Novelas, No.3-14, julio 20 de 1992

Foto: Archivo de el Tiempo, 2004.

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/HerreraJorge/recuento.htm?nomartista=Jorge+Herrera&idartista=13702

GRUPO - Avatar Teatro

2009-02-23T16:42:00.000-08:00

AVATAR TEATRO

Evolución y nueva Generacion de KarmaTeatro

El Grupo propende por el desarrollo de las artes escénicas, a través de la investigación continua, con énfasis en los lenguajes del teatro de autor.

Nuestro objetivo en la red es informar y proyectar nuestra labor, unirnos con otras organizaciones y agrupaciones de la escena y crecer a través del compartir la experiencia y la creación escénica hispano hablante.

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Apoyarnos mutuamente, independiente del género, el espacio, el lugar o las herramientas que usemos para acercarnos y llevar a la escena nuestra manera de ver el mundo.

REPERTORIO

"Usted puede ser un Asesino" del autor Alfonso Paso, estrenada en 1988.

"LA MAESTRA" homenaje a Enrique Buenaventura.

"LOS CLAVOS DE PLATA" del autor Nicolás Velá.

"LA ORGÍA" homenaje a Enrique Buenaventura.

Para más información visita: http://es.geocities.com/karmateatro/index2.htm

CONTACTOS

Cel: 310 830 0720 - 317 670 5991

Mail: avatarteatro@gmail.com

Cartago, Colombia.

ACTRIZ - Vicky Hernández.

2009-02-23T07:39:00.000-08:00

Por Mauricio Sáenz, jefe de redacción Semana
En el somnoliento Cali del año 50 se gestaba una generación de inconformes. En esa camada nació Vicky Hernández Salcedo, una actriz de carácter que marca un hito en las artes escénicas de Colombia.

Cuando la niña tenía 3 años, su mamá, tras enviudar, se trasladó con sus dos hijas a Bogotá. Cecilia Salcedo, licenciada en literatura, era una mujer de avanzada que procuró para sus hijas una formación intelectual. Las matriculó en el colegio de José Agustín Pulido, en el que Vicky se vio rodeada de cultura.

Tenía menos de 6 años cuando entró al `Grupo Escénico Infantil'. La televisión comenzaba en Colombia y la niña Vicky ya estaba en su pantalla. Con su hermana participó en El Mundo del niño, Ábrete Sésamo y Música para niños, y en los papeles infantiles de Telediacto e Historia de los grandes hombres. También hacía parte del radioteatro para niños de la Radiodifusora Nacional.

Muy joven participó en la creación del Teatro Arte Popular con Carlos José Reyes, Celmira Yepes, Carlos Perozzo, entre otros, y luego en la de la Casa de la Cultura, hoy Teatro La Candelaria. A los 13 años estaba inmersa en las densidades del Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte, de Valle Inclán, como Raposa, una septuagenaria.

Cumplió 15 años haciendo Marat Sade, de Peter Weiss.Y la lista de sus participaciones es interminable, desde Ricardo III, de Shakespeare; El burgués gentilhombre, de Moliere, y Un tranvía llamado deseo, de Williams, hasta Los siete pecados capitales, de Brecht o la Casa de Muñecas, de Ibsen. Su obra más reciente fue Con el corazón abierto, de Humberto Dorado.

En 1968 volvió a Cali, pero regresó en 1976 a la capital tras haber sido, con escasos 20 y tantos años, profesora de teatro en el Instituto Popular, en Bellas Artes y en el colegio Jorge Isaacs. Se unió de nuevo a La Candelaria y luego al Teatro Popular de Bogotá. Volvió a la televisión cuando el TPB produjo obras de teatro para la pequeña pantalla. Así comenzó su consagración en el medio masivo. EL Coleccionista, en el que impresionó con el monólogo de 13 minutos en un solo plano de una mujer dipsómana, fue uno de sus primeros sucesos. Y los éxitos se sucedieron: Azúcar, Romeo y Buseta, La Casa de las dos palmas, La Intrusa...
Debutó en el cine en 1982 con Paradiso del trópico, dirigida por Christian Bricault, y siguió con Las cuatro edades del amor, Carne de tu carne, La Estrategia del caracol, Crónica de una muerte anunciada, Proof Of Life, para nombrar algunos de los 24 títulos que la hacen, de lejos, la actriz colombiana de mayor participación en la pantalla grande.

Vicky Hernández ha hecho historia con su presencia escénica y su voz atronadora muy acorde con su personalidad. Pero, aunque no lo confiesa, en algunas producciones de televisión ha sufrido porque no están siempre a la altura de su sólida formación intelectual.

Es una actriz al ciento por ciento, 24 horas al día y siete días a la semana. Su franqueza y su perfeccionismo le han ganado la fama de ser el monstruo amable al que temen todos cuando alguna estupidez, pero sobre todo alguna injusticia, desata su ira santa. Pero es antes que nada un buen ser humano. Gran amiga, solidaria ante todo, es muy cariñosa. Una excelente madre de sus hijos, Mateo y Juan Sebastián.

Vicky Hernández ha sido de todo, desde costeña hasta bogotana, desde monja hasta prostituta. Con su visión inmensa en los horizontes y minuciosa en los detalles, es una figura indispensable para entender a la mujer colombiana del siglo XX.

Tomado de la Revista Semana Edición No. 1225, 17 de octubre de 2005

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/colarte/conspintores.asp?idartista=13700
Fotos: Archivo el Tiempo, 2008; Archivo el Tiempo, 2006.

ACTOR - Jairo Camargo.

2009-02-23T07:30:00.000-08:00

Jairo Camargo no nació ayer ni para el teatro ni para la Tv. Fue muchísimo tiempo atrás cuando las señoritas Briceida y Herminia, las maestras en la escuela en Zapatoca, le enseñaron a recitar la poesía de Serafín, que contaba la historia de un gato que fue despanzurrado por una señora que se sentó encima de él.

Luego fue hasta Barrancabermeja y con un grupo de amigos formaron varios grupos de teatro bajo la dirección del dramaturgo manizalita Hugo Naranjo, con quien lograron montar La calle sin puertas, obra que jamás fue presentada en público. Más tarde colaboró en la formación del grupo de las hermanas Lauritas y un par de años después se apareció en Bogotá presentándose a la Universidad Nacional para estudiar sicología. Hizo tres intentos faIlidos y se decidió entonces por idiomas en la Pedagógica.

Un día cualquiera, leyendo las columnas de farándula, vio que el TPB requería de actores. Con la indecisión que lo caracterizó hasta que le salió el bigote, Jairo Camargo no supo si enviar o no el formulario con su cortísima trayectoria en la tablas. Quince días después de estarlo pensando, compró un sobre y lo envió. Un mes más tarde lo llamaron para que asistiera a un curso que dictaban allá mismo en el Teatro Popular de Bogotá. "No podía creer que yo, un tipo que era tan malo para el teatro, hubiera sido llamado por el TPB, y menos, sabiendo que iba a traicionar mi ideología frente a un grupo de teatro burgués". De todas formas empezó a trabajar.Y desde allí su vertiginoso ascenso. Exactamente al año de haber ingresado al TPB hizo Tv, además se casó y recibió su primer sueldo: $2500 que le sirvieron para pagar arrendamiento, comer y esperar la llegada de su primera hija.

Más tarde participó en los elencos de Ubu Rey, Fuente ovejuna, La ópera de los tres centavos, Ricardo III y La muerte de un viajante, entre otros.

Luego hubo un lapso que empezó a preocupar a Jairo Camargo. Fue cuando por la zuela de sus zapatos se comenzó a filtrar el agua y las dos comidas había que estirarlas por tres. Los compromisos económicos acosaban el presupuesto familiar.

Tomado de la Tele Revista No.363, 8 de marzo de 1986

Sacado de: http://www.colarte.com/Actores/CamargoJairo/recuento.htm?nomartista=Jairo+Camargo&idartista=13607

Foto: Archivo tv y novelas. 2002.

DRAMATURGO - Pedro Miguel Rozo.

2009-02-22T08:26:00.000-08:00

Maestro en Artes Escénicas con énfasis en Dirección de la Academia Superior de Artes de Bogotá, ASAB y fundador de la Corporación Luna, agrupación dentro de la cual ha llevado a escena la mayor parte de su trabajo dramatúrgico, bajo su propia dirección, producción y algunas veces también con su participación actoral. De este proceso se pueden destacar los montajes de:

“Solos para Piano” (1995), “Club suicida busca...” (1996, publicada en el 2004 por la Universidad Distrital), “Viceversa”, (1998), “Ensayo y error”, y “Ascodeseo” (2001). Aparte de esto, es autor de “Tálamo” (publicada en el año 2001), y escritos en otros formatos como “Cuarto oscuro” (guión para largometraje), y “El Testamento” (Finalista del Primer Concurso de Novela Breve, Álvaro Cepeda Samudio, 2003 y publicada en el mismo año).

En el 2001 adelanta estudios de dramaturgia y dirección en Inglaterra y luego es acreedor a la beca de la Fundación Carolina para el curso de directores latinoamericanos de la Casa de América en Madrid, España. Posteriormente es invitado a trabajar como actor con Mapa Teatro (“Ricardo III”, “Historia de amor”), dirigido por Heidi y Rolf Abderlhalden y a participar en la residencia artística sobre dramaturgia radial con BBC World Service (Inglaterra, 2002). Desde el año 2003 hasta la fecha, se desempeña como lector de los proyectos del Canal RCN en su departamento de libretos. En el 2004, es seleccionado junto con nueve dramaturgos más para el taller del Royal Court Theatre de Londres sobre creación de dramaturgia joven y ha sido nombrado artista en residencia de la sala Mallarino del Teatro Colón de Bogotá, en donde ha dirigido y organizado la programación de la sala durante el 2004 y el actual 2005.

Foto: Luis Daniel Abril.

ACTRIZ - Carmenza Gómez.

2009-02-21T10:14:00.000-08:00

Puro teatro

Por Claudia Cerón Coral

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No tenía posturas políticas ni sociales, pero las obras que montaba su grupo fueron calando. El director del grupo de teatro de la Javeriana, Humberto Quintero, le presentó a otro director, Miguel Torres, quien por entonces se metió a fundar El Local. Durante un año, Miguel siguió a Carmenza de cerca. A punta de constancia la enamoró y con habilidad le ofreció interpretar a la abuela desalmada de La cándida Eréndida, argumentó que en el teatro ella podría encontrar ese camino que andaba buscando desde que salió de Cartagena.

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Mientras seguía en el teatro El Local, ella estudiaba una segunda carrera (psicología) y hacía las prácticas empresariales, pero un día se convenció de que lo suyo no eran las oficinas sino las tablas, que no podía ser formal para vestirse y definitivamente se emancipó. Comenzó su vida en el barrio La Candelaria, sus giras teatrales, el arte, la antropología, la historia. "Me apasioné por el teatro y lo convertí en una manera de vivir", asegura.

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Fue esposa de Miguel por cinco años, no quiso tener hijos y decidió, luego de separarse, asumir su vida sola, acompañada por las matas que cultiva con amor, sus perros, la ópera, los boleros, los amigos y una vida llena de interpretaciones en obras como La siempreviva, que refleja el drama de los desaparecidos del Palacio de Justicia, porque para ella es in dispensable que sus papeles tengan sentido, reflejen y denuncien la situación social colombiana.

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Una pareja de par en par, una de las obras que montó con Miguel (después de separados) hizo parte de su repertorio. Después vino una larga lista de reconocidas obras, como Bodas de sangre, En carne propia, El círculo de tiza caucasiano, Electra, La cándida Eréndira, entre otras.

Tomado del periódico El Tiempo, 31 de agosto de 2008

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/GomezCarmenza/recuento.htm?nomartista=Carmenza+Gomez&idartista=13683

Foto: Archivo RCN. 2007.

NOTA - Las herramientas completas del método Stanislavsky.

2009-02-20T11:26:00.000-08:00

Conferencia: Las herramientas completas del método Stanislavsky
Por: Bella Merlín, Reino Unido
Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Marzo 20 de 2008
Notas tomadas durante la conferencia por: Felipe Chávez G.

Stanislavsky empezó como un actor aficionado, es decir sin técnica ni pago por su trabajo, es mas era un actor bastante flojo. Pero su capacidad de análisis le permitió hacer una lectura crítica del teatro ruso del siglo XIX, que entre otros tenía los siguientes problemas:- Se limitaba a unas malas traducciones del francés y el alemán.

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- Tenía un sistema de actores estrellas: cuando entraba el actor o actriz principal, los otros actores hacían un congelado, el protagonista entraba haciendo alarde de su pose de estrella, recibía aplausos y flores y cuando por fin se concentraba, como en un trance mágico, empezaba su representación del personaje.- Actor de traje propio: no había diseño de vestuario, cada actor iba acumulando sus trajes y sus posibilidades económicas dependían de los trajes que tuviera en su colección.

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Stanislavsky y su amigo Mijail Danchenko deciden hacer un teatro diferente a ese teatro ruso.

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El concepto de la cuarta pared fue necesario para que los actores estuvieran concentrados y no estuvieran pendientes de recibir el aplauso o las flores del público. No para alejarse del tiempo real de la función ni para ensimismarse en la actuación.

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Aparece el gran escritor Chéjov, que plantea unos personajes que no son estereotipos, que no son simplemente buenos o malos, sino que tienen matices y eso representa una gran dificultad para los actores de la representación.

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Stanislavsky transita tres etapas en su investigación:

PRIMER ETAPA: Stanislavsky estudia a Chéjov línea por línea, hace un plano de acciones corporales con tiempos determinados, con número de pasos, con dirección de las miradas. Un plano extremadamente técnico, que recibía el director y se lo transmitía a los actores quienes después de algunos montajes se quejaron pues se sentían como títeres: “consíguete unas marionetas” le dijeron a Stanislavsky.

SEGUNDA ETAPA: Stanislavsky comprende que debe prestarle atención a los sentimientos e información de los actores, entonces hace trabajos de mesa intensivos, línea por línea. ¿Qué estaría pensando el personaje cuando dice esto?, ¿Qué estará sintiendo el personaje en esta línea, en esta palabra?.
Después de tres meses de trabajo de mesa, al subirse al escenario no podían liberarse de tanta información.

TERCERA ETAPA: Utiliza la herramienta de las improvisaciones, así da autoridad a los actores. Encuentra las herramientas de:
-Acciones físicas: es una secuencia concreta para lograr el objetivo psicológico de la escena.
-Análisis activo.
-En cada escena se debe lograr el objetivo respondiendo a las preguntas: ¿en esta escena qué quiere el personaje, el autor, el actor?.
¿Qué hago en cada pequeño pedazo de la escena?.

EJERCICIO

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Inhalar 3 veces y exhalar 1 vez es el ritmo de la risa.
Inhalar 3 veces y exhalar 1 vez es el ritmo del llanto.

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La respiración es la base de la acción física, es necesario hacerlo conscientemente.
Los pacientes que piensan en positivo se curan mas rápido. Es una demostración de la herramienta psicofísica.

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Memoria afectiva: tiene que ver con “afectar” ¿cómo se afecta la acción?
-El actor necesita una caja de herramientas completas, una herramienta para cada cosa, la más útil para cada situación. Hay actores que se quedan con una sola herramienta de por vida y eso es como un relojero que cree que con un martillo puede arreglarlo todo.

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Brecht quiere divertir pero también quiere que la gente racionalmente piense que esa no es la sociedad que desea, no quiere que la gente se enmelocote de sentimientos románticos.

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Chéjov plantea el juego.

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Brecht plantea el divertimiento.

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Para la construcción del personaje se debe buscar el “empleo” ¿En qué trabaja el personaje? Eso da características físicas y psicológicas de cómo se relaciona con el mundo.

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Anécdota: Una vez Stanislavsky le pide a Chéjov que actúe como si su padre hubiera muerto. Chéjov era un gran histrión, tiembla, llora y se estremece de una forma desesperada y real. Stanislavsky se preocupa y le pregunta cómo murió su padre, a lo que Chéjov responde: “Esto es pura imaginación, mi padre está vivo”.

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Se actúa con el otro actor, hay actores muy egocéntricos que solo se preocupan por lo que ellos sienten.

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Procesos actorales: entrenamiento, ensayo y función. Cada uno tiene sus momentos y sus prioridades.

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Chéjov le decía a los actores: “Usted es la mamá, el dramaturgo es el papá y el personaje es el hijo”.

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El actor debe ser un buen artesano, tener una conciencia dual. Engancharse con el personaje y ser consiente de la realidad.

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Creación de la palabra viviente: Stanislavsky decía “las raíces de la palabra están en lo profundo de cada actor, lo que sale son las hojas”.

ALGUNAS HERRAMIENTAS:

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Análisis por tipo de palabras.
Análisis por tipo de puntuación.
Amen las comas: donde realmente los oyen, porque se da de a poquitos.
Buscar las texturas detrás de las consonantes.
Compartir el nombre, la palabra como un trozo de chocolate delicioso.
Nutrirse de la ópera, cantar el texto.
Chéjov planteaba construir el cuerpo imaginario: crear su físico imaginariamente y “entrar en él”.
Danchensko elaboró el término “subtexto”.
Es importante equilibrar los tres centros: Pensamiento, emocional, físico.
Conciencia del tempo: ritmo e intensidad.
En suma, Stanislavsky tomó el comportamiento humano y lo analizó en sus partes mas pequeñas.

Sacado de: http://oscarfelipechavez.blogspot.com/2008/03/las-herramientas-completas-del-mtodo.html

GRUPO - Oficina Central de los Sueños.

2009-02-20T11:17:00.000-08:00

La Corporación Artística Teatral Oficina Central de los Sueños se fundó en la ciudad de Medellín el 5 de diciembre del año 1997, desde ese momento ha desarrollado su labor escénica de forma permanente. Con este grupo, pretendemos estrechar las relaciones con nuestros espectadores y con todos los que nos quieran conocer, informar nuestras actividades y compartir algunos momentos de nuestra entidad cultural a través de este medio.

CONTACTOS

Telefono: 239 4179

Mail: teatrooficina@une.net.co

Sitio web: http://www.teatrooficinacentraldesuenos.com/

Dirección: Cr 43 No 52 -50.

Medellin, Colombia.

ACTRIZ - Alejandra Borrero.

2009-02-20T11:09:00.000-08:00

Nació el 25 de abril de 1962 en Popayán, es soltera y le gusta esquiar y nadar. Viene de una familia artística de pintores profesionales y actores por afición, por lo que comenzó muy temprano en el teatro, al que habría de entregarle toda su fuerza y todas sus capacidades. Mediante su participación en un cortometraje, con el que ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Bogotá, las puertas de la televisión se le abrieron.
Su primer rol fue en el dramatizado Por amor, al que siguieron Marcela, Las muertes ajenas, Décimo grado, Loca pasión, Azúcar, María, Espérame al final, Crónicas de una generación trágica, Café y ahora La otra mitad del sol.

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Se caracteriza por la fuerza interpretativa de sus personajes, que generalmente son temperamentales, complejos, llenos de matices y bastante sutiles.. Nunca ha realizado un papel completamente blanco o inocuo, su presencia es señal de grandes torbellinos dramatúrgicos, tal vez por tratarse de una persona extremadamente sensible y en algunas ocasiones tan inteligente como para cuestionar la vida y sus distintos mecanismos. El papel de Lucía de Vallejo en Café la ha puesto en la galería de las más recordadas villanas de la televisión colombiana, y por eso lo juzga un eslabón más que fundamental de su carrera.

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Tomado de la Revista TV y Novelas No.95-02, 28 de abril de 1995

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/BorreroAlejandra/recuento.htm?nomartista=Alejandra+Borrero&idartista=13594

Foto: Claudia Rubio, 2008.

GRUPO - Balam Quitzé Teatro.

2009-02-20T11:00:00.000-08:00

BALAM QUITZÉ TEATRO se conforma en el año 2007 por la necesidad de iniciar un camino independiente en el teatro, de explorar tendencias propias con las que se identifican los integrantes y con la idea de trabajar un espacio que la cotidianidad ha dejado en el arte.

BALAM QUITZÉ TEATRO se ha presentado en el Festival de Teatro de Envigado, Festival de Teatro de La Unión, además de realizar funciones en La Escuela Superior Tecnológica De Artes Débora Arango. BALAM QUITZÉ TEATRO ha realizado trabajos en Envigado y Medellin con "Mirapaltecho" (agencia de publicidad), "Volcánica" (grupo musical), también ha realizado ejercicios de pantomima y obras didácticas con el tema del medio ambiente.

Hoy en dia el grupo cuenta con las siguientes obras en repertorio:

"Mire Si Es Pequeño El Mundo" Dramaturgia de Luís Alberto Chica.

"Ríos De Sangre" (monologo). Dramaturgia de Luís Alberto Chica.

"Complot Toons" (monologo). Dramaturgia de Ingrid Gutiérrez.

"Lios De Cadaveres" (monologo). Dramaturgia de Jose Octavio Castro.

"Barrio Limpio" (Obra Didactica). Creación colectiva.

El grupo esta formado por profesionales y estudiantes de las artes escénicas (actuación y dramaturgia) en busca de una identidad teatral novedosa, partiendo de una dramaturgia propia alimentada en el vivir cotidiano y los intereses sociales de los integrantes.

BALAM QUITZÉ - EL JAGUAR DE LA DULCE SONRISA.

CONTACTOS

Telefonos: 317 395 4644 - 316 701 8951 - 301 375 7211

Mail: balamquitzeteatro@gmail.com

Antioquia, Colombia.

ACTOR - César Badillo "COCO"

2009-02-19T09:07:00.000-08:00

César Badillo, conocido como Coco Badillo sobrenombre que le pusieron sus amigos por su cabeza rapada cuando a sus 17 años llegó Bogotá después de dejar su ciudad natal, Bucaramanga tras ir por su gran pasión: el teatro. A su llegada a Bogotá ingresó en la Escuela Nacional de Arte Dramático y al terminar sus estudios solicitó ser aceptado en el teatro La Candelaria. Pasaron varios años en que Badillo tuvo que pasar por cargos de menor importancia donde aprendió que la humildad y el arrojo también construyen al actor. De esta forma tuvo la oportunidad de realizar toda una serie de labores hasta que llegó su oportunidad en Golpe de suerte, obra que le permitió darse a conocer en las tablas del Teatro La Candelaria. Lleva más 20 años actuando en el grupo de teatro La Candelaria, donde ha participado en innumerables obras, hasta llegar a momentos memorables, como sus personajes en El paso, su Quijote, su terrible predicador en Nayra, su Tiresias en la Antífona, Esperando al Zurdo, de Cliford Odets; Pluto Dios del Oro, de Aristófanes, Los Siete Pecados de B. Brecth.

Hizo sus primeros pinos cuando debutó en La Candelaria, como director de la obra A fuego lento con dramaturgia de Patricia Ariza. Ha publicado libros como El actor y sus otros: Viajes gésticos hacia un rostro, donde el Badillo hizo sus primeras reflexiones acerca del oficio del actor. A lo largo de estos últimos años ha combinado su trabajo en La Candelaria, con la experiencia cinematográfica, la actuación en algunos montajes experimentales al lado del dramaturgo, actor y director Fabio Rubiano como La mosca y poniendo en escena algunos trabajos pedagógicos. En los últimos meses del 2007, presentó la obra titulada La aclaración, puesta en escena con el Proyecto Teatro de Esquina, del Grupo Varasanta, en el tradicional barrio Teusaquillo de Bogotá. La obra cuenta con tres actores: Santiago Alarcón, Gina Gutiérrez y el mismo Badillo. A lo largo de su carrera ha participado en varios cortometrajes para cine como: Un ascensorista de película de Lisandro Duque en 1985; Línea de tormento de Jorge Pinto en 1979; Aniversario de Augusto Sandino en el 2005 y en los largometrajes: La gente de la universal, de Felipe Aljure; Soplo de vida, dirigida por Luís Ospina; Los niños invisibles de Lisandro Duque; El carro, de Luís Alberto Orjuela; La sombra del caminante, del director Ciro Guerra y recientemente en Te amo Ana Elisa dirigida por Antonio Dorado y Robinson Díaz.

Texto gentilmente suministrado por Pantalla Colombia, 2008

Sacado de: http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista=16450

ACTOR - Elkin Díaz.

2009-02-18T14:15:00.000-08:00

Lenta pero progresiva y sobre todo muy divertida, ha sido la carrera del actor cucuteño Elkin Díaz, quien interpreta a Hugo en La guerra de las Rosas y protagonizó recientemente el filme Es mejor ser rico que pobre, donde tuvo una dificil escena de desnudo con Juanita Acosta.Hoy recuerda que hace diez años llegó a Bogotá bastante desubicado; tanto, que no tenía ni idea de qué estudiaría.

Incluso lo de la actuación llegó a su vida porque un amigo suyo lo inscribió en la Enad. Lo curioso es que eran 130 aspirantes y solo pasaron 20. Elkin no tuvo que echar ninguna carreta en la entrevista para ser aceptado; simplemente dijo que no sabía qué hacer y que un amigo suyo le había visto futuro como actor. «Hoy sé que, para ser actor, hay que ser sincero porque uno trabaja con el alma y hay que desnudarse interiormente. Ahí está la belleza del artista. Tal vez por eso mismo pasé». Lo que siguió después fueron años de lucha junto a su gran amigo y compañero de escuela, John Alex Toro. «Yo era su hada madrina y él la mía».

Nunca se preocupó por entrar a la televisión; más bien, su vida transcurría en las tablas en medio de ensayos y estudios. Por eso fue de los primeros en animarse cuando Pawel Nowicky abrió la Corporación de Teatro, del que hacen parte también Robinson Díaz, Ana María Sánchez y John Alex, grupo que existe hasta hoy y que ha representado a Colombia en eventos tan grandes como las pasadas Olimpiadas de Teatro, en Japón.

ES MEJOR SER RICO...

Y aunque el dinero no ha sido la prioridad de Elkin, confiesa que ha sido un mal pobre, pues siempre le ha gustado vivir bien. Por eso también aceptó, entusiasmado, sus primeros papeles en televisión. Comenzó en El último beso en 1994. «Siempre me daban papeles cortos, y la verdad, le ponía muchas ganas al asunto». Pasó por Prisioneros del amor como el teniente Bruno; luego por ¡Ay cosita linda, mamá! como Toño Moreno; después fue Mico en La familia del alcalde, hasta que llegó lo que él ni siquiera esperaba protagonizar en cine: nada menos que al lado de Juanita Acosta. Él mismo no lo podía creer, pero después de reflexionar un poco, entendió que no era casualidad sino el resultado de una década de estudio y trabajo. Admite que cuando supo que su papel de Carlos en Es mejor ser rico que pobre incluía una escena de desnudo junto a la bella Juanita, le dio tremendo susto. «Pienso que para ese tipo de cosas hay que ser lo más consecuente con uno mismo y hacerlo con respeto. Así que lo primero que hicimos fue hablar de la escena, luego prepararla. En ningún momento puede convertirse en un deleite personal y tampoco uno como actor se puede aprovechar de la oportunidad que el personaje me está dando. Nunca pensamos en no hacerla, nuestra preocupación era cómo se iba a hacer. Ya en la escena, obviamente los dos estábamos muy nerviosos, pero bastó una charla con el director Ricardo Coral para tranquilizamos un poco»

Tomado de la Revista TV y Novelas No.260, 3 de enero de 2000

Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/DiazElkin/recuento.htm?nomartista=Elkin+Diaz&idartista=13644

ACTOR - Fausto Cabrera.

2009-02-17T14:18:00.000-08:00

Fausto Cabrera, un pionero del arte en la escena colombiana

Maestro de las tablas, creador de arte, español de sangre pero colombiano de corazón desde hace 60 de sus 80 años, Fausto Cabrera es el ganador del premio ‘Vida y obra 2004‘ que entrega el Ministerio de Cultura Colombiano a los hombres que han contribuido al fortalecimiento del oficio de las tablas en el país.

Este reconocimiento ha sido para Cabrera más que un premio para él, un reconocimiento a las artes escénicas colombianas que el mismo ayudó a sembrar y consolidar.

Este hombre de casta española exiliado de su patria durante la guerra civil de su país, llegó a Colombia en 1945 para enseñar la llamada escuela de vivencia de Constantin Stanislavsky, con la que se han formado cientos de actores colombianos.

Este actor no sólo llegó al país para mostrar su trabajo actoral, sino para mostrar todo lo que había aprendido de Alberto Paz y Mateos, amplio conocedor de la técnica Stanislavsky. No pasaron muchos años antes que empezara a sembrar su semilla. Entre 1949 y 1953 varias fueron las entidades creadas por Cabrera, entre ellas, el Instituto de Bellas Artes de Medellín y el primer Teatro Experimental de nuestro país. Se dedicó a sacar adelante cada proyecto y simultáneamente fundó y dirigió el grupo de teatro de la Universidad Femenina de Medellín.

No sólo el trabajo lo retenía en el país, también el amor, porque fue en Medellín donde conoció a Luz Elena Cárdenas, la madre de sus hijos Sergio −el cineasta− y Marianella. Ellos actualmente están sacando adelante una empresa que produce cine en el país.

Su hija Marianella cuenta que no sólo el teatro cautivó el interés de su padre, también la radio. Fue así como ayudó a fundar ‘La voz de Antioquia‘, que más adelante se llamó Caracol Radio.

Marianella advierte que su padre ha sido un hombre sin igual, estricto, duro, pero sin duda un hombre que ha sacado adelante cada proyecto que se le ha pasado por la cabeza. "Nunca hablábamos carreta con él. Siempre eran cosas importantes, siempre eran cosas inteligentes y que nos iban a servir en la vida".

Entre otras empresas en las que participó Cabrera se encuentran la Televisora Nacional de Colombia, el Teatro Experimental del Municipio de Bogotá y el teatro El Búho, también en la capital.

Declarado Marxista Leninista de principio a fin Fausto Cabrera incursionó en los avatares políticos de la época y según el mismo hasta guerrillero fue.

El actor narra que 1967 fue un año muy intenso. Acababa de regresar de China, en donde trabajó como profesor de español en el Instituto de Lenguas Extranjeras de Beijin, República Popular China. Fausto constantemente inquieto y curioso por conocer las famosas técnicas chinas de expresión corporal, Tai Chi Chuan − técnica oriental que combina artes marciales con filosofía−y actuación cinematográfica, aceptó el reto y durante 3 años se trasladó a Beijing.

A su regreso traía varias ideas agitadas y formó el Frente Común en el Arte y la literatura influenciado por Mao Tze Tung. Sus inclinaciones irían más allá y terminó infiltrándose en un grupo armado colombiano. Tuvo que huir al campo y permanecer tres años y tres meses. En este tiempo se dedicó a enseñarle poesía a los campesinos y recuerda el actor, que fue uno de los tiempos más productivos de su vida.

Sin embargo, su inquietud por ese lugar tampoco lo tendría allí por más tiempo. Logró volver a China mientras los ánimos se calmaban, para luego regresar a dar sus clases en Venezuela.

Su vida ha sido tan fructífera como agitada. Ahora cuando los años han pasado y las viejas fuerzas de la juventud lo empieza a abandonar, él está dedicado a escribir dos libros: ‘Las verdades y mentiras de la televisión colombiana‘ y el ‘Manual del nuevo actor colombiano‘.

El primero de los títulos estará editado en diciembre y promete revelar los secretos más ocultos sobre la televisión del país. Y el segundo, busca ser una guía para los nuevos actores colombianos, que según Cabrera cada vez hacen quedar más en ridículo la profesión.

Ahora vive tranquilo en Bogotá, practicando su Tai Chi Chuan, escribiendo sobre todas sus experiencias en la actividad artística, apoyando a su hijo Sergio en sus proyectos cinematográficos y compartiendo con su esposa Nayibe Isaza los años que le quedan.

Sacado de: http://extroversia.universia.net.co/html/cineytv/personajesExp.jsp?actualConsecutivo=34

ACTOR - Frank Ramírez.

2009-02-17T11:21:00.000-08:00

Hay un factor que explica en buena parte el éxito notable de la película "Cóndores no entierran todos los días", basada en la novela del escritor vallecaucano Alvarez Gardeazábal: la presencia de Frank Ramírez, un actor de carácter, natural de Casanare y conocido ya de los espectadores colombianos desde los tiempos de la controvertida telenovela "La mala hora".

No es coincidencia que ambas realizaciones versen sobre el tema de la Violencia. "La Violencia representa para nosotros lo que son las películas de vaqueros para los norteamericanos", ha dicho con acierto el director Francisco Norden. Frank Ramírez personifica en "La ma la hora" a un alcalde militar; en la película de Norden, el actor es en cambio el instrumento ciego de los poderosos, que apela al crimen sin escrúpulos: dos facetas de una misma y sombría realidad que sacudió al país por los años cuarentas y cincuentas.

Ramírez logra encarnar en ambas -en "Cóndores" con mayor hondura- una actuación dramática y veraz, sin aspavientos. Como León María Lozano, "El Cóndor", célebre "pájaro" del Valle, tuvo de contrincante en el filme a esa veterana y excelente actriz del cine mexicano que es Isabela Corona. Un verdadero cara a cara profesional en que el protagonista debió emplearse a fondo.

Su trabajo en la cinta de Francisco Norden le valió a Frank Ramírez, en septiembre de 1984, el premio al mejor actor en la Bienal de Bogotá; en noviembre, el Premio Hugo al mejor actor en el XX Festival de Cine de Chicago, siendo en esa ocasión el único latinoamericano que figuró en la nómina de galardonados, y en diciembre, en Huelva, España, el premio Colón de Oro al mejor intérprete.

Tomado del directorio de Arte y Artistas de Colombia, 1985
Sacado de: http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista=13809

ACTRIZ - Delfina Guido.

2009-02-17T11:09:00.000-08:00

"SOY ACTRIZ COLOMBIANA''
Por: Yvonne Gómez C.
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Cuando Delfina Guido visita el Teatro Colón se pone sentimental. Por su memoria empiezan a desfilar los recuerdos de su época de estudiante de arte dramático en "El Palomar", escuela que estaba situada en la mansarda del teatro. Allí, junto con sus compañeros Carlos Benjumea, Luis Fernando Orozco, Carlos Muñoz, Consuelo Luzardo y otros, al tiempo que se preparaban para ser actores volvían a la adolescencia, jugando a las escondidas, escapándose de clase para asistir a los espectáculos que se presentaban en el teatro y reuniendo plata para comprar "Pielrojas"... ,
Delfina cambió la vida que llevaba en Buenos Aires cuando se casó con Alfonso Castañeda, un colombiano que estudió medicina en Argentina. Ellos tienen tres hijos. A Delfina nunca le pasó por la mente que en Colombia estaba su futuro artístico.
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Ya en Bogotá; mientras desempeñaba sus funciones de ama de casa, Delfina pensó estudiar periodismo. Buscando en una guía telefónica las facultades donde se dictaba dicha carrera, encontró la idea de ser actriz. Fue cuando se enteró de que también existían algunas escuelas de arte dramático.
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Se presentó entonces a El Palomar, donde fue aceptada por el director Víctor Mallarino (padre). Empezó así su carrera. "Al llegar a Colombia no tenía ninguna experiencia en el campo de la actuación. La verdad es que mi esposo es médico argentino pues estudió allá, y yo soy actriz colombiana pues aquí hice mi carrera".
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NO VEO T.V.
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Desde que actuó por primera vez en público, Delfina demostró su talento. Se ganó el premio a la mejor actriz en el "Segundo Festival de Teatro Colombiano", en 1966.
Hoy goza de popularidad entre la teleaudiencia por el natural toque picaresco y humorístico que le pone a sus interpretaciones.
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A Delfina Guido la persigue una sombra: le preocupa encasillarse en un solo tipo de personaje: "A veces experimento un gran temor pues siento que estoy repitiendo, pero como actriz no puedo darme el lujo de elegir en qué voy a trabajar, pues no estamos en Hollywood".
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Como televidente, Delfina lleva varios meses sin ver TV pues confiesa que la aburre. Sin embargo, "no le critico nada a la televisión. Este medio es así porque el sistema político, social y económico en que vivimos no puede producir otra cosa. El verdadero problema es que todo el mundo encuentra fallas pero nadie da soluciones ".
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Después de un merecido descanso, la actriz de teatro, televisión y cine volverá -otra vez a la pantalla chica.
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Tomado de la Revista Elenco, de El Tiempo, No. 84, 25 de junio de 1984
Sacado de: http://www.colarte.arts.co/Actores/GuidoDelfina/recuento.htm?nomartista=Delfina+Guido&idartista=13693

OPINIÓN - LA GUERRA ESTÁ CASADA, TELEVISIÓN vs TEATRO. Jasón.

2009-02-16T17:13:00.000-08:00

¿La asistencia de público a las salas de teatro se ve reducida por la poca difusión de los montajes que los grupos tienen en temporada? ¿Hay un real interés de la gente por asistir a una función de teatro?
Como resolver estas preguntas si no hay forma de sacar estadísticas claras sobre la cantidad de público que asiste a las salas de teatro en Bogotá. Pero el panorama desfavorable en asistencia es claro para los que trabajamos en el medio, tenemos un enemigo ponzoñoso, LA TELEVISIÓN; este medio masivo y alienante nos jodió, y hace mucho tiempo atrás, pero en estos días… hay una tendencia a empeorar, y como dice Paolo Magelli “si no recuperamos la identidad cultural frente a la estupidez de la televisión… el teatro desaparece”; en este sentido, hasta que punto una persona del común genera en sí la necesidad de asistir a una función de teatro; la televisión se lo ha dado todo masticado, le ha contado la misma historia de siempre, con diferentes escenarios y personajes, dejando en estos televidentes una pereza mental. Por lo mismo las convenciones teatrales le aburren, ya que lo obligan a imaginar; caso contrario al de un espectador “culto”, espectador que llamaremos de elite, por que queramos o no, ver teatro no es nada fácil de digerir.
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En el afán de capturar público, muchos grupos se han dedicado a pensar en espectáculos comerciales y de fácil comprensión; vemos en la programación de muchas salas obras con muy poco contenido, pero si con muchas tetas y demás, con aquel actor o aquella actriz de moda y con más rating en televisión, y para un espectador poco culto, o mejor dicho, TELE – EDUCADO, que más atractivo que ver a su actriz o actor favorito de tv en vivo, para esto estarán dispuestos a pagar lo que sea y luego regodear con sus vecinos diciendo que han visto teatro, o mejor aún, que vieron a tal actor o actriz, sin acordarse ni siquiera del título de la obra.
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Hay otro caso que es más alentador, y son aquellos grupos o compañías que en esta pelea con los medios masivos de comunicación, están buscando hacer de sus puestas en escena más interdisciplinarias (video, performance, entre otros), contando historias agiles y con más contenido; caso que podemos ver en el arte escénico mundial. Camino valido en la medida que estos espectáculos buscan dejar algo en el espectador; habría que preguntarse si un espectador del común soportara una obra de este calibre.
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Pienso que como teatristas debemos formar público y la mejor manera es pelear está guerra brindándole posibilidades de ver una obra de teatro a los niños y niñas, llegar directamente a los colegios con proyectos pedagógicos encaminados a esta formación, para darle a entender al público mas joven que hay otras formas de diversión, sacándolos del tele – embobamiento en el que están sumergidos.

DRAMATURGO - Victor Viviescas Monsalve.

2009-02-16T11:39:00.000-08:00

El regusto por las palabras
Titulo del libro: Teatro
Autor: Víctor Viviescas Monsalve
Editorial: Editorial Universidad de Antioquia, Medellín, 2000, 235 págs.

El director y dramaturgo Víctor Viviescas (Medellín, 1958), desde la publicación de su primera pieza, ha sido un dramaturgo que ha despertado sorpresa y curiosidad.
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Irrumpió en la escena nacional durante el decenio de los ochenta con obras donde el lenguaje se enseñoreaba del concierto de los elementos dramatúrgicos. El presente libro, publicado por la Universidad de Antioquia, recoge obras de esos años ochenta y algunas de los noventa. Y si en las primeras piezas la palabra es la materia teatral sobresaliente, en las segundas es la pérdida de la exuberancia verbal. Los diálogos se tornan vacíos de significado y los personajes permanecen estáticos. Por ello, para envolver ambas facetas de la escritura, el título de esta reseña debía haber sido: Del regusto de las palabras a la ausencia de ellas.
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Los títulos de las obras se registran aquí en el mismo orden en que fueron organizadas por el editor, y se adicionan algunos datos para ampliar la información: Crisanta sola, soledad Crisanta, estrenada en 1986 en Medellín, Premio de Dramaturgia, Bogotá 450 años, 1988. Ésta ya había tenido una primera edición en la importante colección Teatro colombiano contemporáneo. Antología, edición del Fondo de Cultura Económica y el Ministerio de Cultura de España; Veneno, estrenada en 1991, Ruleta rusa, Premio Nacional de Dramaturgia, 1993; Prométeme que no gritaré, estrenada en 1988; Melania equivocada (Monólogo a dos voces en siete pecados capitales), también había sido publicada en la Revista de la Universidad de Antioquia, 1991; Aníbal es un fantasma que se repite en los espejos, 1986, publicada en la revista Tramoya, de México; Escúchame (tríptico), escrita en Bogotá en 1993; Territorios del dolor (tríptico), escrita y estrenada en 1990.

Para hablar de la escritura de Viviescas he preferido resaltar dos elementos: los personajes y el lenguaje, teniendo en cuenta que el libro recoge varias obras y es imposible hablar de cada una de ellas en el corto espacio de una reseña. Los personajes en algunas obras están rodeados de múltiples signos (objetos, sonidos, movimientos, vestuario, colores, claroscuros), dispuestos por el dramaturgo para denotarlos como seres avasallados por una situación o en trance de tomar una decisión; aunque dichas decisiones, con frecuencia, operan sobre la dinámica de un destino ya signado. En otras, los personajes están rodeados de una serie de energías y acontecimientos que los rebasan. Por esto es posible que el público no pueda atribuirles rasgos por él conocidos, ni predecir el desenlace. Precisamente Crisanta ( Crisanta sola, soledad Crisanta) se encuentra rodeada de objetos, como un espejo, desde donde puede ver el pasado; o una cámara vieja, para revelar los momentos significativos de su vida; un cofre, una maleta, un reloj o, dentro de la acción dramática, un perro degollado. En Veneno, el escenario está atiborrado de objetos y, para cargar de suspenso algunas escenas, en las acotaciones el escritor fija los movimientos corporales y las miradas de sus criaturas. Los tres personajes están asidos entre sí dentro de una asfixiante atmósfera. Ése es su destino, aun cuando dos de ellos intentan luchar para cambiarlo.
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En Melania equivocada, como en las grandes tragedias, madre e hija se enfrentan aparentemente por el amor de un hombre, quien ayudará a la más joven a encontrar su libertad y a vengarse de la madre; sin embargo, ambas están irremediablemente unidas por los intereses y la violencia, y al final del drama en la muerte, entre las llamas de un fuego que parece purificarlas. Un hacha en manos de la joven, a punto de ser descargada sobre la madre, es el gestus dramático, pero el desenlace es sorpresivo y resuelto por fuerzas que ninguna de las dos controla. En Aníbal es un fantasma que se repite en los espejos el fuego también mata, es selectivo y se repite una y otra vez, como el dolor convertido en un continuo eco, como Aníbal repetido en los espejos, como la devastadora muerte que se presenta en distintas partes, al mismo tiempo. Son las réplicas de la misma tragedia.

La mayoría de los personajes no tienen nombre, están designados por su sexo: Mujer, Hombre, Él, Ella, El Otro, Actriz 1, Actriz, 2, etcétera; por su edad: Vieja, Niña. Otros tienen un nombre poético, que dentro del contexto teatral se convierte en una metáfora: Crisanta (es sola, blanca, lívida, crédula, límpida, cantora); remite a algún personaje literario: Doraminta; a un escritor: Aurelio Arturo; a un estado amoroso: Amado. Y así, sucesivamente, a oficios, a degradantes profesiones o a estados psicológicos. Algunos de dichos personajes están estrechamente ligados a su entorno urbano, como los de Crisanta sola, los de Ruleta rusa o los de Prométeme que no gritaré. A otros personajes el dramaturgo los priva de todo pasado y cualquier futuro, o les atribuye una historia plagada de equívocos y confusiones. En los personajes de los dos trípticos ( Escúchame, Territorios del dolor), por ejemplo, cada uno está desnudo frente al público, sin objetos escénicos, sin nombre; sólo una luz fija resalta un punto determinado, un detalle. El escritor los pone allí sin ningún dato, los arranca del colectivo y los coloca en un instante de su existencia y reduce el trato con el otro a un intercambio de preguntas o de frases clichés: ya las palabras no comunican, por eso no son necesarias; ya la decisión fue tomada o un suceso los dejó -en ambos casos- como fulminados por un rayo.
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Otra característica de Viviescas con sus personajes es que parece divertirse caricaturizando a algunos o dándoles cualquier acento ridículo por medio de atavíos, a la manera de un absurdo disfraz (la Vieja, en Veneno). Otras veces les imprime algún rasgo de humor, como recurso técnico en medio de la violencia (Don Joaquín en Aníbal es un fantasma). Algunos de ellos están atrapados dentro del mismo espacio y del implacable tiempo, repitiendo gestos y rutinas. Por ello el tiempo se vuelve protagonista en los parlamentos, es tema de conversación. Otros permanecen como suspendidos, en el borde entre la vida y la muerte, con una existencia precaria. Sólo tienen la certeza de sus palabras; si hicieran silencio, se sentirían al borde del colapso. Otros son seres solitarios cuya relación con el otro se da dentro de los términos de la mutua destrucción.
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En las piezas con predominio del lenguaje verbal, de manera original Viviescas trabaja sobre los patrones lingüísticos, imprimiendo lirismo al diálogo y cierta intriga a la estructura dramática. El personaje gobierna su lenguaje, lo domina, es eficaz en el momento de transmitir el pensamiento; por ello las palabras adquieren el poder de un arma y refuerzan el tono trágico. En algunas obras las palabras perpetúan las mentiras, el engaño y las equivocaciones, y es en ese cosmos erróneo y cambiante en donde el yo de los personajes se ha construido. Entonces, la palabra se convierte en la protagonista por la necesidad de encontrar la verdad. Sin embargo, ésta es esquiva y, cuando llega, como una luz, es demasiado tarde.
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En obras donde Viviescas aborda el tema de las violencias que han azotado al país desde hace varios decenios, tema recurrente en algunos artistas del país que han creado personajes poéticos pero con fuertes nexos con la realidad histórica. el autor trabaja sobre las alucinaciones o las imágenes del sueño; de esta manera hace aflorar formas del inconsciente que le permiten crear nuevos personajes, con matices diferentes. También a través de las formas oníricas expresa la idea de que, en las sociedades quebradas por la violencia y el dolor, los códigos se vuelven indescifrables aun para quienes poseen mayores seguridades dentro del medio. En Aníbal es un fantasma, los personajes son arrancados violentamente de sus hogares, amenazados por desconocidos. mientras otros deciden abandonar su hogar porque la claridad los abandonó, ya no descifran los presagios y el mundo de los sueños lo asalta durante la vigilia.

En las acotaciones escénicas, Viviescas saborea igualmente las palabras, él posee la misma capacidad que atribuye a los personajes: hablar con gran placer, jugar con las palabras haciendo uso de figuras retóricas, porque ellas son las únicas que pueden dar belleza a su mundo, imprimir poesía, así ellas también produzcan terror y tristeza. En muchas acotaciones el autor habla consigo mismo o entabla un diálogo virtual con quien va a poner en escena su obra; otras veces se sienta en la butaca de un, espectador y describe la escena como si tuviese una cámara cinematográfica o se introduce dentro de los personajes, a la manera de un narrador. Así mismo, en las piezas donde los personajes son contundentes por la brevedad de sus réplicas, el autor abrevia las acotaciones, sólo dirige las acciones en el escenario.

Tanto en las acotaciones como en algunos diálogos, Viviescas introduce referentes reales, conocidos por los espectadores enterados de la historia del país, o emplea palabras usadas cotidianamente por los colombianos: tiras, tombos, guayabo (resaca), pájaros (asesinos de la época de la Violencia), entre otros. Inclusive en Prométeme que no gritaré varios personajes tienen el nombre de Traqueto 1, Traqueto 2, Sardino, y su vocabulario pertenece al bajo mundo urbano. Tal vez Medellín es el referente más presente en varias obras, ya sea como una atmósfera o por mención directa. En Crisanta sola, soledad Crisanta el autor y un personaje, Amado, opinan sobre la ciudad. El primero escribe: "[...] Medellín de noche se muestra como un feroz fantasma"; el segundo, en un parlamento exclama: "¡Horror de Medellín, ciudad con vértigo!" Más adelante, Aurelio Arturo declara: "Cuando digo Medellín pienso en una manzana podrida y en una fuente amarga que no cesa de parir porquerías por sus cañerías". Al final de dicha obra, él mismo sentencia: "[...] Medellín se debate como un animal herido y su dolor no va a cesar hasta el final de esta centuria, [cuando] abandone por lo menos la penuria del pasado". Para Crisanta, Medellín es una "ciudad paria", una "ciudad sola", y para algún otro, en ella "abundan las aves de peligroso plumaje". En Veneno, la Vieja hace una comparación con la ciudad: "¡Matarme a mí con una tisana envenenada! ¡Tan rebuscados los aprendices de Lucrecia de Borgia! Como si esta ciudad no se hubiera ya refinado en el virtuosismo de los asesinatos truculentos, para recurrir a los trucajes de antaño".
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A pesar del uso de esas palabras de la cotidianidad de los colombianos y de los referentes al entorno real, el autor distancia a los personajes de la vida por medio de las formas retóricas poéticas. Sus personajes son teatrales, hablan y se comportan como tales. Igualmente, en el manejo del espacio escénico el autor rechaza reproducir la realidad tal como es de ordinario, yuxtaponiendo objetos disímiles, simbólicos, iluminando fragmentos para que el espacio restante permanezca en penumbras. De esta manera, la dramaturgia de Viviescas de los años ochenta y comienzos de los noventa reafirma la soberanía de la palabra y del lenguaje verbal en el teatro. Éste se halla cuidadosamente tejido con material literario, a través del cual se escuchan ecos de otros dramaturgos, y autoriza al público y a los lectores curiosos a establecer intertextualidades con otros escritores, quienes, con seguridad, han sido motivo de la exploración intelectual de Viviescas. Yo encontré voces lejanas y cercanas de Shakespeare, sor Teresa de Jesús, de algunos norteamericanos de mediados del siglo XX. También de dramaturgos nacionales como Vargas Tejada o el antioqueño José Manuel Freidel. Y este reconocimiento al pasado teatral colombiano es una verdadera rareza dentro del teatro nacional. Viviescas está actualizando unos enunciados del pasado, valorando su significado y reinterpretándolos.

MARINA LAMUS OBREGÓN
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Sacado de: http://www.lablaa.org/blaavirtual/publicacionesbanrep/boletin/bole65/bole23.htm

GRUPO - Buenavista Social Clown.

2009-02-16T10:32:00.001-08:00

El Buenavista Social Clown es una Asociación de Artistas Escenicos de distintas procedencias que en principio se unieron en el territorio del Clown para comunicar su humanidad a través de una nariz roja.
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Con un enfoque social, el Buenavista ha trabajado en proyectos con la OIM (Organizacion Internacional para las Migraciones), La organizacion ecologica "Ecoactivos" (www.ecoactivos.com) y Alas de Prueba (www.myspace.com/alasdeprueba). En noviembre de 2007 realizó el taller "encontrando el propio clown"; taller que contó con la asistencia de once actores dispuestos a encontar el clown que cada uno lleva dentro.
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Actualmente el grupo trabaja en la creación de un espacio para el espectaculo de variedades en Bogotá, realiza eventos, sketch e intervenciones teatrales (no sólo en técnica clown) en espacios no convencionales y proyecta realizar nuevos talleres.
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Nosotros creemos en el mágico poder de la música, la poesía y el arte.
No creemos en la guerra ni las fronteras.
Vivimos en subversión: en la sub-versión, la historia dicha desde abajo.
Creemos en los tontos y en los bufones, en la gente que asume la risa como un proyecto de vida, como una filosofía.
Creemos que todos deberíamos ser ciudadanos del mundo y así poder viajar por él como quisiéramos.
Creemos en la libertad, la paz y el dialogo.Creemos en el amor y todas sus manifestaciones.Creemos en decir “buenos días”, “por favor” y “gracias”.
No creemos en la perfección, así algunas veces la disfrutemos, amamos la imperfección.
Creemos que las mejores cosas de la vida son las más simples y que una mente tranquila es el tesoro más grande que una persona puede tener.
Creemos en llorar, reír, bailar y cantar.
Creemos en el chocolate caliente, en dios y en nuestros perros.
Pensamos que los niños son las personas más sabias y que la familia es el mejor lugar.Creemos que los sueños pueden volverse realidad
Nosotros creemos en creer.

Somos BUENAVISTA porque estamos convencidos que una Buena-vista del mundo es el mejor aliado para un artista

Somos SOCIAL porque creamos para usted

Y somos CLOWN… porque que más se puede ser en este mundo tan absurdo.
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Otro de nuestros enfoques es realizar intervenciones escénicas, sketch y eventos empresariales para lanzamientos de productos y activaciones de marca en espacios no convencionales.

CONTACTOS:
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Tel 283 6006
Cel 314 512 8855
Mail buenavistasocialclown@yahoo.com

ACTRIZ - Maria Eugenia Davila.

2009-02-16T09:04:00.000-08:00

MARIA EUGENIA LA DIVA DE LOS 70 Y 80.
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Con sus actuaciones ha subyugado a todos los colombianos; ha sido una de las actrices mejores y mas bellas de la television colombiana; se la recuerda desde su actuacion como Manuelita Saenz, la libertadora del Libertador.

Yo nací en el teatro, durmiendo en los camerinos y viendo tras bambalinas a mi madre. Trabajé con ella por primera vez en mi vida, diciendo una frase en la obra Genoveva de Brabante . En casa yo actuaba ante un espejo, lloraba con mis muñecas y repetía el drama de las esposas abandonadas. Nunca quise ser una actriz, simplemente lo era".

Así comenzó su carrera, a los tres años. A los seis, Pepe Montoya la escogió para interpretar al Niño Jesús, personaje que la marcó como actriz y como persona, al hacerle entender que su vida era la actuación. La suerte estaba echada. Y lo supo cuando Vera Quintana, director de televisión, la llamó para que representara un conejo en un programa infantil. El día de la grabación la protagonista no apareció, y María Eugenia -que a pesar de su corta edad y de haber realizado solo dos personajes se consideraba una actriz- asumió la responsabilidad de protagonizar, con toda la suficiencia y la precocidad de sus siete años. Nada raro para una niña que desde siempre vivió en el mundo de las tablas, se sintió actriz de nacimiento y asumió ese rol con naturalidad y seriedad. "Ver roto el matrimonio de mi mamá fue, lógicamente, una situación muy difícil. La figura paterna hace mucha falta en una familia. Tal vez por eso siempre fui una niña muy tímida. Me gustaba vestir de negro y siempre ocultaba mis orejas porque me parecían muy grandes, así que me peinaba con una moña. A los doce años era muy seria para mi edad, era una niña bastante extraña. Ya había hecho varios personajes al lado de Alicia del Carpio, en Gente menuda y Claudia y sus fantasmas. Yo era Claudia, la niña que había creado un fantasma y hablaba con él. En esa época ya me reconocían en el medio, además me daban permiso para que actuara y estudiara, lo cual me llenó de felicidad".

PARTICULARIDADES DE UNA DIVA

María Eugenia es en la actualidad una mujer reposada y tranquila. Su rostro conserva la belleza de muñeca importada que la hizo ser la mujer más deseada y envidiada de la farándula. Responde a cada pregunta, no se impacienta, desentraña en cada frase uno de sus recuerdos, mira fijamente al horizonte, le brillan sus ojos verdes. Luego enciende su segundo cigarrillo mentolado, se acomoda nuevamente sobre el sillón y admite: "Yo soy actriz empírica y mujer autodidacta. Durante los comienzos de mi carrera me daban permiso para hacer la primaria y prepararme en radio y televisión. Luego me tocó estudiar con maestras particulares porque el trabajo aumentó y no me quedaba tiempo". A los trece años empezó a hacer teleteatros con el que ella considera su único maestro en la actuación, Bernardo Romero Lozano. Pero siguió en los montajes de cuentos infantiles, con Vera Quintana y Miguel Ayuso. Su primer teleteatro fue Yerma, de García Lorca. Un año más tarde, en 1965, interpretó a Adela en La casa de Bérnarda Alba, trabajo que le dejó su primer premio, un Nemqueteba de Oro.

Era la época de Rojas Pinilla, cuando los actores recibían su pago sólo seis meses después de realizado su trabajo, cuando la televisión era manejada en su totalidad por el Estado y no por los rating de Nielsen, porque había muy pocos televisores. De ese periodo recuerda obras como Metamorfosis de Kafka, Lo gue no fue de Somersten Maugham, Picnic, Delito en la isla de las cabras y muchas obras que develaron y moldearon su sensibilidad de artista.

En 1967 se vinculó con Esteban Pools, en una compañía de teatro que tuvo por sede el Teatro Colón y que luego hizo una gira por Centroamérica, con varias obra que al final resultaron un fracaso.

LA ESPONTANEIDAD DEL DRAMA

Tal vez, la mejor actriz que ha tenido la television colombiana ."Siempre fui muy natural y espontánea pare actuar. Y era dramática. Mis primeras lecturas fueron de Jean Paul Sartre y Camus. No sé como podía entender lecturas tan difíciles de digerir, esas teorías tan negativas sobre la existencia y que son motor de la angustia existencial. El primer libro que leí fue La plenitud de la vida de Sartre y el segundo Gente de Dublín de James Joyce, otro autor tan controvertido y prohibido como el mismo Barba Jacob aquí en Colombia". El motivo que la impulsó a leer este tipo de autores fue definitivamente la soledad, su introspección, su precocidad, las huellas de una infancia que fue un poco melancólica, aunque la vivió intensamente al lado de su madre, su gran amor. Sin embargo, su devoción por esa literatura, tuvo su recompensa al ganar el segundo Nemqueteba de Oro, como mejor actriz, por su trabajo en una obra de Sartre, A puerta cerrada.

Como parte de su preparación actoral siempre se preocupó por estudiar y ver las producciones de grandes directores como Vitorio de Sica, Antonioni y Bergman. También se interesó por el cine polaco, el teatro ruso a incluso el teatro cómico. Además escuchaba la música de Areta Franklin, Ella Fitzgerald, jazz, soul y música de negros'. "Nunca fui una fanática de los Beatles, a pesar de que para esa época tenía quince años y ellos estaban en todo su furor. Ahora que soy mayor los admiro, pero para mí los sesenta pasaron un poco desapercibidos. En cambio los setenta los viví intensamente". Todos estos son los ingredientes que hicieron de María Eugenia una actriz triunfadora, aceptada en México, donde a los 19 años hizo una serie llamada Miércoles de amor, al lado de Miguel Palmer. Allí también actuó en novelas, comedias y tres películas de cine.

REGRESO Y ACTUALIDAD

Tras su regreso a Colombia su primer trabajo, en el 72, fue María. Luego vinieron Manuelita Sáenz, Hato Canaguay, La mala hierba, El bazar de los idiotas, Teatro Popular Caracol, Pero sigo siendo el rey, Marina de noche y Quieta Margarita, entre otras.Estos trabajos le han valido el reconocimiento del público y de la crítica, y varios premios como mejor actriz: Antena de la Consagración en 1977, dos Simón Bolívar, dos India Catalina, uno del Festival de Cine de Bogotá y varios otorgados por periódicos y programas de televisión. Con semejante éxito profesional, su única frustración es no poder cantar profesionalmente, pues siempre quiso grabar un disco o cantar en alguna producción musical. "Yo cantaba muy bien, ahora no tanto, pero recuerdo que llegaba a tonos muy altos y, bueno... nunca tuve la oportunidad, además en esa época no podía cantar por que era actriz y no cantante. Yo nací actriz pero a los siete años quería ser cantante, o cantante actriz, porque sabía que los actores norteamericanos cantaban, actuaban y bailaban". Entonces, se deja atrapar de nuevo por la nostalgia y, mientras vuelve a fumar, hace un inventario: "Todo lo que me ha sucedido fue tan repentino que muchas veces no valoré lo que poseía. Pude lograr una proyección internacional si hubiera estado más atenta. He dado y he suscitado muchos sentimientos y a través de mi actuación los he proyectado hacia el público. En la vida no se necesita demasiado, ya no quiero tener demasiado. Cuando uno llega allí, se pierde más de los que se gana". Sin lamentos por el pasado, prefiere pensar en lo que viene: "Siento que voy a terminar dedicada al teatro, es algo que necesito para nutrirme, física y espiritualmente. En algún momento podré estar en un festival internacional de teatro. Aún ahora estoy estudiando para estar al día en muchas cosas. Todavía aspiro a internacionalizarme. Tengo mucho por hacer y mi madurez me permite hacer cosas que antes no podía. Busco un nuevo lugar dentro de la actuación en el país, y no puedo hablar de retiro en este momento porque amo mucho la actuación, como la vida misma".

Tomado de la Revista TV y Novelas No.065, 12 de abril de 1993

Fue diva en su epoca con personajes inolvidables: La Maria, Destino la ciudad, Pero sigo siendo el rey, Señora Isabel,El Bazar de los Idiotas, La Abuela, Alma fuerte, .

María Eugenia viene de familia de artistas. Nacida en Medellín, un 9 de mayo de 1949, sus abuelos tuvieron un grupo teatral, Compañía Cardona, que entre 1988 y 1935 recorrió la Gran Antioquia. Con su abuela, `Mamá' Rosa y su madre Lila vio la primera transmisión de TV, el 13 de junio de 1954. Se le hincha el pecho de gozo al recordar que, en la casa con árboles de granadas, al ver las imágenes, pensó que quería estar allí. Hizo todo por convertir su sueño en realidad. Fue a la Capital y en 1959, con 10 años, le dieron un papelito en la primera telenovela colombiana: El 0597 está ocupado. Vivió en México, hizo cine y lo tuvo todo. "Quería ser como Elizabeth Taylor". Y fue nuestra más cercana versión de la Taylor. Amor ciego, María, La mala yerba, El bazar de los idiotas, Pero sigo siendo el rey... El de Señora Isabel fue su último papel importante. Hoy María Eugenia se esconde, le huye a los espejos y simplemente quiere refugiarse en su casa, con la ilusión de tener una pensión que no la obligue a pedirles dinero a sus conocidos y que le permita disfrutar de sus recuerdos de gloria con una sonrisa. "No quiero volver a actuar". Tomado del periódico El Tiempo, 7 de junio de 2004.

Hace casi un año (1999) que la actriz no aparece en televisión ni se le ve en eventos sociales, y sus admiradores ya empiezan a extrañarla. Tv y novelas la encontró y habló con ella de su difícil situación actual y sus deseos de regresar a la actuación. Después de estar en la cima de la fama y el éxito, María Eugenia Dávila vive ahora casi de incógnito, rodeada de sus libros, sus trofeos, sus recuerdos, el cariño de la gente y las ansias de volver a trabajar. Fue durante tres décadas la estrella de los dramatizados nacionales porque tenía dos cualidades, escasas en su momento: belleza y talento. Por ello se convirtió en la preferida de directores de la talla de Jorge Alí Triana, Bernardo Romero Lozano y David Stivel, entre otros, y protagonizó exitosas producciones como Manuela, Hato Canaguay, La mala hierba, Pero sigo siendo el rey, El bazar de los idiotas, Quieta Margarita, El buen salvaje, María, Hojas al viento, El diario de una enfermera, Castigo divino y más recientemente Señora Isabel. Fue una época de fama, éxito y bonanza económica, de reconocimiento público, de premios y trofeos. Hoy, el panorama es diferente y María Eugenia espera, como si fuera una principiante y no la primera actriz que es, una oportunidad para volver a actuar, pues la última vez que lo hizo fue en Rosas a! atardecer. Tomado de la Revista TV y Novelas, No. 240, mayo 10 de 1999 Una de las mejores actrices del medio colombiano .

MARÍA EUGENIA DAVILA Tenía solo 10 años cuanto le dieron su primer personaje en la TV, en 0597 está ocupado, en 1959. Viene de familia de artistas, sus abuelos tuvieron, entre 1988 y 1935, una compañía teatral que recorría la Gran Antioquia. Su mamá, Lila, fue una famosa actriz teatral. Durante años, por su belleza y su calidad, fue la diva por excelencia de la actuación. María, Manuelita Sáenz, la Chavela Vargas de Pero sigo siendo el rey y María Consuelo, de Señora Isabel son algunos de sus mejores Notorio su parecido con Silvia Kristel .

Tomado del periódico El Tiempo, 11 de junio de 2004

Foto: Mauricio Ramirez. 2005.

ACTOR - Robinson Días.

2009-02-15T15:31:00.000-08:00

La cara le cambia con cada personaje a Robinson Díaz

A Robinson Díaz, el popular mago Kandú, le ha tocado trabajar en oficios que nada tienen que ver con la actuación y que sin duda le han llenado la vida de experiencias y enseñanzas, que según él lo maduraron y le mostraron lo difícil que iba a ser el camino para alcanzar lo que le gusta: hacer teatro, televisión y cine.Va de aquí para allá mostrando lo que sabe hacer y sin duda la interpretación del mago parece ser su fuerte. Después de terminar las grabaciones de ‘Pecados capitales‘ su personaje cogió tanta fuerza, que organizó con varias entidades privadas un circo de verdad verdad, con el que viaja por toda Colombia haciendo reír a grandes y chicos.

Su nuevo proyecto es un seriado del Canal Caracol llamado ‘Negocio de familia‘, que tiene un elenco de lujo: Frank Ramírez, Diego Cadavid, Flora Martínez, Vicky Hernández y Katherine Vélez. Será una historia como ninguna otra antes vista. El estreno se acerca y se revivirán épocas bastante controversiales escritas por Dago García.

Como ven, este hombre con pelo engominado y nariz árabe no descansa, a parte de hacer todo lo que hace es caricaturista de corazón, de hecho cuando trabajaba en el diario El Espectador, bajo el seudónimo de Picho & Pucho, alcanzó a denunciar con su lápiz varias situaciones de la realidad nacional. Esa que experimentó en carne propia cuando para sostenerse vivió del rebusque. No fue fácil llegar a actuar en películas como ‘Bolívar soy yo‘, ‘Pena máxima‘, ‘Calibre 35‘, ‘La gente de la universal‘, ‘Te busco‘ o en telenovelas como ‘María madrugada‘ y ‘Pecados capitales‘, tuvo que aprender primero cómo se lleva una bandeja con vasos llenos de bebidas, trabajando como mesero en Medellín y Bogotá.

Algo que recuerda con sonrisa es cuando le dijo a su padre que quería estudiar bellas artes y actuación: "Para él fue como si le hubiese dicho que era gay", además viajar a Bogotá con 27 mil pesos en el bolsillo y un morral lleno de ropa, para quedarse en el apartamento de la novia de ese entonces. Él mismo reconoce que su gran oportunidad para darse a conocer fue un papel pequeño y secundario que le dieron en la telenovela ‘Garzas al amanecer‘, en el año de 1991.

Hace una año recibió dos distinciones más que abultan su ‘mochila‘ personal de trofeos y distinciones. Un laboratorio farmaceuta le otorgó el premio como el personaje del año 2003 en Colombia, y el diario El Tiempo organizó una encuesta en donde fue escogido por las mujeres lectoras como el actor más ‘papito‘, a pesar de no ser el más simpático de la televisión.

A Robinson le disgusta la mediocridad y la falta de profesionalismo de sus colegas, varias veces ha declarado que la televisión deforma la profesión: ‘Los actores no se preocupan porque el nuevo personaje no se parezca al anterior, es como un desfile de modelaje a ver quién es más bonito‘, por eso le molestan tanto los realitys de televisión y la manera cómo estos programas y algunos canales productores de telenovelas están desdibujando el trabajo de actor, al considerar que para serlo solo es necesario ser ‘pinta‘ y tener cara bonita. Así es Robinson Díaz, hasta él mismo se cataloga como un hombre muy estricto, que tiene un alto grado de concentración, serio, dedicado y que no le gusta rumbear, ni tomar. Tiene la devoción y la mística de su personaje de cura en ‘Detrás de un ángel‘ y la ingenuidad del mago Kandú en ‘Pecados Capitales‘.

Sacado de: http://extroversia.universia.net.co/html/cineytv/personajesExp.jsp?actualConsecutivo=28

NOTA - Director de teatro Santiago García, premiado por su Vida y obra. 2006.

2009-02-14T09:36:00.000-08:00

EL TIEMPO

Santiago García ha estado en escenarios nacionales e internacionales desde los sesenta.

El Ministerio de Cultura le dio ese galardón y el Concejo de Bogotá le otorgó su Cruz de Oro.

A pesar de su apariencia de abuelo bonachón, Santiago García sigue siendo el rebelde que debutó como director del teatro La Candelaria, en junio de 1966. Lo acompañaba un grupo deslumbrante que apenas despuntaba en las tablas colombianas: Patricia Ariza, quien continúa a su lado en La Candelaria; Carlos José Reyes, Edy Armando y Miguel Torres, estos, tres de los más consagrados dramaturgos colombianos.

Eran los días de las rosas en la boca de los fusiles, la utopía. La juventud estaba cargada de energía y los actores de entonces no tenían que (como los de ahora) dedicar la tarde a conseguir el dinero que su oficio no le brinda a la supervivencia urbana.
Hoy, cuando la moda les sugiere otros miles de caminos a los artistas jóvenes, La Candelaria sigue siendo un templo del inconformismo y el arte contestatario. Por sus sillas desfila, fiel, una cofradía de seguidores que, como se dice en las calles del viejo barrio, no los ha dejado morir. Han pasado cuatro décadas desde que con 'Los soldados', adaptación que Carlos José Reyes hizo de 'La Casa Grande', de Álvaro Cepeda Samudio, García se entregó a la tarea de dirigir.
Antes de eso, había trabajado durante seis años con el Teatro Estudio de la Universidad Nacional. "Considero que junto al Teatro Matacandelas, de Medellín, el Teatro Experimental de Cali, El Teatro Libre, La Mama y El Local estamos dándole un lugar de honor, a nivel mundial, a nuestro país", asegura antes de pedir disculpas porque pudo habérsele escapado alguna propuesta interesante.
Jairo Aníbal Niño, Enrique Buenaventura y Carlos José Reyes son, en su concepto, los autores más destacados. De su propia obra teatral prefiere no emitir juicios de valor artístico. Sin embargo, reitera su opinión de que "la poesía es una de la opciones más bellas que puede tomar un ser humano".
Para Santiago García, Colombia está a la vanguardia en el teatro iberoamericano, gracias a las propuestas de los grupos que llevan varias décadas de trabajo "constante y consecuente". Este año, México, España, Inglaterra, Alemania, Perú, Ecuador y otros países están en la agenda de La Candelaria y varios de sus grupos colegas. "Nos reconocen como gestores del arte teatral del continente", afirma él.
"No estamos en contra del teatro comercial, es otra propuesta válida con público y espacios propios. Nosotros preferimos mantenernos como una alternativa y una búsqueda de nuestra propia identidad. El camino de la imitación no conduce al arte", argumenta García. Él, por su parte, también se ha puesto el traje de actor y dramaturgo. "En las lecturas que frecuento, me hallo con algunos aspectos que me han estado rondando en la rutina teatral, con los cuales se entrevé la posibilidad de que ese texto, o textos que estoy leyendo, originen un futuro libreto de teatro", ha afirmado para explicar su decisión de hacer una adaptación de 'El Quijote de La Mancha', en el año 2002.
Hoy -y desde hace ya un buen rato- la militancia ideológica es estigma para muchos artistas. Santiago García lo sabe. Sin embargo, tiene la valentía y el oficio necesarios para afirmar que la propuesta de La Candelaria es arte destinado a permanecer, más allá de los debates políticos que se puedan librar fuera de escena.
"Nuestra propuesta ha sido, desde el inicio, un teatro experimental que ha encontrado un público propio y satisfecho". Lo cierto es que, este mes, el Teatro Colón debe ser el escenario en el que Santiago García reciba una nueva distinción nacional. Germán Téllez y Beatriz González compartirán, junto a él, el premio 'Vida y Obra' del Ministerio de Cultura.
Además, en junio de este año, el Concejo de Bogotá lo premió con la Cruz de Oro por su trayectoria. Él, al respecto de las distinciones, es claro. "Las medallas son un excelente reconocimiento, pero lo cierto es que el teatro La Candelaria tiene un déficit de más de 100 millones de pesos anuales. Vivimos del aire y de las ganas de hacer teatro". Por eso, el arte sale a flote. "Nos damos el lujo de tener, desde nuestro inicios, una sede propia y un repertorio nuestro que nos da la posibilidad de mantener un grupo de actores constante", asegura.
Y sí. Del grupo de diecisiete actores, cuatro están desde la fundación de La Candelaria. Él mismo, Patricia Ariza, Francisco Martínez y Fernando Mendoza. Una verdadera hazaña que se suma a otra más: seis de las obras de La Candelaria ('El Quijote', 'En la raya', 'El paso', 'De caos y de cacaos', 'Nayra' y 'Antífona') conforman la temporada que, a mitad de año, agotó boletería con anticipación.
"El esfuerzo, las serias intenciones de establecer una dramaturgia nuestra y la elaboración de una obra original le han dado validez al teatro colombiano", asegura en la casona de la calle doce con carrera segunda, "donde se han escenificado, en cuatro décadas de escueto amor al arte, ciento cincuenta y seis obras; veintidós de las cuales han sido de nuestra autoría colectiva y otras doce de actores del grupo", concluye García.

Sacado de: http://www.teatroenmiami.net/modules.php?name=News&file=article&sid=4703

NOTICIAS - Nueva página web dedicada al movimiento teatral en bogotá.

2009-02-14T07:43:00.000-08:00

Está en proceso de creación un sitio web dedicado a manejar el tema de la movida teatral en bogotá, uno de sus creadores es Hernán Moncada, persona que siempre ha estado comprometida con todos los temas relacionados al arte escénico; en estos momentos está buscando un nombre adecuado para su sitio web, que en realidad nos sera de mucha utilidad a todas las personas que trabajamos en este medio.

En está página web encontraremos información detallada de las obras que estarán en temporada, noticias en las que participaran destacados periodistas involucrados con el arte escénico de bogotá, temas relacionados con la formación, como escuelas de teatro y talleres, entre otros.

Para votar por el nombre de está página web debes ingresar aquí: http://www.siecolombia.com/agendateatral/

¡Seria bien que le den un vistaso, me parece un proyecto muy interesante!

NOTA - El arte del Actor. Por Paolo Magelli.

2009-02-12T08:15:00.000-08:00

Conferencia: El Arte del actor
Por: Paolo Magelli, Eslovenia
Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Marzo 20 de 2008
Notas tomadas durante la conferencia por: Felipe Chávez G.

Los actores europeos tienen todas las virtudes actorales y un solo defecto, por eso cuando dirijo en Alemania o Italia debo regresar a dirigir rápidamente a dirigir actores eslavos, pues estos actores tienen todos los defectos y ninguna virtud.
Toda tragedia es cómica.
Estoy feliz de haber estudiado literatura y eslavística pues me permite leer a los grandes en su propia lengua: Chéjov, Kafka. Los italianos hacen muy malas traducciones. Estos autores son profundamente cómicos, pero los italianos los traducen como oscuras tragedias. Hay que leer “América” de Kafka y encontrarle su comicidad.
Levi Satrauss decía: “Para entender la cultura de un pueblo no vallas a los libros, entra a un restaurante y lee el menú”.
El actor es la puerta para conocer el alma de un pueblo.
El actor es el alma de la humanidad.
Trabajo con un texto llamado “la utopía cansa a los caracoles”.
Tengo el alma llena de remiendos como el traje de Arlequín.
El teatro de hoy tiene varias urgencias:
1. Recuperar la identidad cultural frente a la estupidez de la televisión y la edad media tecnológica que estamos viviendo.
2. El actor latinoamericano: América Latina es la meca de la espiritualidad, del arte, especialmente del teatro en el nuevo siglo.
El teatro es el único lugar libre que nos queda. Somos esclavos en la política, en la prensa, en la tecnología, ya sabemos quienes son los que ordenan que debemos pensar, pero el teatro es la libertad intelectual, la libertad de soñar.
En Europa vivir algo de verdad es una excepción, todo allá es virtualmente light y la vida light, la prensa light, la política light está gobernada por unos pocos.
El actor contemporáneo debe volver a ser como los griegos: unos tipos que miran las estrellas y se preguntan lo esencial: ¿Cómo?, ¿Por qué?, ¿Para qué?, ¿Quién soy?.
El imperialismo bancario mató a dios. Cambió el triángulo con el ojo por el cuadrado del cajero automático. La vida europea está vendida a los bancos, se hipoteca la vida y se trabaja cada día para morir con la cuenta en ceros y no deberles nada. En cambio el teatro es el espacio de los sueños. El actor es mas que un vendedor de sueños.
Hay que volver a ser artesanos para poder ser artista. Desacralizar la idea del arte, reconocer las técnicas básicas.
No olvidemos que el teatro es efímero, no queda nada del teatro después de la función.
El teatro es la fragilidad de la nada.
Debes darle la oportunidad al otro de ser mejor que tú, el otro es el actor, pero especialmente el otro es el público.
La espiritualidad pasa por la materialidad del trabajo.
En suma, frente a la pregunta que me hicieron ¿qué es el actor?: el actor lo es todo.

Sacado de: http://oscarfelipechavez.blogspot.com/2008/03/el-arte-del-actor.html

FRASES CELEBRES. TEATRO

2009-02-11T17:36:00.000-08:00

"Un actor debe trabajar toda su vida, cultivar su mente, desarrollar su talento sistematicamente, ampliar su personalidad; nunca debe desesperar, ni olvidar este próposito fundamental: amar su arte con todas sus fuerzas y amarlo sin egoísmo".

Constantin Stanislavski

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"Cuando el teatro es necesario, no hay nada más necesario"

Peter Brook

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"El alma cuando sueña, es teatro, actores y auditorio"

Addison

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"La tragedia es una imitación de una acción seria, completa y de cierta magnitud, que efecta, por medio de la compasión y el temor, la catarsis adecuada de las emociones."

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"El teatro debe divertir, noblemente, pero nada más que divertir. Pretender hacer de él una escuela de moral es corromper a la vez la moral y el arte"
Joseph Joubert

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"Los auténticos actores son esa raza indomable que interpreta los anhelos y fantasmas del inconsciente colectivo."

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"Cuando veamos que de nuevo se aprecia y recompensa a los actores que llevan al escenario o a la pantalla generosisdad, deseo, vida orgánica, acciones ejecutadas libremente -sin deseo de recompensa ni miedo a la censura o la incomprensión- tendremos una de las primeras señales de que la manera de nuestra época introvertida y desdichada ha comenzado a cambiar, y que volveremos a tener el anhelo y la disposición de contemplarnos a nosotros mismos."

David Mamet

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"El teatro consiste en representar figuraciones vivas de acontecimientos humanos ocurridos o inventados, con el fin de divertir."

Bertold Brech

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"UN ARTISTA ES UN CREADOR DE COSAS BELLAS. REVELAR EL ARTE OCULTANDO AL ARTISTA; ESE ES EL OBJETO DEL ARTE"

Oscar Wilde

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"¡Su actuación está rompiendo mi corazón!" (Cada vez que sus actores seguían sin obedecer su orden de Vivir y no Actuar)

Andrei Tarkovski.

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"Quienquiera que condene el teatro es un enemigo de su país."

Voltaire

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"La misión del dramaturgo consiste en permanecer invisible y no dejar que se vea nada más que sus personajes. Tan pronto como llama la atención sobre sus sentimientos personales, la ilusión se rompe."

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"La vida es igual que una obra de teatro, la única diferencia es que la vida es un estreno continuo y no puedes corregir los errores."

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"El teatro es un gran medio de educar al público; pero el que hace un teatro educativo, se encuentra siempre sin público al que poder educar."

Enrique Jardiel Poncela

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"El teatro es un crisol de civilizaciones."

Victor Hugo

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"La obra de teatro debe ser una imagen justa y vivaz de la naturaleza humana."
Dryden John

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"Conviene siempre tratar de ser interesante más que preciso, porque el espectador lo perdona todo menos la pesadez."

Voltaire

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"Escribir teatro es el trabajo más difícil que más fácil parece."

Enrique Jadiel Poncela

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"En el teatro de la vida todos se divierten, menos el actor."

George Bernard Shaw

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"Actuar es como bajarte los pantalones; expones tu intimidad."

Paul Newman

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"La obra de teatro debe ser una imagen justa y vivaz de la naturaleza humana."

John Dryden

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"El arte, cuando es bueno, es siempre entretenimiento."
Bertolt Brecht

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"En el teatro, la responsabilidad del actor por su papel y su función dentro de la representación es mucho mayor que en el cine"

Andrei Tarkovski

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BIOGRAFÍA - Rolf Abderhalden

2009-02-11T15:17:00.000-08:00

Rolf Abderhalden Cortés: veinte años de teatro al margen
ANDRÉS ZAMBRANO D. EDITOR DE CULTURA

Su vida ha pasado por varias ciudades: estudió en París y Roma, y en Londres fue actor. Ahora se queda en Bogotá para dirigir en Mapa Teatro.Tiene una de las carreras más ricas en el mundo del arte colombiano. Es una fusión de artista plástico y teatrero.Rolf Abderhalden Cortés no luce como Rolf Abderhalden. Es la otra cara de los estereotipos.

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No es alto y no es rubio y no viste de manera extraña, como podría pensarse de un descendiente de un ingeniero textil suizo, o del teatrero de vanguardia más importante del país.

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Es más Cortés, el apellido de su madre, que Abderhalden. Más de Manizales, la ciudad donde nació, que de Wattwil (Suiza), la localidad de la que su padre salió rumbo a Nueva York.

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Pero tampoco es muy de Manizales, ya que allí solo vivió tres años. Su ciudad es Bogotá, donde estuvo hasta los 18, y de la cual se fue 12, para regresar a los 30.
Es un tipo típico, a primera vista. A pesar de que este año obtuvo la medalla de Caballero de las Artes del gobierno de Francia, un galardón que tienen, entre otros Pedro Almodóvar, Paul Auster y Juanes, entre otros.

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Tampoco es un artista que habla un metalenguaje que comprenden solo los iniciados. Es sencillo en el relato de su experiencia de vida. Abderhalden deja todo para que su arte hable, no se desgasta en el bla, bla.

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Es marginal sin proponérselo. "Nunca pensé en el arte como una opción de vida. En mi niñez dibujaba mucho, pero nada más. En el colegio Helvetia tuve muy buenos profesores de arte".

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Su camino parecía estar en el campo de la ingeniería textil. Su padre llegó al país por esa vía. "Estaba en Nueva York, había salido de Suiza en la época de la posguerra, era ingeniero textil y allí vio un aviso en el que buscaban uno para una fábrica en Manizales, era Tejidos Única".

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A los 18 años, cuando terminó el bachillerato se fue becado a Suiza para estudiar ingeniería textil. "Me di cuenta de que eso no era lo mío".

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Entonces apareció el arte. "Eso era lo que me interesaba" Se cambió a una profesión llamada arte terapia.

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Al terminar quería hacer una tesis de grado que tenía que ver con la antisiquiatría. Un maestro le contó que en el Hospital de Tunja podía desarrollar su trabajo.

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El regreso al país definió de una vez por todas su destino:el teatro. Estuvo en París, en la escuela de Jacques Lecoq, en Roma estudió dirección teatral y en Londres fue actor. Allí se reencontró con su hermana Heidi, también actriz, con quien decidieron hacer la obra 'La casa tomada', basada en un cuento de Julio Cortázar. Era 1985.
Ese es el germen de Mapa Teatro, su gran proyecto artístico. Este grupo de dos, o de tres, cuando se le agrega su hermana Elisabeth, o de número indefinido, dependiendo de los proyectos, es el gestor del mejor teatro no convencional de Bogotá.

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Una oferta artística difícil de calificar, que a veces es teatro, otras performance, otras video instalación. Han desarrollado trabajos tan distintos como uno inspirado en el proceso de la desaparición de la zona de 'El Cartucho', en Bogotá; una Medea poco clásica con Martha Senn como protagonista y dos montajes de ópera completamente originales y polémicos. "Gloria Zea quería que hiciéramos algo diferente. Lo primero fue La flauta mágica y lo recibieron muy bien, pero luego hicimos La cenicienta, título que nosotros sugerimos". Lo que les molestó a muchos fue la utilización de la estética los narcos.

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Abderhalden y su hermana Heidi están pagando el precio de no negociar sus convicciones. Su atrevimiento llega al punto de no cobrar por sus presentaciones.
Desde hace unos años tienen como sede del grupo una enorme casa en la 22 con séptima. No es un teatro, no lo necesitan, es un sitio donde pueden presentar sus obras y además ofrecen espacio a otros artistas que también lo requieren. No hay negocio, no hay esa visión y por eso las deudas agobian.

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Ahora que celebran sus 20 años de trabajo, Abderhalden se muestra preocupado con su futuro, aunque advierte de una manera estoica: "Tal vez es nuestra ética protestante, pero no nos gusta quejarnos". La situación es difícil, tienen una deuda de cien millones de pesos y solo tienen el teatro como moneda de cambio.

Sacado de: http://www.teatroenmiami.net/modules.php?name=News&file=article&sid=4853

OPINIÓN - Festival Iberoamericano de Teatro 2008. Oscar Felipe Chávez.

2009-02-11T10:22:00.000-08:00

FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE BOGOTA 2008

Desde mi llegada a Bogotá en 1992 no me perdía el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. Desde 1996 había estado por dentro del festival como pregonero, actor, técnico, tallerista, director, público fehaciente, rumbero enamorado, ciudadano fiestero, aprendiz de brujo, crítico incipiente, teatrero en formación… en síntesis viví el festival de pe a pà, es decir de fes a val intentando buscar las respuestas a las grandes preguntas que me persiguen en el mundo del teatro. He asistido a cada festival como a un rito religioso. Cambié la teatralidad de las procesiones de Semana Santa en Popayán por la sacralidad del rito del teatro en Semana Santa.

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El Iberoamericano ha sido una gran escuela, no solo para mí, sino para todo el movimiento teatral colombiano, que a favor o en contra, nos hemos nutrido de ese flujo de discursos y de imágenes en esas dos semanas de pasión.

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Según fuentes confiables y sin patrioterismos veintejulieros, el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá es el mas grande del mundo pues el Festival Cervantino de México y las Olimpiadas Teatrales de Japón se hacen cada cuatro años. La cifras de Fanny Mickey: “cinco continentes, jijuetantas compañías, chorrocientas funciones…” aunque odiosas, son un hecho que no tiene referentes bianuales en otras latitudes.

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Ser el Festival mas grande del mundo, no significa que sea el mejor, ni que sea el único, ni mucho menos que sea “el teatro”. El Iberoamericano es “un festival”, es “un tipo de teatro” en singular, no es ni el teatro de Colombia, ni el teatro del mundo; es “un Festival”, que como todos se hace respondiendo a unos intereses estéticos de un selecto grupo de personas y no sobra decir que ese gusto específico no puede minimizar el gusto teatral ni generalizarse como el gusto teatral nacional.

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Es muy importante que Bogotá como gran ciudad cultural realice el Iberoamericano, es un privilegio tener el flujo de artistas, teóricos y espectáculos que en otras condiciones serían muy difíciles de ver… sobra decir que es mas fácil verlos en Bogotá a cien mil pesos, que ir hasta Bélgica, Ucrania o Suiza a verlos en sus salas. En ese sentido el Iberoamericano es una excepción en nuestro panorama cultural nacional.

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Uno de los componentes mas importantes y menos publicitados del Iberoamericano es el pedagógico. Los talleres, clases maestras, conferencias y coloquios, muchos de ellos gratuitos o muy baratos, demuestran un compromiso real de la Fundación Teatro Nacional para incentivar el crecimiento del teatro colombiano. Aprendices, actores, directores y público de todo el país tienen contacto teórico y práctico con técnicas y discursos teatrales de diferentes latitudes del mundo.

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El iberoamericano es la mejor empresa de gestión cultural del país, un ejemplo de capacidad de producción y logística, de movilización de credibilidad, recursos e información, pero sobre todo de apropiación colectiva, de sentido de pertenencia de la ciudad con su Festival y todo esto hay que aprenderlo y replicarlo: Promover la fiesta como detonante de la identidad colectiva, como lo dice el Convenio Andrés Bello.

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El Iberoamericano irradia una alegría pública muy necesaria para mejorar la calidad de vida de la ciudad, pero sin proponérselo (supongo) también irradia unas ideas deformadas que se amplían como un eco durante los dos años posteriores a su realización. Algunos de estos ecos nefastos en el medio teatral son:
Creer que “ese” es el teatro y denigrar del teatro colombiano porque no tiene el mismo nivel de producción que el europeo.

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“Consumir” la suficiente dosis de teatro que dura dos años.

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Creer que en Colombia no hay teatro porque no se parece a las megaproducciones que trae el Iberoamericano.

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Creer que el teatro colombiano es Fanny o la Fundación Teatro Nacional.

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Creer que la Fundación Teatro Nacional es realmente el teatro nacional. Sobra explicar que ese nombre corresponde a una empresa privada y Colombia es el único país donde una compañía llamada Teatro Nacional no es pública. (En el sentido de estar financiada permanentemente en mas del 80% con recursos del Estado)
La idea de que el circo es la única opción que le queda al teatro contemporáneo.
Suponer que el teatro al aire libre debe ser un espectáculo de estructuras, zancos y fuegos artificiales.

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Creer que el Iberoamericano es un sello de calidad: no es cierto que todo lo que se presenta en el Iberoamericano sea el “mejor teatro del mundo” y entonces lo que no se presenta es el “peor teatro del mundo”. Por ejemplo la vanguardia teatro colombiano La Candelaria, no se presenta allí y eso no lo vuelve un teatro de segunda.

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Así mismo el Festival de Teatro Alternativo, decorosamente organizado por la Corporación Colombiana de Teatro con la batuta de Patricia Ariza, NO ESl “off” del Iberoamericano. El Alternativo es la continuación de lo que en los años 80 fue el Festival del Nuevo Teatro Colombiano, entonces es previo al Iberoamericano y no se hace contra el él ni contra Fanny. El alternativo es un Festival hermoso, de salas repletas y festivas, privilegiando al teatro colombiano y con excelentes invitados internacionales. Con entradas a 5 diez mil pesitos, no intenta “competir” contra el Iberoamericano, simplemente difundir dignamente el teatro colombiano en las salas y con los recursos disponibles. Sin maquillajes, sin el gigantesco andamiaje publicitario llena salas de un público auténtico y sensible que no esconde sus críticas ante los defectos y carencias de la escena colombiana, pero tampoco guarda los aplausos para las puestas que tercamente se consolidan en los rincones de la geografía nacional.

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Este año fui sin mucha gana al Iberoamericano, en primer lugar porque ahora me toca armar maleta e ir hasta Bogotá, en segundo lugar, porque por primera vez en doce años, no estaba por dentro del Festival y en tercer lugar, porque sentía que iba a encontrar los mismos con las mismas y no me equivoqué. El problema del rito de la fiesta es que se repite y cada vez se debe recargar de significados, yo siento que he perdido un poco esa capacidad y las cosas de la vida se me empiezan a repetir año a año perdiendo su sabor.

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Pero bueno, uno va a donde se siente bien y es su decisión, por eso ya no voy a la carpa cabaret a ver tanto snob, tanta gente bonita y trabada, tanta farándula borracha y tantas caricaturas de famosos, tantos disfraces y tanta lentejuela. Yo definitivamente prefiero salir de una función a recorrer la carrera séptima atestada de gente que reza entre iglesias, que compra baratijas en la acera, que ve espectáculos callejeros por dos monedas, que simplemente caminan en la calle entre sus bufandas y se comen un algodón de azúcar. Así cada uno aporta un poco de color a la carrera séptima en semana santa: el espectáculo teatral mas hermoso de la ciudad.

Sacado de: http://oscarfelipechavez.blogspot.com/2008/03/festival-iberoamericnao-de-teatro-2008.html

CRÍTICA - Fin de viaje. Oficina central de los sueños. Oscar Felipe Chavez

2009-02-09T19:25:00.000-08:00

FIN DE VIAJE
Teatro Oficina Central de los Sueños (Medellín)
Director: Javier Jurado

Asesoría literaria: Oscar González
www.teatrooficinacentraldesuenos.com

Temporada de estreno, marzo de 2008 en el marco del Festival de Teatro Alternativo (Bogotá).

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La hipótesis me pareció arriesgada y hasta loca: ¿Qué pasa si los grandes poetas nacionales Mercedes Carranza, León de Greiff, José Asunción Silva, Porfirio Barba Jacob y Gonzalo Arango se encuentran en el limbo después de muertos?, ¿Qué harán esos espectros literarios, esos espíritus iluminados, esos cadáveres históricos reunidos en la inmensidad de la nada?.

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El programa de mano advierte que no será un sartal de autobiografías sino “un extrañamiento ficcionado un poco a lo Dante, que muestra al poeta su destino, ¿a dónde van los poetas?”. A mí la intriga no me deja ¿Cómo será el encuentro de la élite de nuestra letras, mas allá de la muerte?, ¿Será un recital desesperado de sus mejores fragmentos?. Recordé a Cristóbal Peláez diciendo que en las adaptaciones de la literatura al teatro, la palabra se vuelve una ilustración, una redundancia pues en el teatro la palabra es acción y me angustié.

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La Oficina Central de los Sueños está loca, pensé, Javier Jurado debe estar deschavetado, ya ni mide los riesgos, me decía mientras acomodaba mis nalgas en las escaleras del teatro La candelaria en pleno Festival de Teatro Alternativo. Los personajes estaban esperando al público, con un fondo blanco pero no inmaculado. Se tardaron unos segundos eternos en tres acciones como apagar un cigarrillo, hacer un jaque mate y cambiar de emisora radial. Yo empecé a sufrir, las nalgas me tallaban de alegría porque la sala estaba llena, pero sudaba frío como viendo una cirugía a corazón abierto. Esa voz pesimista, eterna compañera, desde adentro me susurraba “no lo van a lograr, mirá esa Mercedes tan flacuchenta, que pena con Ariadna si viera esa caricatura, al lado del tono ceremonial del De Greiff tísico y los ademanes refinados del chiquitín Silva”. El tiempo se me elongaba y empecé a entender que era justamente el no-tiempo del limbo donde se encontraban esas almas aburridas ¿Pero por qué estaban ahí?, ¿Acaso nuestros poetas no compraron todos los pasajes para su Temporada en el Infierno?, ¿si el suicidio es el boleto VIP para el infierno, qué hacían en ese paso intermedio por el limbo?, me preguntaba esa voz pesimista desde la tripa.

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El tiempo no corría frente al telón blanco, el tedio los comía y al público también.
Entre el blanco apareció una novia hermosa de cola larga ¡Ofelia!. Gritó repentinamente un par de frases mudas, su desesperación no se correspondía con el tono, ni el tiempo, ni el espacio de los poetas ¿Qué hacía ahí regalándole unas hierbas?. Supuse que aparecería una sucesión de personajes imaginarios a bendecir a nuestros poetas, pero me equivoqué. Ya están muertos y lo único que necesitan es una excusa para ocupar su tiempo-muerto, su única excusa es conjurar el tedio del día a día justo allí donde no hay tiempo. ¿Qué hacemos? Se preguntan los poetas, gastando otros segundos: escribir poemas, manifiestos, literatura. ¡No que pereza! Ya todo lo hicieron, todo lo escribieron, hasta su obra inconclusa.

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De repente, el montaje gira de la tragedia a la comedia, del castigo eterno a la burla de su propia condición. La gradería se hizo blanda mientras llegaba Porfirio Barba Jacob de blanco con su maleta llena de sorpresas ¡Hagamos teatro! Dijeron los espectros y ahí sí empezó la diversión en esta puesta. Crearon escenas hilarantes de teatro dentro del teatro, cada uno tomó un traje e inventó un personaje. Porfirio improvisaba la dirección de la obra donde Silva moría en los brazos Carranza disfrazada de calavera.

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Los otros poetas con el resto del público disfrutamos la representación farsesca y melodramática con un tono cómico memorable: Los actores actuando de poetas actores, ¡Que bella poesía!.

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La obra cogió cuerpo, ritmo, sabor y pensé entonces que lo estaban logrando, que el tedio de la primera parte era necesario para dar el quiebre a lo festivo, a la parodia, a la teatralidad bufa. Era necesaria una línea hacia abajo para tomar impulso y llegar al pico de esta alegría escénica, de esta emoción del teatro hecho con conciencia, constancia y cariño en el detalle, tan difícil de encontrar a veces en la escena colombiana.

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Cuando el cuadro en la escena de la muerte llegaba a su esplendor con los tonos y las líneas de los personajes en la misma sintonía, cuando la atmósfera había tomado fuerza; ocurrió la magia: Los gigantes ojos de Sancho Panza invadieron la escena abriéndole paso al esquelético Quijote.

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El cuadro del Quijote contra la farándula adquirió un tono surrealista: Nuestros poetas actuando para el flacuchento soñador y él creyéndoles demonios. Una extraña paradoja entre la tragedia del soñador quien ya no tiene su espada y los bufones actuando por su vida sin creérselo mucho ¿Qué es la lucidez, qué es la locura? Me pregunté y la escena se fue acabando sin darme tiempo para disfrutar los madrazos de Gonzalo Arango.

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Tomaron un gran riesgo y lo asumieron con rigor. Jurado pasó de la caricatura a la representación verosímil de los personajes y nos regalaron un plon de poesía en escena. En realidad “Fin de viaje” no fue una biografía, ni un recital; fue un homenaje sentido al mas profundo sentido de nuestras letras nacionales. A la hora de escoger a los personajes quedan ausencias; no están todos los que son, pero sí son todos los que están.

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Bastante falta nos hace buscar en nuestro acerbo literario otras boyas, otros faros, otras voces. No somos realismo mágico, ni romanticismo, ni piedracielismo, ni cuadernícolismo, ni nadaísmo; sino todo lo contrario ismo.

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La definición de un nuevo proyecto estético nacional se hará mirando hacia atrás, solo profundizando en nuestras raíces abriremos los ojos ante un panorama cultural que estamos en mora de construir como movimiento artístico nacional justamente en la preparación de los doscientos años de la mal llamada “independencia”. Y es ahí donde la puesta en escena de la Oficina Central de los Sueños adquiere una relevancia histórica, dando luces para construir nuevos sueños colectivos.

Sacado de: http://oscarfelipechavez.blogspot.com/2008/03/fin-de-viaje-oficina-central-de-los.html

ARTÍCULO - Guadalupe, Santa Juana, La Creación Colectiva. Linda Quintero

2009-02-09T06:34:00.000-08:00

Juventud, adultez y ancianidad. Se caracteriza por ser irreverente, por creer en sus convicciones al punto de entregarlo todo, hasta sus hijos por su ideal de justicia y equidad. A pesar de haber transitado por un convento cuestiona a la iglesia por defender a los poderosos y no a los que más lo necesitan. En su juventud en el claustro se cuestionaba acerca de su sexualidad el por qué de sus senos, sus manos y que podría explicar y dar sentido a permanecer virgen. Es un personaje con un sentido ético inquebrantable.
De igual a igual y codo a codo con su marido se alían al ejército porteño para luchar contra los terratenientes. Es una mujer que vive la vida por lo que tiene que vivir a cada instante, sabe que la vida no cambiará por los que están satisfechos, sino por los que vienen de la carencia. Después de la muerte de su segundo hijo noto un cambio psicológico, es cuando la nombran teniente coronel. Expresa: “Hicimos la revolución para conquistar la tierra, para terminar con el hambre, para extirpar la violencia y la persecución”. No cree en teorías cree en hechos y transformaciones concretas.

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Al empezar a leer Guadalupe años sin cuenta me ubique leyendo un guión literario cinematográfico, la gran cantidad de personajes, las diversas escenas y la forma como se estructuran. En esta pieza es muy clara lo que comentábamos la clase anterior acerca del llegarle al pueblo a través de cantos, en la Pág. 22 hay una canto que yo denomino de denuncia.

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En la voz del personaje del sargento Velando notamos un despliegue admirativo y panegírico al imperio norteamericano. “De los soldados norteamericanos debemos aprender su valor, su arrojo, su desprecio por la vida. Son hombres cojonudos, hombres que sienten en su honor de soldados, el vestir del uniforme de la patria… A nivel oficial en el desarrollo de la trama hay un afán por pertenecer como nación al mundo libre. Luego cuando vemos las posturas de los agitadores vemos la otra cara de la moneda. Ellos declaran que esta guerra para defender a Corea, no es más que la provocación del imperialismo yanqui, no quieren que los soldados vayan a una carnicería.

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En la rueda de prensa internacional notamos la censura a la expresión cuando se manifiesta no haber un traductor que hable portugués, cuando este idioma es tan parecido al nuestro que es muy fácil de comprender. En el Debate del Hombre de Jerónimo contra el Hombre de don Floro hay una especie de contrapunteo típico de los llanos. Al final de la pieza vemos este pacto entre conservadores y liberales pertenecientes a una élite con un representante eclesiástico donde vemos hay una toma de decisión.

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Cuando Don Floro nos dice: El partido liberal logró que los militantes se tomaran el poder, pero para tumbar a los godos… Ellos estarán poco tiempo en el gobierno. Luego vendrán las elecciones y los liberales volveremos a mandar en el país. Vemos una semejanza con lo que en Venezuela se denominó el pacto de Punto Fijo, donde supuestamente había una alternabilidad en el poder pero solapada por una acuerdo. Con el corrido final que cierra la pieza vemos claramente el objetivo de crear conciencia política, de llevar a una reflexión profunda de los hechos.

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El TEC siempre ha visto el teatro desde un sentido popular. Este teatro le da un valor especial semántico a la palabra, el gesto, el traje, el accesorio, el decorado. El Coro para el TEC representa al pueblo y es el informante de la escena, es el que motiva a la audiencia para que encuentre soluciones a los problemas representados en la escena.

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En A la Diestra de Dios Padre de Buenaventura, se desea liberar a la muerte para que acabe con la rebelión y la herejía. Si hacemos una introspección histórica vemos como con estas cacerías de brujas, se eliminaban rebeldes, protestatarios, gente llenas de sapiencia popular. Esta obra expone los conflictos del hombre a nivel material y también a nivel espiritual. El Autor aborda un lenguaje popular, sus personajes son esperpénticos, llenos de supersticiones, se exaltan las virtudes campesinas, se reivindica la vida comunitaria.

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Como aporte teórico Buenaventura deja en claro el reconocimiento de la Función Social del teatro. La historia desde esta perspectiva es dada a conocer para ser discutida. Para él el Teatro es un instrumento estético para darle un giro a la sociedad.

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El concepto de compañía es trabajado ahora como grupo donde el colectivo tiene una Jerarquía más horizontal.

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Revisando someramente la historia y como los espacios políticos han sido abordados a nivel teórico, vemos que el problema del poder surge con la burguesía. Ya Maquiavelo se planteaba como conservarlo. En su obra el príncipe expresa: los gobernantes gobiernan porque los demás aceptan y aprueban el ejercicio del poder. Y en esto me parece que hay un asomo de conciencia en las obras de teatro que hemos abordado, se ve en Juana, se ve en Guadalupe muy marcadamente. Ya en las teorías de las izquierdas desde el poder se regenta la sociedad.

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La burguesía no sólo detenta el Poder como poder del estado, la policía, el ejército y todos los aparatos ideológicos lo sustentan.

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Gramsci parte de que la Construcción de la Hegemonía es un constructo. Y cada sociedad construye el hegemonismo que requiere. Los modos de pensar, los sistemas de valores de se heredan de generación en generación son esquemas de apropiación del mundo.

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Yo diría que el Teatro en este sentido es un arma para construir identidad, referentes y memorias.

Sacado de: http://www.dramateatro.com/joomla/index.php?option=com_content&view=article&id=130:guadalupe-santa-juana-la-creacion-colectiva&catid=5:ensayos&Itemid=9

BIOGRAFÍA - Helios Fernández

2009-02-06T06:27:00.000-08:00

Helios Fernández, amor a su vida, el teatro

Quien más que su familia para hablar de su vida y contar un poco acerca de su única pasión: El teatro. El personaje es Helios Fernández, un español en el papel pero más valluno que el manjar blanco. Un hombre que murió a los 63 años y que hizo historia con el Teatro Experimental de Cali y en la pantalla chica de los colombianos, quienes lo vieron por primera vez en la serie ‘El confesor‘ y la última en ‘El vuelo de la cometa‘. Sus parientes recuerdan que cuando empezó en la televisión conoció a Pepe Sánchez, quien lo invitó a continuar trabajando en algunos seriados y le depositó toda la confianza como actor de telenovelas. Su interpretación en ‘Los pecados de Inés de Hinojosa‘ es una de las telenovelas que más recuerdan sus familiares. Aída Pérez una de sus sobrinas, que vive en Cali, comenta riendo que "hasta él mismo se burlaba de su papel. No recuerdo el nombre de su personaje pero de lo que sí me acuerdo es que le tocó encresparse el pelo. El pobre parecía recién levantado de la cama, era un español, caleño vuelto costeño, ¿qué rara mezcla no?" y vuelve a reír.

Helios vivió las duras y las maduras cuando empezó de la mano de su compañero y amigo Enrique Buenaventura la fundación del Teatro Experimental de Cali. Allí, dictando clases a jóvenes talentos, conoció a su primera esposa, Gladys Garcés. Casarse con ella y sacar adelante el nuevo Instituto de Artes del Valle fue un sueño hecho realidad que le dio la posibilidad de mostrar todo ese potencial que siempre lo caracterizó en las tablas. Con Gladys y con Enrique Buenaventura montó, dirigió y actuó en cuanta obra se les ocurrió. "La mayoría fueron un éxito" repite durante toda la entrevista Gladys, quien después de su separación hace más de 30 años y con la que tuvo una hija, dice que su relación fue amigable. "Lo consideré siempre como el mejor de los seres humanos, alguien maravilloso y completamente dedicado al teatro. Para él no había otra pasión igual".Y es que con el teatro quiso hacer de todo, hasta protestar apostándole a una postura irreverente, con obras como ‘A la diestra de Dios Padre‘, ‘El convertible rojo‘, ‘Ópera bufa‘ y ‘El maravilloso viaje de la mentira y la verdad‘, pero se calmó con su entrada a la televisión hace 14 años. En ese momento de su vida ya estaba nuevamente casado con María González, una bogotana con la que tuvo dos hijas que ahora tienen 25 y 15 años. Con ellas vivió en España durante tres años (de eso hace un año). Supuestamente fue de vacaciones y a visitar a su hija mayor que por esa época estudiaba música en Barcelona, pero en un impulso decidió radicarse de lleno en el país ibérico y hacer un poco de teatro otro poco− y sí que lo hizo y bien hecho. Actuó y dirigió algunas obras que se presentaron en los escenarios más importantes de Madrid, Valencia, Barcelona y las Islas Canarias. Precisamente con la obra ‘La orgía‘ escrita por su gran amigo Enrique Buenaventura fue con la que dio un salto al reconocimiento que se le hizo en el Festival Aguimes, de Gran Canaria el año pasado.

María González siempre lo acompañó en todos sus recorridos, ella asegura que era un hombre aventurero, lleno de vida y al igual que su primera esposa, piensa que para Helios no había otra cosa más importante que actuar, sin importar el escenario.

Durante su estadía en España, trataron de impulsar juntos una revista de inmigrantes llamada ‘Esta savia de América‘, dedicada a destacar las actividades culturales de los extranjeros que vivían en España. En la última edición del impreso, la vida de Helios Fernández se convirtió en el personaje central. La entrevista está a punto de salir al público español, lamentablemente no llega a Colombia. "Como no le gustaba hablar de su vida privada, decidimos que la periodista iba a ser yo y pues a mí sí me permitía preguntas intimas. Así que durante todo un día lo entrevisté y hablamos de cosas que en esos momentos yo no sabía, hasta me habló de su primera pareja, Gladys con la que tengo una excelente relación, y de la experiencia junto a ella en el teatro‘, cuenta María haciendo alusión a que Helios siempre fue un hombre muy sincero que nunca escondió sus sentimientos.

Hace ocho meses se había devuelto para Colombia porque no se acostumbró a la vida europea. Su último papel lo hizo en ‘El vuelo de la cometa‘ interpretando al abuelo Abraham, y en las películas ‘Colombianos, un acto de fe‘ y ‘Rosario Tijeras‘.Como esposo sus dos parejas lo califican como un ser maravilloso, así, a secas. Como papá Maria Antonia y Juana sus dos hijas, que viven en Colombia, lo vieron como el mejor de los amigos. Como abuelo quedó con algo de frustración, ya que su único nieto, hijo de Marcela, vive en República Dominicana y nunca pudieron compartir el tiempo que él hubiese querido.

Así se fue el esposo, el ser, el papá, el amigo, el abuelo y obviamente el actor, ese que no se borrará tan fácil de la memoria de todos los colombianos.

Sacado de: http://extroversia.universia.net.co/html/cineytv/personajesExp.jsp?actualConsecutivo=31